Folklore en musiques contemporaines

Les chansons traditionnelles européennes revisitées par les compositeur·rice·s d'aujourd'hui

Du folklore

en musiques contemporaines

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5. Crédits

4. Quelques exemples de folklore européen en musiques contemporaines

3. Le folklore français en musiques contemporaines

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

1. Définition et repères historiques

1. Définition et repères historiques

Définition et repères historiques

Dans ce dossier, nous aborderons le folklore musical principalement sous le prisme de la chanson traditionnelle.

GORSE Pierre, Danse aux Eaux-Bonnes (Vallée d'Ossau), XIXème siècle, Bibliothèque municipale de Toulouse.

1. Définition et repères historiques

Le folklore musical

Le folklore musical peut se définir comme l'ensemble des expressions musicales populaires, non atteintes par la civilisation industrielle. Il s'agit donc de musiques archaïques, villageoises, traditionnelles et qui furent notées, recueillies ou enregistrées avant leur disparition, à leur dernier stade d'évolution. Les manifestations musicales populaires apparaissent sous trois aspects : la chanson, la danse et la musique instrumentale d'accompagnement.

Romantisme

Quelques exemples

Baroque

Classique

Renaissance

Les traditions populaires ont toujours entretenu des liens avec la musique écrite. Le métissage entre la musique savante et la musique populaire s'est ainsi toujours pratiqué tout au long de l'histoire de la musique, du Moyen-Âge, avec l'apport du répertoire profane et populaire des troubadours, jusqu'à nos jours. On peut observer à différentes périodes, des processus d'abstraction musicale qui éloignent certaines musiques savantes des pratiques populaires, ou au contraire un réinvestissement plus ou moins artificiel du populaire dans le savant, à la faveur d'un mouvement esthétique, philosophique voire politique.

Musique savante et musique populaire d'hier à aujourd'hui

1. Définition et repères historiques

1. Définition et repères historiques

L'apport de Béla Bartók (1881-1945)

Pianiste et compositeur hongrois, Béla Bartók manifeste un intérêt pour la musique populaire hongroise, plus généralement la musique traditionnelle des Balkans, slovaque et même arabe. Faisant office d'ethnographe musical, il entreprend une démarche méthodologique rigoureuse de collecte et d'études de la musique paysanne hongroise avec Zoltán Kodály. Entre 1905 et 1918, il collecte près de 10000 mélodies hongroises, roumaines, slovaques, bulgares, arabes, serbes ou croates, d'abord en les notant puis en les enregistrant à l’aide du phonographe.Béla Bartók crée une nouvelle esthétique par l'appréhension, la compréhension et la conquête de l'essence spirituelle de la musique populaire. Avec ses références à la musique populaire, il participe à un renouvellement du langage musical par une libre utilisation des éléments populaires et un développement de ces éléments selon les règles de la composition savante.

Dès le début du XXème siècle, l'utilisation du populaire fait partie de la recherche d'un renouvellement du langage musical. De très nombreux compositeur·rice·s de ce siècle ont été marqué·e·s par des musiques populaires européennes ou par des civilisations extra-européennes. Ces musiques ont joué le rôle d'un matériau neuf (sonorités, modes, formes rythmiques ou instruments). L'intérêt porté aux pratiques et aux théories extra-occidentales (ou "esthétique du divers") a abouti également à des influences philosophiques, poétiques, esthétiques et religieuses. L'approche des différentes cultures musicales s'est faite, soit directement, au contact des peuples concernés ou au contact de leur diaspora en Occident, soit indirectement en travaillant avec de la matière ou des documents de seconde main (musique enregistrée, travail d'ethnomusicologue…). Par ailleurs, le répertoire et l'instrumentarium foisonnants de la musique traditionnelle, dont l'enseignement a longtemps été l'apanage du milieu associatif, arrivent dans les Conservatoires à la fin des années 1980. Un Diplôme d'État (DE) et un Certificat d'Aptitudes (CA) spécialisés sont d'ailleurs créés en 1987.

Le XXème siècle

1. Définition et repères historiques

1. Définition et repères historiques

Typologie de l'utilisation du chant traditionnel par les compositeur·rice·s contemporain·e·s

Le folklore inventé ou imaginaire est une création dans le style populaire à partir d'une libre utilisation des éléments constituants une mélodie populaire : structure mélodique, intervalles, rythmes, esprit.

Le folklore inventé

Une musique originale est créée à partir d'une ou plusieurs mélodies ou plusieurs fragments mélodiques.

La citation

Il s'agit d'ajouter à la mélodie populaire un accompagnement instrumental ou vocal. La mélodie ne subit pas de changements. Elle reste au premier plan, parfaitement perceptible.

L'harmonisation

© Marcel Antonisse / Anefo

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

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travaille aux instituts folkloriques de Bucarest et de Cluj où il peut écouter et noter un grand nombre d'enregistrements, alors réalisés sur cylindres de cire. Il se rend également quelques jours dans la ville de Covăsint où il apprend les techniques des instruments traditionnels. Une autre expédition dans le village hongrois d'Inaktelke est l'occasion de prélever sur le terrain plusieurs centaines de chants populaires. En août et septembre 1950, il travaille au Musée d'Éthnographie de Budapest et transcrit des cylindres de cire prélevés par Bartók. Ainsi, dans ses premières compositions, transparaissent les folklores hongrois, roumains, slovaques ou serbes, tous présents en Transylvanie. Après 1950, pour György Ligeti, il ne s'agissait plus d'arranger la musique populaire, ni même de l'imiter. L'assimilation du répertoire d'Europe centrale aboutit à des compositions où l'élément populaire s'intègre parfaitement à une musique résolument savante. À partir de 1980, l'horizon culturel du compositeur s'élargit au-delà de l'Europe centrale, incluant les musiques populaires du monde entier, mais aussi le jazz et la pop music.

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

György Ligeti (1923-2006)

Compositeur autrichien d'origine hongroise, György Ligeti étudie la composition, l'orgue et le violoncelle au Conservatoire de Cluj en Roumanie, puis de 1945 à 1949, la composition à l'Académie Franz-Liszt de Budapest avec Ferenc Farkas, Sándor Veress, Pál Járdányi et Lajos Bárdos. Il commence sa carrière sur les pas de Béla Bartók en transcrivant les mélodies de son pays natal. De 1949 à 1950, il fait un voyage d'études en Roumanie et

LIGETI György, Négy Lakodalmi Tánc par Rosemary Hardy, Eva Wedin, Malena Ernman et Pierre-Laurent Aimard.

Quatre danses nuptiales pour trois voix de femmes ou chœur de femmes et piano

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

Négy Lakodalmi Tánc (1950)

György Ligeti réalise ici un arrangement et une harmonisation de mélodies populaires.Les deux premières mélodies sont des chansons d'origine transylvanienne. La troisième, d'origine hongroise, a été prélevée en 1910 par Béla Bartók et la dernière utilise une chanson de Moldavie. Le rythme d'accompagnement des mélodies tisse un léger contrepoint où les valeurs se répondent et complètent le schéma rythmique unique du chant.

LIGETI György, Concert românesc par l'Orchestre Philharmonique de Radio France sous la direction de Barbara Hannigan.

Concerto roumain pour orchestre

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

Concert românesc (1951)

Le Concert românesc est une véritable imitation du style des villages roumains. György Ligeti s'empare tantôt de certaines tournures mélodiques, tantôt de l'harmonisation populaire, et d'autres fois d'un timbre spécifique. Ainsi les solos de cor dans l'Adagio, avec ses intervalles de quartes et quintes naturelles, rappellent le cor des Alpes des montagnes des Carpates. Par ailleurs, le motif tourbillonnant du mouvement final évoque le thème de l'alouette (ciocărlia) que l'on retrouve en Roumanie et dans beaucoup de régions d'Europe centrale. György Ligeti confie avoir découvert à Covăsint (Roumanie) les tournures harmoniques courantes de la musique paysanne roumaine et les avoir utilisées de manière stylisée dans son Concert românesc.

LIGETI György, Haj, Ifjuság ! par l'Estudio coral de Buenos Aires sous la direction de Carlos Lópes Puccio.

Ah ! la jeunesse pour chœur mixte à quatre parties

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

Haj, Ifjuság ! (1952)

Le premier mouvement ressemble à un arrangement de chanson folklorique, mais en fait, seul le texte est d'origine populaire. La mélodie, en revanche, est du pseudo-folklore inventé par György Ligeti. Dans le deuxième mouvement (toujours sur un texte populaire), une danse folklorique empruntée au folklore tzigane sert de mélodie. Elle provient de la collection de chants populaires du musicologue et compositeur Antal Molnár. Ces deux mouvements relèvent d'un souci stylistique et didactique.

LIGETI György, Hortobágy par le Chœur du Brouhaha sous la direction de Sébastien Lachaume.

La grande plaine pour chœur mixte à quatre parties

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

Hortobágy (1952)

Hortobágy est un cycle de trois chansons populaires sur des textes hongrois que l'on peut exécuter, au choix, soit séparément, soit dans leur intégralité. Le style musical en est volontairement très simple, avec utilisation par endroits du procédé du faux-bourdon. Les textes, choisis par le compositeur, révèlent ici une présence marquée de la nature.

LIGETI György, Hungarian Rock par Élisabeth Chojnacka.

Chaconne pour clavecin

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

Hungarian Rock (1978)

Hungarian Rock est une pièce ironique composée en réaction aux tendances néo-tonales en vigueur alors en Allemagne et que György Ligeti critiquait. En forme de pastiche postmoderne, elle repose sur un ostinato harmonique et rythmique. Elle présente un caractère consonant et elle fait référence à la musique populaire dans les deux sens du terme : dans le sens folk music (puisque la mélodie initiale est une mélodie hongroise) et dans le sens popular music (puisque la rythmique est issue du rock, avec un clin d'œil aussi au rythme bulgare irrégulier).

LIGETI György, Magyar Etüdök , 3e étude : Vassar par le London Sinfonietta Voices.

Études hongroises pour choeur mixte a cappella

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

Magyar Etüdök (1983)

Dans ses études hongroises, György Ligeti n'hésite pas à prendre position aux frontières entre folklore inventé et folklore latent. À l'exception de Spiegelkanon (la première des trois pièces), les liens de parenté avec la musique hongroise ne sont pas cachés. Ici, dans la troisième pièce, Vasar, le compositeur évoque l'ambiance tonitruante de la criée sur les marchés : dans une atmosphère très magyare, les voix s'y superposent dans des tempi différents. Magyar Etüdök est aussi le titre du recueil du poète Sándor Weöres dont les poèmes sont extraits.

LIGETI György, Sonate pour alto solo, 1er mouvement : Hora Lungă par Antoine Tamestit.

2. La musique folklorique dans l'œuvre de György Ligeti

Sonate pour alto solo (1994)

Le premier mouvement de cette sonate qui en comporte six, évoque l'esprit de la musique populaire roumaine. György Ligeti ne compose cependant pas de folklore et n'introduit pas de citations folkloristes, il s'agit plutôt d'allusions. Hora Lungă signifie littéralement "danse lente". Dans la tradition roumaine, il ne s'agit cependant pas de danse, mais de chansons populaires nostalgiques et mélancoliques, à l'ornementation riche. Ce mouvement est intégralement joué sur la corde de do de l'alto.

3. Folklore français en musiques contemporaines

Folklore français en musiques contemporaines

Extrait des Six chansons de métiers pour chœur

DANIEL-LESUR, Les Tisserands par l'Ensemble Vocal Philippe Caillard.

Daniel-Lesur

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Bio

Les Tisserands (1949)

Les chants de métier sont diverses chansons traditionnelles dont les paroles sont en rapport avec une profession, une corporation, voire avec plusieurs métiers. Daniel-Lesur a harmonisé pour chœur mixte un cycle de six chansons traditionnelles : - Les savetiers - Les vignerons - Les charpentiers du roi - Charbonnier mon ami - Les scieurs de long - Les tisserands Ici, la chanson sur les tisserands est une satire de cette corporation.

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Compositeur français né en 1908 et décédé en 2002.

Élève de Charles Tournemire, Jean Gallon et Georges Caussade, Daniel-Lesur découvre la modalité et le travail contrapuntique lors de ses années d'organiste (1927-1944), successivement à la basilique Sainte-Clotilde et à l'abbaye Sainte-Marie de Paris. Raffinement, clarté et intensité de l'expression caractérisent sa musique. Des pièces pour la jeunesse à l’opéra, du chœur a cappella à la symphonie, l’ensemble de son œuvre reste subordonné à l’expression poétique. Daniel-Lesur s’implique dans le groupe Jeune France, en réaction contre le néo-classicisme et contre l’esthétique abstraite de l’école de Vienne. Il s’investit aussi pour la démocratisation de la culture et de la musique et œuvre pour la refonte de l’enseignement et la dynamisation de la vie musicale, notamment en tant que directeur de la Schola Cantorum.

© Durand-Salabert-Eschig

Daniel-Lesur

3. Folklore français en musiques contemporaines

Extrait des Chansons de bord pour chœur d'enfants à 3 voix

DUTILLEUX Henri, La Margot par la Maîtrise de Radio France sous la direction de Sofi Jeannin.

Henri Dutilleux

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Bio

La Margot (1952)

Les Chansons de bord sont des chansons de Bretagne liées à l'univers de la navigation. La Margot est une chanson rapportée en 1927 par Armand Hayet, capitaine au long cours de la marine à voile. Henri Dutilleux harmonise le chant en utilisant de longues tenues qui favorisent l'intelligibilité du texte dans les strophes, tandis qu'il traite la ritournelle de façon plus syllabique, avec une harmonisation essentiellement en secondes et quartes.

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Compositeur français né en 1916 et décédé en 2013.

Après des études au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris dans les classes de Noël Gallon, Henri Busser et Maurice Emmanuel, Henri Dutilleux obtient le Grand Prix de Rome en 1938. De 1945 à 1963, il dirige le service des illustrations musicales de la Radiodiffusion française, ce qui lui permet de côtoyer toutes les tendances artistiques. Renommé dans le monde entier, Henri Dutilleux est l'un des compositeurs français les plus joués. Sa musique s'inscrit dans une continuité historique, porteuse notamment de l'héritage impressionniste. Tout en se situant en marge des grands courants du XXème siècle, elle en réalise une synthèse originale.

© Schott Promotion / Milan Wagner

Henri Dutilleux

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Extrait des Folk songs pour mezzo-soprano et ensemble

BERIO Luciano, Rossignolet du bois par Cathy Berberian, London Sinfonietta et Juilliard Ensemble sous la direction de Luciano Berio.

Luciano Berio

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Bio

Rossignolet du bois (1964)

Les Folk songs sont un mélange subtil de musiques traditionnelles et d'expression musicale contemporaine. L'œuvre constitue une sorte d’encyclopédie de l'art vocal, un cycle de transcriptions arrangées s'inspirant de différents folklores européens. Luciano Berio utilise onze chants populaires (ou donnés comme tels) de provenances diverses (États-Unis, Arménie, Provence, Sicile, Sardaigne...), qu'il avait trouvés sur de vieux disques, dans des recueils imprimés ou entendus chez des amis.

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Compositeur italien né en 1925 et décédé en 2003.

Né dans une famille de musicien·ne·s, Luciano Berio étudie au Conservatoire de Milan (Italie), puis à Tanglewood (États-Unis) auprès de Luigi Dallapiccola (1952) et il assiste aux cours d'été de Darmstadt (Allemagne). S'intéressant à la musique électronique, il fonde le Studio de phonologie musicale de la RAI (1955) avec Bruno Maderna, puis il dirige la section électroacoustique de l'Ircam (1974-1980), avant de créer à Florence (Italie), le centre de recherche Tempo Reale (1987). Il enseigne dans les plus grandes universités américaines et fonde le Juilliard Ensemble. Ouvert à toutes les cultures et nourrissant sa pensée musicale de littérature et de linguistique, il a exploré la plupart des formes musicales dans une expression libre et spontanée. Compositeur de notoriété internationale, il laisse un catalogue d'une grande richesse.

© Eric Marinitsch

Luciano Berio

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SAVOURET Alain, Tu chantes ou pas ?

Chants et sons d'Auvergne

Alain Savouret

3. Folklore français en musiques contemporaines

Bio

Tu chantes ou pas ? (1992)

Cet album, assimilable à du collectage phonographique, rassemble l'enregistrement public de pièces instrumentales et vocales créées sous le titre Veillée composée en juin 1992 à l'espace Lebon en Auvergne, ainsi que des sons concrets recueillis sur place et dans la nature auvergnate. En véritable fresque sonore d'un territoire, des moments de vie sont ici partagés. La musique instrumentale et vocale est composée d'après des airs traditionnels et des textes d'André Ricros.

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Compositeur français né en 1942.

Pianiste, chef d'orchestre et compositeur, Alain Savouret étudie au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNMSD) de Paris, notamment auprès d'Elsa Barraine, Marcel Beaufils et Olivier Messiaen. Après un stage au service de la recherche de l'ORTF, il est chargé de recherche (1968-1972) au GRM (Groupe de recherches musicales) puis collabore avec le GMEB (Groupe de musique expérimentale de Bourges). Compositeur de musiques électroacoustiques, instrumentales et mixtes, ainsi que d'œuvres pédagogiques, il s'intéresse à la matière sonore, à la virtuosité au clavier, à l'économie du matériau compositionnel ainsi qu'à l'improvisation. Il développe, à partir de 1987, le concept de "maîtrise d'œuvre", opération musicale menée sur une longue période avec les acteur·rice·s de la vie locale et leur patrimoine sonore pour une unique représentation.

© Xuan Maï Dang

Alain Savouret

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ROSAZ Jean-Christophe, Rossignol du bois sauvage par Zürcher Vokalisten sous la direction de Christian Dillig.

pour chœur mixte a cappella

Jean-Christophe Rosaz

3. Folklore français en musiques contemporaines

Bio

Rossignol du bois sauvage (1998)

Écrite d'après une chanson populaire de Franche-Comté, cette œuvre de Jean-Christophe Rosaz expose un chant tout en mélismes et en superpositions de voix avec un développement totalement repensé dans un langage résolument contemporain.L'œuvre, éditée en 2005, est créée en 2012 par Zürcher Vokalisten sous la direction de Christian Dillig.

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Compositeur, auteur et metteur en scène franco-suisse né en 1961.

Guitariste de formation, Jean-Christophe Rosaz étudie au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Lyon, notamment auprès de Gilbert Amy, Raffi Ourgandjian et Robert Pascal, avant de compléter son parcours par un cursus de composition en musique de film à l'École Normale de Musique de Paris - Alfred Cortot. Également chanteur, sensibilisé à diverses langues et dialectes, il écrit de nombreuses œuvres pour la voix : opéra de chambre, opéra pour voix d'enfants, conte musical, pièces pour chœur a cappella ou avec accompagnement instrumental, musique sacrée. Ouvert à la musique dans toute sa diversité, en particulier aux musiques populaires, il compose également des pièces pour formation de chambre et puise son inspiration dans la nature.

© Charlotte Klingenberg

Jean-Christophe Rosaz

3. Folklore français en musiques contemporaines

MACHUEL Thierry, C'est d'main qu'tu t'maries par le Quatuor Vocal Méliades.

Extrait de Chansons de malmariée op 68 pour quatre voix de femmes

Thierry Machuel

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Bio

C'est d'main qu'tu t'maries (2013)

À partir de quatre chants traditionnels d'Anjou, Bretagne, Normandie et Touraine, Thierry Machuel a écrit une sorte de petit opéra, transposant les mélodies dans un langage lyrique avec une forte dramaturgie, mettant en valeur des textes dont l'apparente légèreté recouvre de sordides réalités. C'est d'main qu'tu t'maries se base sur le folklore de Touraine et relate les interrogations d'une jeune fille qui doit se marier avec quelqu'un qu'elle ne désire pas.

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Compositeur français né en 1962.

Pianiste, improvisateur, Thierry Machuel étudie seul la composition après avoir fait ses classes au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris. Pensionnaire à la Villa Médicis (1996-1998), puis à la Casa de Velázquez (1999-2001), il compose une majorité d'œuvres chorales à l'intention d'ensembles amateurs ou professionnels et enseigne également la composition pour chœur. Il collabore régulièrement avec des comédien·ne·s, plasticien·ne·s, vidéastes, scénographes ainsi que des auteur·rice·s de textes et poèmes dont il restitue la prosodie quelle que soit la langue. Sa technique de composition, qui s’inspire de la voix parlée, révèle une invention mélodique, harmonique et sonore, et mêle volontiers musique et bruits. Respectueuse du texte, sa musique est évocatrice et accessible malgré un contrepoint complexe. Thierry Machuel manifeste un grand intérêt pour les témoignages, les expériences de vie singulières, et s'oriente vers "l'opéra choral", forme permettant de suivre l'épopée d'une communauté humaine. En 2011, il reçoit le Grand Prix Lycéen des Compositeurs.

© DR

Thierry Machuel

3. Folklore français en musiques contemporaines

ZAVARO Pascal, En passant le long d'un ch'min par le Quatuor Vocal Méliades.

Ronde de Basse-Normandie, extraite de Deux chansons populaires normandes pour quatre voix de femmes

Pascal Zavaro

3. Folklore français en musiques contemporaines

Bio

En passant le long d'un ch'min (2013)

Le compositeur, attiré par une mixité entre la musique de concert et la musique populaire, réalise ici une harmonisation dynamique d'une ronde entraînante normande. La mélodie soutenue par l'accompagnement vocal est entrecoupée par des interjections et des onomatopées qui confèrent à l'ensemble de la pièce un caractère joyeux et humoristique.

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Compositeur français né en 1959.

Né dans une famille d’artistes, Pascal Zavaro s'initie à la musique en autodidacte. Après des études au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris et une spécialisation en percussions japonaises auprès de Keiko Abe à la Tōhō Gakuen de Tokyo (Japon), il devient un percussionniste de talent. Virtuose du marimba, improvisateur et transcripteur, il interprète de nombreuses pièces solistes et des concertos à travers le monde avant de se consacrer à la composition. Sa musique reflète l'influence rock de son enfance et est basée sur une pensée rythmique et harmonique héritée d'Igor Stravinsky et de Béla Bartók. Ses compositions, majoritairement instrumentales, allient parfois l'électronique aux instruments classiques. En 2000, Pascal Zavaro reçoit le Prix Pierre Cardin de composition musicale de l'Académie des Beaux-arts. En 2007, il est lauréat du festival de Shanghaï (Chine) et en 2008, il reçoit le Grand Prix Lycéen des Compositeurs.

© Philippe Nguyen

Pascal Zavaro

3. Folklore français en musique contemporaine

Making-off de la musique du défilé

RONCHETTI Lucia, Sangu di rosa par l'Ensemble Sequenza 9.3 sous la direction de Catherine Simonpietri.

pour ensemble vocal féminin à six voix

Lucia Ronchetti

3. Folklore français en musiques contemporaines

Bio

Sangu di rosa (2019)

Commande du ministère de la Culture français, Sangu di rosa de Lucia Ronchetti met en musique les textes des voceri corses traditionnels. Il s'agit de l'un des plus importants répertoires musicaux lié aux cérémonies funéraires de l'île, un langage sculptural, visionnaire, rugueux, qui fournit une émission vocale puissante et profonde, miroir de la culture et des traditions anciennes du peuple corse. Quelques jours après sa création, l'œuvre est reprise pour un défilé Dior et ainsi sublimée dans un théâtre visuel et sonore.

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Compositrice italienne née en 1963.

Pianiste de formation, Lucia Ronchetti étudie la composition et l'informatique musicale à l'Academie Nationale Sainte-Cécile de Rome (Italie). Elle poursuit son parcours à Paris, suit le cursus de composition et d'informatique musicale à l'Ircam et obtient un doctorat à l'École Pratique des Hautes Études. À l'Université de Columbia (États-Unis), elle soutient ensuite une thèse intitulée Timbre texture as formal determinant of composition. Recourant souvent à l'électronique, Lucia Ronchetti compose pour tous types d'effectifs. Elle s'inspire des sciences naturelles, de la philosophie, de la poésie, de la littérature, de la peinture et des musiques préexistantes, auxquelles elle fait de nombreuses références. Elle explore le traitement de la voix et sa dimension sculpturale, notamment grâce à une longue collaboration avec l'ensemble Neue Vocalsolisten de Stuttgart. Le théâtre musical et la théâtralité sont très présents dans sa production y compris dans des œuvres vocales non scéniques.

© Stefano Corso

Lucia Ronchetti

3. Folklore français en musiques contemporaines

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4. Quelques exemples de folklore en Europe

Quelques exemples de folklore en Europe

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ESPAGNE

OHANA Maurice, Neige sur les orangers par les Petits Chanteurs Limousins sous la direction de Cyprien Sadek.

pour chœur d'enfants a cappella

Maurice Ohana

4. Quelques exemples de folklore en Europe

Bio

Neige sur les orangers (1987)

Cette œuvre est une harmonisation d'une berceuse asturienne. Elle est éditée en 1987 au sein d'un recueil de huit chansons espagnoles.Maurice Ohana a toujours collecté les mélodies populaires, principalement espagnoles, dont il a fait une sorte de recueil, un journal de bord, très intime. Ces chansons sont comme des confidences ou des carnets d'esquisses qui l'ont accompagné toute sa vie.

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Compositeur français né en 1913 et décédé en 1992.

Très jeune, Maurice Ohana débute une carrière de pianiste après des études à Barcelone (Espagne) et Paris. En 1937, il se forme au contrepoint avec Daniel-Lesur à la Schola Cantorum et plus tard, s'initiera avec Pierre Schaeffer à la musique concrète (1950). En 1946, il fonde avec trois amis le groupe Zodiaque, qui défend la liberté d'expression et s'insurge contre les esthétiques alors en vogue. Il élabore ensuite un style personnel offrant une place prépondérante à la voix et la percussion. Sa musique s'inspire de la tradition ibérique (influence maternelle) et nord-africaine (enfance au Maroc), tout en utilisant des modes d'expression contemporains (micro-intervalles, électroacoustique). L'aura artistique de Maurice Ohana inspire de nombreux·euses compositeur·rice·s dont il suit les travaux et l'orientation, tels que Félix Ibarrondo, Tôn-Thât Tiêt, Édith Canat de Chizy et Francis Bayer.

© Dominique Souse

Maurice Ohana

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Com que voz, partie III

Com que voz, partie II

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PORTUGAL

GERVASONI Stefano, Com que voz, partie I par Cristina Branco, Frank Wörner, l'Ensemble Modern et Thomas Goepfer sous la direction de Franck Ollu.

pour deux chanteurs et ensemble instrumental

Stefano Gervasoni

4. Quelques exemples de folklore en Europe

Bio

Com que voz (2008)

Com que voz alterne chants fado, accompagnés par un ensemble instrumental d'écriture contemporaine, et un cycle d'une conception intégralement contemporaine pour baryton d'après le poète portugais du XVIème siècle Luís Vaz de Camões.Le fado est un genre musical portugais, constitué de chants populaires au thème mélancolique accompagné d'instruments à cordes pincées. Le compositeur y apporte une vision moderne en utilisant des modes de jeu typiquement contemporain.

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Compositeur italien né en 1962.

Élève dans les classes de Luca Lombardi, Niccolò Castiglioni et Azio Corghi au Conservatoire Giuseppe Verdi de Milan (Italie), Stefano Gervasoni étudie parallèlement la composition informatique, notamment auprès de Marco Stroppa. Outre György Ligeti, dont il fréquente les cours en Hongrie (1990), Stefano Gervasoni côtoie Brian Ferneyhough, Peter Eötvos et Helmut Lachenmann, qui exercent une influence importante sur sa carrière. Il suit également le cursus de composition en informatique musicale de l'Ircam puis réside à la Villa Médicis (1995-1996). Riche de plus d'une centaine de pièces, son catalogue s'ouvre à des genres musicaux très différents : de la musique de chambre à l'orchestre, sans oublier la musique d'ensemble, le théâtre et le répertoire vocal. Stefano Gervasoni est également professeur de composition au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris.

© Davide Santi

Stefano Gervasoni

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ITALIE

HENZE Hans Werner, Fünf neapolitanische Lieder par Dietrich Fischer-Dieskau et le Sinfonieorchester des Hessischer Rundfunk sous la direction d'Otto Matzerath.

chansons napolitaines pour baryton et orchestre de chambre

Hans Werner Henze

4. Quelques exemples de folklore en Europe

Bio

Fünf neapolitanische Lieder (1956)

Hans Werner Henze compose les cinq chansons napolitaines durant un hiver en Italie. Il exploite le potentiel de la musique folklorique de Naples sans renoncer à sa propre grammaire musicale.Les paroles des cinq chansons, en dialecte napolitain, datent du XVIIème siècle et sont anonymes. 1. Aggio saputo ca la morte vene 2. A l’acqua de li funtanelle 3. Amaie 'na nenne pe' tridece mise 4. Amaie 'nu ninno cu' sudore e stiente 5. Arbero piccerillo, te chiantaie

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Compositeur et chef d'orchestre allemand né en 1926 et décédé en 2012.

Hans Werner Henze étudie à la Staatsmusikschule de Braunschweig puis à l'Institut de musique sacrée de Heidelberg (Allemagne). Initié à la musique sérielle, notamment par René Leibowitz, il diversifie son style, mêle le dodécaphonisme au jazz ou encore à la musique arabe et opte souvent pour une orchestration dense et un lyrisme expressionniste. Passionné de littérature, il met en musique Miguel de Cervantès, Heinrich von Kleist, Honoré de Balzac, Franz Kafka, Wystan Hugh Auden ou encore Yukio Mishima. Séduit par la vocalité italienne, il s'installe en Italie et compose une vingtaine d'opéras, ainsi que des partitions pour la scène et le théâtre musical. Artiste progressiste, il recourt à des thèmes provocateurs et se sert de la musique pour exprimer ses convictions politiques. Son abondante production comporte également des musiques de films, des pièces de musique de chambre et solistes ainsi que de très nombreuses œuvres orchestrales parmi lesquelles dix symphonies et des concertos.

© Schott Promotion / Christopher Peter

Hans Werner Henze

4. Quelques exemples de folklore en Europe

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SUÈDE

ISAKSSON Madeleine, Várije par Mánáj vuöllie et Norrlands Operan Childrens choir.

pour deux chœurs d'enfants

Madeleine Isaksson

4. Quelques exemples de folklore en Europe

Bio

Várije (2013)

Várije signifie montagne dans la langue des Samis. Dans cette œuvre, la compositrice utilise trois joiks qu'elle a notés et transcrits à partir d'enregistrements de l'artiste joik Jörgen Stenberg. Le joik est un chant traditionnel des samis. Il s'exécute a cappella, généralement lentement et du fond de la gorge, en faisant transparaître de la colère ou de la douleur.L'œuvre est écrite pour un chœur traditionnel et un chœur spécialisé dans le joik. L'écriture des deux chœurs privilégie les sonorités en "aw" et "o-i-o".

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Compositrice franco-suédoise née en 1956.

Madeleine Isaksson étudie à l'École Supérieure de Musique de Stockholm (1979-1987). Elle obtient un diplôme de professeur de piano auprès de Gunnar Hallhagen, puis de composition avec Gunnar Bucht et Sven-David Sandström. Elle se forme également à Amsterdam (Pays-Bas) et à Royaumont auprès de Louis Andriessen et Brian Ferneyhough. Les musiques de Morton Feldman, Giacinto Scelsi, Iannis Xenakis et Emmanuel Nunes ont nourri son cheminement artistique tout autant que les arts visuels et la littérature. La musique de Madeleine Isaksson peut être caractérisée par une concentration dramatique interne et l'expression de l'intime, une métrique fluctuante sensible aux lois de la gravitation. Elle compose des œuvres aussi bien instrumentales que vocales.

© Jean-Louis Garnell / ADAGP 2005

Madeleine Isaksson

4. Quelques exemples de folklore en Europe

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GRÈCE

MARKEAS Alexandros, Dimotika n°1 : Xypnisse petroperdika par Isabelle Soccoja, la Maîtrise Boréale, le Chœur d'enfants de Poitiers et l'ensemble Ars Nova sous la direction de Philippe Naon.

pour mezzo-soprano, 7 musiciens et chœur d’enfants

Alexandros Markeas

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Bio

Dimotika (2003)

"Dimotika" est le terme utilisé en Grèce pour désigner la musique folklorique rurale. La pièce revisite une série de chants populaires, entre composition et arrangement, dans un univers musical qui évolue vers des paysages sonores abstraits. Dimotika se réfère directement à deux œuvres qui placent les musiques populaires au cœur de leur propos : les Cinq mélodies populaires grecques de Maurice Ravel (modèle d'une projection harmonique élargie sur les modes traditionnels) et les Folk songs de Luciano Berio (mélange subtile de musiques traditionnelles et d'expression musicale contemporaine).

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Pianiste, improvisateur et compositeur grec né en 1965.

Pianiste formé au Conservatoire National d'Athènes, Alexandros Markeas se perfectionne au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris avec Alain Planès, avant d'y étudier la composition auprès de Guy Reibel, Michaël Levinas, Laurent Cuniot et Luis Naón. Privilégiant les rencontres avec des musicien·ne·s improvisateur·rice·s de cultures différentes, Alexandros Markeas s'intéresse aux langages des musiques traditionnelles. Il se préoccupe des questions de rythmes et de répétition, utilise les techniques multimédias et compose une musique, dans l'héritage de l'école spectrale, qui s'attache plus au son qu'à la note. Son œuvre alimente ainsi le répertoire pour le concert, le théâtre musical, la musique pour l'image et les installations sonores. Alexandros Markeas compose également des œuvres pédagogiques et enseigne l'improvisation générative au CNSMD de Paris.

© Arthur Pequin

Alexandros Markeas

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SLOVÉNIE

GLOBOKAR Vinko, Dialog über Wasser par Koki Fujimoto et Gaku Yamada

pour guitare acoustique et électronique

Vinko Globokar

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Dialog über Wasser (1994)

La guitare électrique explore les symboles de l'eau et se comporte comme un personnage sourd à son environnement, immuable et non influençable. En revanche la guitare acoustique ne peut vivre que par rapport à son double figé, dépendant de lui, le commentant mais pouvant aussi se distancier et même le quitter. À la fin de la pièce, en guise de conclusion, Vinko Globokar introduit une chanson folklorique slovène chantée par les guitaristes et dont voici la traduction : La jeune fille partit chercher de l'eau dans la montagne. Puisant l'eau elle attrapa un poisson. Elle remit le poisson dans l'eau. Celui-ci l'éclaboussa.

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Compositeur français d'origine yougoslave né en 1934.

D'abord tromboniste de jazz à Ljubljana (Slovénie), Vinko Globokar entre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris en 1955 et suit l'enseignement de René Leibowitz et André Hodeir. Plus tard, il prolonge ses études avec Luciano Berio. Vinko Globokar combine dans sa musique des dualités telles que voix/instrument, tradition/avant-garde, et n'hésite pas à faire de ses compositions un vecteur de critique politique, sociale ou anthropologique. Convaincu du potentiel inventif de l'interprète, il favorise la création collective. Il exploite en outre la théâtralité, qu'elle soit scénique, corporelle ou instrumentale. Tromboniste de talent, il suscite de nombreuses créations contemporaines, notamment de Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel et Tōru Takemitsu.

© DR

Vinko Globokar

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POLOGNE

LUTOSŁAWSKI Witold, Concerto pour orchestre par l'Orchestre des Jeunes d'Île-de-France sous la direction de David Molard Soriano.

Witold Lutosławski

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Concerto pour orchestre (1954)

Le Concerto pour orchestre est l'œuvre qui couronne les expériences sur le folklore de Witold Lutosławski en termes d'orchestration et d'utilisation du matériel folklorique. Des thèmes recueillis (principalement en Mazovie, région polonaise), il ne garde que le substrat mélodique et créé une nouvelle matière dense et inventive. Witold Lutosławski ajoute des contrepoints atonals et les transforme en formes néo-baroques.

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Compositeur polonais né en 1913 et décédé en 1994.

Pianiste et violoniste de formation, Witold Lutosławski approfondit ses études musicales aux conservatoires de Varsovie (Pologne) et de Hambourg (Allemagne). Prisonnier de guerre en 1939, puis pianiste dans les cafés de Varsovie jusqu'à la libération, il poursuit son travail de composition commencé dès 1922. À la suite de sa première symphonie (1941-1947), critiquée pour son « formalisme » et interdite pendant la période stalinienne, il compose dans un style néo-bartokien plus « acceptable » et continue ses recherches stylistiques. Synthèse de la tradition et de l'avant-garde, son écriture intègre le folklore polonais, la virtuosité pianistique du XXème siècle, mais aussi les techniques dodécaphoniques et aléatoires. Il invente ainsi le concept d’aléatoire contrôlé, laissant à l'interprète une liberté très encadrée, et fait évoluer la forme bipartite.

© W. Pniewski et L. Kowalski

Witold Lutosławski

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pour voix de femme et ensemble

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SUISSE

STRASNOY Oscar, Chanzuns Popularas Rumanchas par Sarah Maria Sun, Samuel Blaser, Mathieu Ogier, Nathalie Amstutz, Oscar Strasnoy et l'Ensemble KNM.

Oscar Strasnoy

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Chanzuns Popularas Rumanchas (2019)

Cette pièce consiste en un montage et une réécriture complète de cinq chansons traditionnelles suisses en langue romanche. Il a été inspiré par le traitement de Luciano Berio dans ses Folk songs et est basé sur le même type d’ensemble, avec l’ajout de deux instruments, un piano et un trombone, ainsi qu’une partie électronique qui peut être jouée par un DJ ou sur des pistes préenregistrées. Les cinq chants traditionnels sont segmentés et mélangés ensemble.

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Compositeur argentin né en 1970.

Pianiste de formation, Oscar Strasnoy étudie la direction d'orchestre et la composition au Conservatoire de Buenos Aires (Argentine), au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris ainsi qu'à la Musikhochschule de Francfort (Allemagne). Élève de Michaël Levinas, Gérard Grisey, Guy Reibel et Hans Zender, il reçoit des bourses et commandes d'institutions européennes et américaines. Son écriture, libre de tout dogmatisme, utilise des éléments musicaux préexistants et des figures sonores préfabriquées et reconnaissables. Son intérêt pour la scène, son attrait pour la littérature et son affinité avec l'expression vocale l'amènent à collaborer avec l'écrivain Alberto Manguel, à puiser dans des textes de Franz Kafka et Copi, et à créer ainsi œuvres scéniques et opéras. Parallèlement à son activité de compositeur, il exerce les fonctions de chef d'orchestre, de pianiste au sein du quintette Ego Armand et de pédagogue.

© Senontivedo

Oscar Strasnoy

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pour chœur de femmes et orchestre à cordes

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ESTONIE

PÄRT Arvo, Estonian Lullaby par le chœur et orchestre de l'Académie de musique et théâtre d'Estonie sous la direction de Mai Simson.

Arvo Pärt

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Estonian Lullaby (2006)

Estonian Lullaby est une berceuse basée sur une chanson populaire de Jõhvi, dont Arvo Pärt a puisé la ligne mélodique. Pour le compositeur, cette berceuse est comme un petit morceau de paradis perdu – une petite consolation teintée d'un sentiment de profondeur et d'intimité. Il s'adresse ainsi aux adultes et à l'enfant en chacun de nous.

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Compositeur estonien né en 1935.

Après des études au Conservatoire de Tallinn (Estonie), Arvo Pärt compose d'abord des œuvres d'influence néoclassique, conformément aux exigences du régime soviétique. Il expérimente ensuite le sérialisme, les techniques aléatoires, mais aussi les collages de matériaux musicaux baroques et romantiques. Il explore également la musique médiévale et distille dans ses œuvres des polyphonies anciennes et des références grégoriennes. Dans les années 1980, il se tourne vers le sacré, vers les textes religieux et compose davantage pour la voix. Il travaille alors autour du silence, avec peu de notes et un rythme réduit. Remaniant souvent ses œuvres, il offre différentes versions et orchestrations.Arvo Pärt est l'inventeur du procédé des "tintinnabuli", faisant tinter les sons comme des cloches.

© Eric Marinitsch

Arvo Pärt

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pour orchestre

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ALLEMAGNE

WIDMANN Jörg, Souvenir bavarois par le Frankfurt Radio Symphony Orchestra sous la direction de Paavo Järvi.

Jörg Widmann

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Souvenir bavarois (2010)

Alors qu'il était en voyage d'études à Dubaï en 2009, Jörg Widmann s'interroge sur ses origines et ses racines musicales. Ainsi après avoir écrit les Dubairische Tänze, plus proches de sa bavière natale que du Moyen-Orient, il puise à nouveau dans la musique folklorique bavaroise et compose son Souvenir bavarois pour Paavo Järvi qui fête alors ses dix ans à la tête du Cincinnati Symphony Orchestra.

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Compositeur, clarinettiste et chef d'orchestre allemand né en 1973.

Clarinettiste, diplômé de la Juilliard School de New York (États-Unis), Jörg Widmann étudie la composition avec notamment Hans Werner Henze à Munich ainsi que Heiner Goebbels et Wolfgang Rihm à Karlsruhe (Allemagne). Il compose une musique énergique et expressive. Accordant toute son attention aux instruments, il utilise un large panel de modes de jeu et repousse les limites de la virtuosité. Ses compositions sont souvent le fruit d'un dialogue intellectuel avec des œuvres du passé (Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Mahler…) auxquelles il emprunte un élément poétique, formel, rythmique ou instrumental. Compositeur de musique soliste, de musique de chambre, d'ensemble et d'orchestre, il s'illustre également dans la musique vocale, l'art lyrique et le théâtre musical.

© Marco Borggreve

Jörg Widmann

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pour chœur de femmes à quatre voix

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ROYAUME-UNI

ROSAZ Jean-Christophe, Let No Man Steal Your Thyme par l'Ensemble vocal du Conservatoire de Châteauroux sous la direction de Catherine Gaiffe.

Jean-Christophe Rosaz

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Bio

Let No Man Steal Your Thyme (2015)

Cette œuvre reprend la mélodie d'une ballade populaire britannique et irlandaise. Le texte utilise notamment un symbolisme botanique pour avertir les jeunes gens des dangers de prendre de faux amants. La chanson a été documentée pour la première fois en 1689 et connaît de nombreuses variantes sous différents titres. L'harmonisation toute contemporaine participe à la dramaturgie de l'œuvre.

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Compositeur, auteur et metteur en scène franco-suisse né en 1961.

Guitariste de formation, Jean-Christophe Rosaz étudie au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Lyon, notamment auprès de Gilbert Amy, Raffi Ourgandjian et Robert Pascal, avant de compléter son parcours par un cursus de composition en musique de film à l'École Normale de Musique de Paris - Alfred Cortot. Également chanteur, sensibilisé à diverses langues et dialectes, il écrit de nombreuses œuvres pour la voix : opéra de chambre, opéra pour voix d'enfants, conte musical, pièces pour chœur a cappella ou avec accompagnement instrumental, musique sacrée. Ouvert à la musique dans toute sa diversité, en particulier aux musiques populaires, il compose également des pièces pour formation de chambre et puise son inspiration dans la nature.

© Charlotte Klingenberg

Jean-Christophe Rosaz

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