Actividad en clase
1. Investigar las características del arte paleocristiano, Bizancio, románico y gótico.
2. Utilizar una herramienta virtual (padlet, genially, línea de tiempo, infografía, organizador gráfico o video selfie, cómic, otros) para plasmar los hallazgos de estos periodos.
3. Exponer el trabajo grupal.
Aspectos a investigar
- Temporalidad
- Características
- Formatos artísticos de la época
- ¿Qué revela el arte de estas etapas sobre su contexto social, político, cultural y religioso?
- Dos ejemplos obtenidos de un recorrido virtual en museos o textos de arteDato curioso
- Incluir las fuentes
Tiempo para el desarrollo de la actividad: 2 horas
Arte Paleocristiano
Características
Conjunto de manifestaciones figurativas y simbólicas realizadas en el Imperio Romano desde el siglo II d.C., hasta la llegada, en el 476, de las hordas bárbaras.
- Nace fuera de la ley, es un instrumento para mantener y transmitir la fe.
- Interesa representar los relatos del Antiguo Testamento, acentúa el mundo de lo espiritual.
- Adaptación de los métodos artísticos a las necesidades religiosas.
- Representación de la historia sacra para instruir a los creyentes.
- Carece de naturalismo, se evitan las representaciones realistas.
- La belleza no es imperante, se intenta transmitir a los fieles el poder y la clemencia de Dios.
- Todo lo que no aportada significado para el fiel era descartado de la obra, fueron importantes los principios de claridad y sencillez.
Etapas
- Etapa primitiva: de clandestinidad y escaso desarrollo artístico, que se extiende hasta el edicto de Milán (313), fecha en la que el Estado reconoce la legalidad de la religión cristiana
- Etapa de desarrollo o paleocristiana: entre los siglos IV y VI.
Se lo encontraba en las catacumbas y en los “tituli” o casas patricias
Catacumbas de Domitila
Moisés haciendo brotar agua de una roca, 245-256 d.C. Pintura mural
Características
Tres hombres sobre el fuego ardiente, siglo III
Cristo con San Pedro y San Pablo, 389 d.C
La caída del Imperio Romanto en Occidente y esplendor en Oriente
En el año 476 se produjo la caída del Imperio Romano de Occidente. Su final fue debido a muchas causas:
Crisis económica
Crisis militar
Crisis política
ruralización
Invasiones bárbaras
Contexto
Desde el siglo I d. C. Roma buscaba impedir la penetración de los bárbaros atrincherándose detrás del limes, es decir, de la línea continua de fortificaciones que se extendía entre el Rin y el Danubio, construida precisamente para contener la presión de los pueblos germánicos.
Razones de las invasiones bárbaras 1. Imperio Romano en inestabilidad interna desde el siglo III d.C. 2. Poblaciones en constante crecimiento y empujadas por los pueblos orientales, necesitaban nuevos territorios para expandirse: de lo contrario las tribus más débiles desaparecerían. 3. La presión de las poblaciones externas tiene relación con el contacto y comparación con la civilización imperial romana (sus riquezas, lengua, armas, organización) como motivo para que los pueblos germánicos quisieran restructurarse y organizarse en sistemas sociales más robustos y permanentes, capaces de defenderse mejor o de atacar seriamente al Imperio.
Sarcófago llamado "Gran Ludovisi" que representa una batalla entre soldados romanos y germanos. El personaje principal es probablemente Hostiliano, hijo del emperador Decio (251 d. C.). Mármol del Proconnese, obra romana, hacia 251/252 d.C.
Bizancio: el replanteamiento del arte
La decoración de estas basílicas generó muchas disputas. Fue una época en la que se replanteó qué imágenes debían ser utilizadas en la religión. Uno de los primeros consensos entre los cristianos fue oponerse al naturalismo de las estatuas, pues se parecían a las imágenes talladas y a los ídolos que estaban condenados por la Biblia, así que fueron descartadas.
En 311 d. C., el emperador Constantino estableció la religión cristiana como la oficial del Estado, confiriéndole el mayor poder del reino.
Los nuevos templos se construyeron como grandes salas de reunión, al estilo de las basílicas de la época clásica: construcciones empleadas como mercados cubiertos y tribunales públicos de justicia, con bajos compartimientos en las paredes laterales en cuyo extremo solía haber un espacio para un estrado semicircular en el que el juez o presidente de la asamblea tenía su asiento. Tenían un altar, conocido como coro, y la sala principal o central donde se congregaban los fieles, como nave.
Turégano, P. (2011). Catedral de San Marcos
"La pintura podía ser para los iletrados lo mismo que la escritura para los que sabían leer".
La pintura corrió con otra suerte pues, en el siglo VI, el papa Gregorio el Grande —quien tuvo una gran relevancia para la historia del arte—, impulsó mucho las creaciones de este tipo al considerar a la pintura como una herramienta importante para el conocimiento.
Gregorio el Grande
Bizancio
Los artistas dejaron de hacer descubrimientos acerca de cómo representar un cuerpo o crear una ilusión de profundidad, aunque lo descubierto antes no se perdió para siempre —la iglesia bizantina conservó las ideas y el acervo del arte griego en el estilo utilizado en los rostros, actitudes y vestiduras, sin embargo, adecuaron el empleo de utilidad del arte en las iglesias, confiriéndole un lugar muy importante a las tradiciones.
El arte de esta época empezó a verse con un fin útil, a expresarse con claridad y sencillez realzando lo estrictamente esencial. Todo aquello que se desviara de este fin era omitido. Por lo tanto, las representaciones eran rígidas, sin movimiento ni expresión —contrario al orgullo del arte griego que persistió hasta la época romana—, y eran pintadas en posición frontal. Al observar estas obras, podría pensarse que la técnica de los artistas era muy pobre. Pero el problema nunca fue la técnica, pues los artistas dominaban varias, sino que querían que sus obras fueran sencillas, al grado de darles un aire infantil.
La Virgen y el Cristo niño en un trono circular [1280, pintura de altar probablemente realizada en Constantinopla]. Tomada de Gombrich (2011, p. 88).
San Mateo, 800 dc Catedral de Aquisgrán
San Mateo, 830 dc Reims
Basílica de S. Apollinare in classe en Rávena, 530 d.C Primitiva basílica cristiana
Mosaico. El milagro de los panes y los peces , 520-530 Basílica de S. Apollinare Nuovo en Rávena
El cristo rey del Universo, 1190 Catedral de Monreale, Sicilia
Adan y Eva después de la caída, 1015 (Iglesia alemana de Hildesheim)
Tapiz de Bayeux 1080 El rey Harold prestando juramento al duque Guillermo de Normandía y, luego regresando a Inglaterra
Bizancio: contexto
Durante el siglo IV los emperadores romanos de Occidente dividieron el Imperio y crearon el Imperio Romano de Oriente y el Imperio Romano de Occidente.
El Imperio Bizantino tuvo su origen en la fundación de la ciudad de Constantinopla (actual Estambul) por Constantino.
En el siglo VI, bajo el reinado de Justiniano, (483-565), Bizancio alcanzó su máximo esplendor, convirtiéndose en una metrópoli con gran peso político, económico, militar, religioso y cultural.
Posteriormente, en los siglos VIII y IX, la creciente veneración e idolatría de las reliquias e imágenes sagradas provocó una reacción opuesta, el conflicto iconoclasta (la doctrina de los iconoclastas) que planteaba la destrucción de las imágenes religiosas, especialmente de santos.
Después de esta oscura etapa, la civilización bizantina alcanzó un nuevo florecimiento cultural.
Estilo románico
Fue muy común entonces el asesoramiento de los teólogos sobre los artistas en las diversas inscripciones latinas que tenían el objetivo de explicar la función y sentido de cada uno de los elementos; por ejemplo, en las pilas bautismales encontradas en Bélgica, en donde el tema central era el bautismo de Cristo, las dos figuras que aguardaban en la orilla del río Jordán para recibirlo, eran los ministros angélicos, y así eran inscritos como angelis ministrantes.
La decoración de las iglesias fue muy cuidada en cada uno de sus detalles, pues tenía que haber una relación clara entre el mensaje y la imagen u ornamento. Todo debía cumplir con este sentido, lo que posicionaba al arte como un instrumento aleccionador religioso.
(siglo XI y XII)
En el siglo XII, los nobles y los obispos se convirtieron en los nuevos señores feudales en Inglaterra. Su poderío pronto empezó a ejercerse a través de la construcción y fundación de monasterios y abadías con estilo normando o románico que transformaban ciudades enteras o sus alrededores. Eran construcciones muy sólidas caracterizadas por arcos semicirculares que descansan sobre pilares macizos, con muy poca ornamentación y muchas vigas o nervios cruzados entre los pilares para sostener las enormes bóvedas que las caracterizan. Estas imponentes construcciones fueron concebidas para combatir en la tierra las fuerzas oscuras, hasta la hora que sonara el triunfo en el día del juicio final. Era el principio de la iglesia militante.
Van Huy, R. (1107-1118). Pila bautismal [escultura].
¿Qué fueron?
¿Consecuencia de las Cruzadas?
Las Cruzadas fueron expediciones militares que se proponían tomar Jerusalén y recuperar para la cristiandad los lugares sagrados que habían caído en manos de los turcos. Se las llamó así por la cruz que llevaban los guerreros bordada en sus pechos. Se realizaron en total ocho cruzadas entre 1095 y 1291. Las cruzadas también les sirvieron a los caballeros medievales para hacer grandes negocios y transformarse en poderosos mercaderes y banqueros.
Reiniciaron el contacto cultural y comercial entre Oriente y Occidente. Esto colocó en una posición de mucho poder e influencia a las ciudades portuarias y comerciales de Italia, como Génova y Venecia. El poder de la nobleza feudal, fuertemente diezmada en las guerras contra los turcos y debilitada por el auge del comercio, decayó notablemente. La nueva situación fortaleció el poder de los mercaderes y los reyes.
Catedral normanda de Durham
Iglesia St Trophime, Francia
Catedral de Exeter
La Virgen y el Cristo, 1324-1339
El estilo gótico
- Las técnicas de los murales en fresco, la pintura sobre tabla, el temple y el óleo.
- La representación de la luz y los juegos de contraluces que generaban la sensación de volumen y realismo.
- Las mejoras en las técnicas de la perspectiva.
Pintura
Los pintores, por su parte, tenían la más importante labor de iluminar manuscritos y mostrarnos emoción intensa y armonía en la escena completa de sus figuras. El propósito no era representar la realidad, sino lograr conectar al fiel o espectador con esa imagen, pues era claro que los conocimientos de los artistas de esta época sobre el cuerpo humano eran mayores a los que tenían los pintores del siglo XII.
El aprendizaje y educación de un artista medieval consistía en ser primero aprendiz de un maestro, para instruirse y ocuparse de los detalles menores de un cuadro, para después empezar a representar apóstoles o vírgenes que ilustrarían escenas inéditas.
En Italia surge la obra del escultor Nicola Pisano, creador de la famosa torre de Pisa, quien estudió a los clásicos y emuló a los maestros franceses.
Los pintores se inspiraron y tomaron como guía el arte bizantino, lo que les permitió cruzar la barrera que separaba la escultura de la pintura. El máximo representante en este campo fue el genio Giotto di Bondone; sus pinturas murales o frescos daban la sensación de ser estatuas. Con él resurge la ilusión de crear profundidad sobre una superficie plana cambiando el concepto de la pintura, pues ahora parecía que todas esas imágenes religiosas estaban sucediendo frente a los ojos del espectador, lo que le dio mucho respeto y notoriedad.
Di Bondone, G. (1305). El entierro de Cristo [fresco].
No existía el retrato como hoy lo conocemos, más bien dibujaban figuras convencionales, les añadían el emblema de su función —una corona y un cetro para un rey; una mitra y báculo para un obispo— y le agregaban su nombre y, aunque sí sabían de proporciones, prescindían de ellas por no considerarlas importantes.
Las manifestaciones artísticas se fueron transformando y mejorando: intención de refinamiento.
El refinamiento artístico
A partir del siglo XIV, Europa comenzó su transformación. Sus antiguas ciudades poco pobladas empezaron a ser importantes centros comerciales en los que había comodidad y lujo. Los burgueses, que estaban cada vez más independizados de la Iglesia y de los nobles, comenzaron a mostrar sus riquezas en la corte de los poderosos.
Giotto (s. f.). Retablo [pintura]
arquitectura
Las ideas y los artistas viajaron de un centro a otro, por lo que fue más fácil dispersar el arte. Gracias a Bohemia, el influjo de Italia y Francia llegaron hasta la Inglaterra de Ricardo II, que comerciaba con Borgoña, lo que hizo posible que se desarrollara un mutuo intercambio conocido como estilo internacional. Las características de este estilo era hacer uso de la observación, por la cual se desarrolló el naturalismo, y tener la misma complacencia por las cosas delicadas y bellas del entorno, que también se pusieron al servicio del arte religioso.
escultura
pintura
Características
El estilo gótico
- Principio de estética de la luz. Representar la idea teocentrista de la luz de Dios.
- Es una Arquitectura religiosa (monasterios y catedrales)
- El uso del arco ojival que terminaba en forma apuntada y generaba sensación de gran altura. Se aplicaba para las cúpulas, puertas y ventanales.
- Innovadoras técnicas de arquitectura que permitieron construir techos altos, arcos arbotantes y extensas paredes de vitrales.
- Diseño de formas extravagantes aplicadas tanto en la escultura como en la decoración arquitectónica.
- La decoración con materiales brillosos y el uso de colores vivos, para exacerbar el concepto de luminosidad.
- Aplicación de extensos ventanales de colores que reflejaban diferentes tipos de luz hacia el interior de las catedrales y monasterios.
Desarrollo a partir del siglo XII
Estilo artístico que predominó en la arquitectura religiosa, escultura y pintura de Europa entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento cultural del Renacimiento.
Se atribuía el arte gótico a las tribus bárbaras que habían destruido al Imperio romano y su cultura clásica del siglo V d. C. El arte gótico fue valorado recién a partir del siglo XIX d. C. y fue considerado grandilocuente e imponente.
Basílica de la abadía real de Saint Denis, Francia
Arquitectura
El estilo gótico
Ruptura con la Iglesia fortificada para la protección, las nuevas catedrales proporcionaban a los creyentes un reflejo del otro mundo, de las glorias que tendría el cielo. Esta representación de lo emotivo y la veracidad en el tema sagrado se volvió muy importante.
Se desarrolló a partir del siglo XII
Después del 1200, muchas y magníficas catedrales surgieron en Francia, Inglaterra, España y Alemania. En ellas había esculturas con más expresión y vida en donde se representaba el dolor, pero también la serenidad y bienaventuranza.
Bóvedas de crucería
Arcos arbotantes
Arco ojival
El arte gótico nació de la idea teocentrista en la que Dios era el centro de la realidad y consideraba que todo lo que conformaba al universo era reflejo de la luz de Dios.
Vitrales
Cruz Latina
Catedral de Notre Dame, en París
En el Estilo románico usaba muros macizos entre pilar y pilar para sostener las vigas de las bóvedas. Mientras que en el estilo gótico solo se requería delgados pilares, estrechos nervios, enormes ventanales y suplantar los arcos semicirculares por los arcos apuntados (es decir, lograr que dos segmentos del arco se encontraran en un mismo punto).
Catedral de Chartres - Francia- 1200
Sainte Chapelle - París 1248
Pórtico sur Catedrál de Estrasburgo 1230
Basílica del Voto Nacional
Notre Dame, París
Consagración de Jesús/Basílica de San Juan
Construcción: 1887-1924
Construida por el arquitecto francés Emilio Tarlier, quien se inspiró en la catedral parisina de Notre Dame. Comenzó a ser construida en el siglo XIX y que es considerada como inconclusa
Características
- Arquitectura de Estilo Neogótico
- Templo religioso más alto de Hispanoamérica
- Terreno perteneciente a la familia Hurtado (San Juan)
- Posee gárgolas en la fachada, así como también animales endémicos del país y de la región, tales como: caimanes, tortugas, piqueros de patas azules, monos, entre otros.
- Tiene una longitud de 140 metros, una anchura de 35 metros y su nave central tiene una altura de 30 metros.
- Cuenta con una planta de cruz latina con una nave central y dos laterales también posee 24 capillas laterales, dedicadas a las provincias ecuatorianas identificadas con su escudo.
- Vitrales relatan escenas de la vida de Jesús, están decorados con la flora nativa de Ecuador y cada uno tiene grabado el nombre del vegetal referido.
Fundadores Catedral de Naumburgo 1260
El estilo gótico
Escultura
La escultura adquirió una renovada importancia en la construcción de las catedrales del siglo XIII, época en la que Francia fue el país más rico e importante de Europa y su universidad el centro intelectual del mundo occidental.
Características:
- El realismo en las figuras y las posturas corporales; no eran tan erguidas o solemnes como las del arte románico.
- La expresión de sentimientos de dolor, ternura, empatía, entre otros, a través del realismo en la expresión de los gestos.
- El gran nivel de detalle en las representaciones humanas, tanto del cuerpo como de los accesorios.
- El uso de técnicas para recrear la profundidad de los objetos y el nivel de los detalles.
- La manifestación del arte en retablos (obras que se ubican detrás de un altar), las miniaturas, los sepulcros y las imágenes de vírgenes y de santos.
Esculturas Catedral de Chartres, Francia, 1200
Tránsito de la virgen - Catedrál de Estrasburgo 1230
Modernidad
Movimiento cuyos antecedentes se encuentran en el siglo XV durante el Renacimiento europeo y que se consolidó en el siglo XVIII durante la Ilustración. Fue en ese momento cuando finalmente se materializaron sus propuestas a la luz de los cambios políticos, económicos, sociales y culturales que tuvieron lugar en esa época. La modernidad se caracterizó esencialmente por "proponer el paso de la tradición al cambio, llamado progreso, a través de la lógica y la razón."
Etimología, proviene del latín modernus (reciente, actual).
- Que pertenece al presente, al tiempo actual.
- De la Edad Moderna o que tiene relación con este período histórico.
- Que existe, se conoce o se usa desde hace poco tiempo
- Que sigue las tendencias de la moda del momento.
- Que es innovador, avanzado, o sigue las últimas tendencias o adelantos.
Contexto previo - Descubrimiento de América
- Mercantilismo
Características:
- Corriente de pensamiento caracterizada por promover la idea del progreso social a través de conocimiento y la razón / Culto al pensamiento racional.
- Narrativa del progreso a través del conocimiento.
- Visión antropocéntrica.
- Cambio de estructuras políticas.
Contexto actual - Revolución Americana
- Revolución Francesa
Proto-Renacimiento
El artista se vuelve un científico, debe saber de muchas disciplinas para desarrollar su oficio. Ya no practica solo actividades viles y mecánicas. Ahora su oficio empieza a elevarse. El artista empieza a soñar.
Siglo XIV
En torno al siglo XIV algo cambia en Europa. Se supone que estamos en la edad media, pero algo empieza a revolucionarse: en la política, se consolidan los estados europeos; en la sociedad, la burguesía empieza a ascender; en la economía, aparecimiento del mercantilismo y principios del capitalismo.
De pronto es el hombre, y no Dios, el centro de todo. De pronto artistas y artesanos son valorados. De pronto se empieza a usar el naturalismo, la armonía y las proporciones matemáticas para crear belleza.
La matanza de los inocentes. Giotto
Italia, 1306
En el proto-renacimiento estamos entre dos mundos. Estamos en el gótico (recordemos que este es un nombre a posteriori, pues para los renacentistas este era un arte de bárbaros, de godos), pero se empieza a sentir el Quattrocento.
Proto-Renacimiento
El artista se vuelve un científico, debe saber de muchas disciplinas para desarrollar su oficio. Ya no practica solo actividades viles y mecánicas. Ahora su oficio empieza a elevarse. El artista empieza a soñar.
Siglo XIV
En torno al siglo XIV algo cambia en Europa. Se supone que estamos en la edad media, pero algo empieza a revolucionarse: en la política, se consolidan los estados europeos; en la sociedad, la burguesía empieza a ascender; en la economía, aparecimiento del mercantilismo y principios del capitalismo.
De pronto es el hombre, y no Dios, el centro de todo. De pronto artistas y artesanos son valorados. De pronto se empieza a usar el naturalismo, la armonía y las proporciones matemáticas para crear belleza.
La matanza de los inocentes. Giotto
Italia, 1306
En el proto-renacimiento estamos entre dos mundos. Estamos en el gótico (recordemos que este es un nombre a posteriori, pues para los renacentistas este era un arte de bárbaros, de godos), pero se empieza a sentir el Quattrocento.
El Cinquecento
El Quattrocento
Durante esta época, el siglo XVI italiano, el antropocentrismo humanista se desarrolla al máximo, inspirándose en la antigüedad clásica. La sede del Cinquecento es Roma, siendo los Papas los grandes mecenas de esta época. Su influencia se extendió por toda Europa.
Una etapa que se extiende a lo largo de todo el siglo XV y en la que se recuperan los valores e ideales de la Antigüedad clásica griega y romana. Los artistas dejan de ser anónimos y el humanismo llega a todos los ámbitos del arte. Florencia es la cuna del Quattrocento.
Entre los principales artistas del Cinquecento se destacan:
- Pietro Perugino (1446–1524)
- Pietro Torrigiano (1472–1528)
- Pontormo (1499–1556)
- Michelangelo Buonarrotti (1475–1564)
- Giorgione (1477–1510)
- Rafael Sanzio (1483–1520)
Entre los artistas más representativos del Quattrocento se encuentran:
- Filippo Brunelleschi (1377-1446)
- Donatello (1386-1466)
- Paolo Ucello (1397-1475)
- Masaccio (1401-1428)
- Fra Angelico (1410-1452)
- Piero della Francesca (1416-1492)
- Giovanni Bellini (1430-1516)
- Andrea Mantegna (1431-1506)
- Sandro Botticelli (1445-1510)
- Domenico Ghirlandaio (1448-1494)
- Leonardo Da Vinci (1452-1519)
- Piero di Cosimo (1462-1522)
La creación de Adán
Michelangelo Buonarrotti Italia, 1512
La Gioconda
Sonrisa de Mona Lisa. Leonardo da Vinci
Italia, 1503
Características
Renacimiento
Etapas principales:
- Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los temas mitológicos.
- Concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en lugar de considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a Dios).
- Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón como el centro de todo. Predominaba la idea de razón por sobre la fe.
- Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia. Sostenía que el conocimiento conducía a la felicidad del hombre.
- Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano.
- Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía.
- Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la naturaleza.
- Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.
Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.
- Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia.
Desarrollo a partir del siglo XIV, XV, XVI
El Quattrocento (siglo XV)
El Cinquecento (siglo XVI)
Movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo XIV, durante la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y se destacó por su interés en el saber de la razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia.
Manierismo (siglo XVI)
La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento. El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía. Se destacaron artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
Durante el Renacimiento temprano, los artistas comenzaron a buscar inspiración en la antigüedad. Este nuevo interés daría forma al Alto Renacimiento, una corriente caracterizada por figuras naturalistas y un uso matemáticamente preciso de la perspectiva. El Alto Renacimiento duró desde 1490 hasta la década de 1530, cuando surgió el Renacimiento tardío, o Manierismo.
pINTURA
La pintura renacentista se caracterizó por la perfecta representación de los detalles, en cuanto al balance, la armonía y la perspectiva, en base a la observación del artista. Surgió el concepto de perspectiva y punto de fuga para la concepción de los espacios.
ESCULTURA Y ARQUITECTURA
Inspirados en las antiguas culturas griega y romana, en especial, por el nivel de detalle y realismo. Buscaban romper con el estilo gótico y se basaron en la perfección de las representaciones, a través de cálculos matemáticos y geométricos para obtener proporciones reales.
Renacimiento
- Andrea Palladio (1508 – 1580). Arquitecto del Teatro Olímpico en Vicenza.
- Dante Alighieri (1265 – 1321). Escritor de La divina comedia.
- Donatello (1386 – 1466). Escultor del David de bronce.
- Donato d’Angelo Bramante (1443 – 1514). Arquitecto de la basílica de San Pedro.
- Leonardo Da Vinci (1452 – 1519). Pintor de La Gioconda.
- Lorenzo Ghiberti (1378 – 1455). Arquitecto de la Puerta del paraíso, en el Baptisterio de Florencia.
- Miguel Ángel (1475 – 1564). Pintor de la obra en la Capilla Sixtina.
- Sandro Botticelli (1445 – 1510). Pintor de El nacimiento de Venus.
- Fra Angélico (1395 – 1455). Pintor de la Coronación de la Virgen.
Manierismo
El Manierismo es un estilo que surgió en 1530 y estuvo vigente hasta finales del siglo XVI. Su nombre viene de maniera –“manera” en italiano– y hace referencia a un enfoque estilizado y exagerado hacia la pintura y escultura. Las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini) pertenecen a este estilo.
Botticelli, “Primavera,” ca. c. 1477–1482
También conocido como Renacimiento tardío, el Manierismo es visto como un puente entre el Alto Renacimiento y el periodo Barroco, que adoptó la recargada estética de esta corriente, adaptándola para dar forma a su característica extravagancia.
El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente.
Parmigianino, “Virgen del cuello largo,” 1534-1540
Giuseppe Arcimboldo, “Primavera”, 1573
Reflexión
Durante la segunda mitad del siglo XV en Italia y el norte de Europa, con los nuevos descubrimientos de los artistas italianos y flamencos de la primera mitad del siglo XV, el arte no sólo servía para plasmar temas sagrados de manera sugestiva, sino también para reflejar fragmentos del mundo real dando lugar a la experimentación y el uso de nuevos efectos sorprendentes.
En ese momento se pensaba que con el triunfo del descubrimiento de la perspectiva y el estudio de la naturaleza se resolverían las dificultades del arte. Sin embargo, cada evolución representaba también dificultades nuevas: al adoptarse el nuevo concepto de hacer un cuadro como si fuera espejo de la realidad, el nuevo problema fue cómo distribuir las figuras, ya que éstas no se agrupaban de forma armónica y no destacaban tampoco con claridad al tener un fondo neutro, sobre todo en las piezas que se hacían para los retablos de la iglesias. Una de las soluciones fue empezar a rivalizar con la naturaleza, tomándose libertades, como lo hizo Botticelli, para conseguir siluetas graciosas, realzar la belleza, armonizar el dibujo (época que se conoce como el Quattrocento) y dejar de poner fondos neutros. Cuando se daban estos cambios en el arte, se vivía al mismo tiempo el fin de la Edad Media.
El barroco
El estilo barroco suele oponerse al estilo clásico. Este último se caracteriza por el respeto de las proporciones, la representación casi matemática de la realidad, la armonía de los elementos y la selección de personajes calmos como dioses y reyes.
1600–1750
Fue un período cultural, científico, tecnológico, filosófico, político, económico
ORIGEN
Se desarrolló en Europa desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII
Siglo XVII
espiritualidad
Vieja con cesta de carbón - Peter Paul Rubens
Arte
proporción
El término barroco fue acuñado en la época inmediatamente posterior, el siglo XVIII, para referirse despectivamente a arte anterior, por considerarlo deforme y exagerado. Sin embargo, posteriormente se revalorizó este estilo por su capacidad para expresar sentimientos y pasiones, y por su profundo impacto sobre el espectador.
ARQUITECTURA
temáticas
PINTURA
ESCULTURA
El barroco francés
Jean-Philippe Rameau (Dijon, 25 de septiembre de 1683 - París, 12 de septiembre de 1764)
Se caracteriza por el uso de la armonía tonal, es decir, la combinación de sonidos simultáneos, con la presencia constante del bajo continuo. La música deja de estar supeditada a la palabra (lenguaje vocal) desarrollando un lenguaje instrumental propio.
El contraste propio del barroco se expresa en la música en el uso de la disonancia y de la contraposición entre partes fuertes y débiles del compás. Ejemplos de música barroca son las cantatas de J. S. Bach y Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi.
Iglesia de Saint-Étienne
En 1948, se creó la Academia Real de Bellas Artes, instituyendo así las líneas artísticas al servicio de la monarquía. Entre las decisiones que se tomaron, está la creación de géneros, donde el paisaje estaba en la última posición.
Características
Clasicismo
- Búsqueda constante de la perfección.
- Sobresale la pureza y el equilibrio de las formas.
- Inspiración en los ideas de belleza de Grecia y Roma.
- Da continuidad a los valores del renacimiento.
- Sigue la tendencia humanista, resaltando la independencia y dignidad del espíritu humano.
- Los temas que aborda están relacionados con la moral, la filosofía, la mitología y la política.
Corriente artística de rápida extensión en Europa, como Francia, España, Alemania, Rusia, Inglaterra y Países Bajos, aunque surgió en Italia a finales del siglo XVII hasta el XIX.
- Inspirado en el Arte Grecorromano.
- Influenció todos los ámbitos artísticos (música, literatura, arquitectura, escultura y pintura)
- Posterior al renacimiento Italiano.
pintura
pintura y Escultura
ARQUITECTURA
- Surgió como contraposición al estilo Barroco.
- El rey Luis XIV, enmarcó el Clasicismo como arte de “gran gusto”.
- El pintor Charles Le Brun, definió el estilo oficial para la época.
- La escultura aparece en el primer cuarto del siglo XVI. Su aparecimiento está eclipsado por la Obra de Miguel Angel.
- Importancia a la simetría y el orden visual.
- Recrea formas visuales propias del arte griego y romano, como las columnatas con remates de los órdenes griegos (dórico, jónico y corintio), el tímpano, las cúpulas, etc.
Antonio Canova, Monumento fúnebre de la archiduquesa María Cristina de Austria, 1798-1805, Viena.
Clasicismo
Nicolas Poussin, Et in Arcadia ego, 1628, Museo del Louvre, París.
Iglesia de la Madeleine, París, 1763-1842.
Clasicismo
Panteón de Agripa, Roma, 118-125. En la imagen, según un grabado de Piranesi de 1754.
Neoclasicismo
Antecedentes
Tres procesos históricos fueron claves en el movimiento neoclásico:
- Estilo Barroco predominante, desde finales del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. Durante este periodo, en Francia predominó el Rococó en la corte.
1. La aparición de la Ilustración o el Iluminismo.
- Los ilustrados critican ambos estilos por ser excesivos, confusos y recargados. Los relacionaban con el fanatismo religioso y la corrupción aristocrática respectivamente.
2. El descubrimiento de las ruinas de Herculano (1738) y Pompeya (1748).
2. Revolución Industrial y la Revolución Francesa.
- Tiene sus bases teóricas en el clasicismo hacia la búsqueda de la perfección.
- Se basó en la creencia de que existen ideales atemporales en el arte que trascienden los estilos cambiantes.
Movimiento artístico que reacciona contra la tradición artística anterior, proclamando una "revolución" estética y filosófica.
Neoclasicismo
Los artistas deseaban participar en el nacimiento de una cultura basada en la razón, la moral y el progreso. (Arte con perspectiva revolucionaria)
Pintura
Características del movimiento
Escultura
1. Caracter didáctico y moralizador
Arquitectura
2. Valores
3. Inspiración en el arte de la Antigüedad Clásica
Literatura
4. Equilibrio, proporción y simetría
5. Culto a la razón
Música
6. Relato universal
7. Temas relacionados al compromiso político
El culto de la «diosa Razón» en Notre Dame. 1793. Aguafuerte. 12 × 20 cm.
Jacques-Germain Soufflot: Panteón de París, antigua iglesia de santa Genoveva.
Clasicismo
Jacques-Louis David: El juramento de los Horacios. 1784. Óleo sobre lienzo. 3,26 m x 4,2 m.
Nacimiento de Venus
Bouguereau se pone clásico para este desnudo.
Retrato del artistaWilliam-Adolphe Bouguereau
Francia, 1879
Neoclasicismo
Ondina emergiendo de las aguas
Las ondinas eran ninfas acuáticas de espectacular belleza que habitaban en los lagos, ríos, estanques o fuentes.
Retrato del artistaChaucey Bradley Ives
Estados Unidos, 1880
Romanticismo
Características
Movimiento Cultural de las últimas décadas del siglo XVIII y que se prolongó durante buena parte del siglo XIX
- Oposición a la lógica y al racionalismo impuesto en la Ilustración.
- Defiende la libertad sobre todas las cosas, tanto en lo emocional, social, político y económico.
- Influencia en la literatura, arte y pensamiento político.
- El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.
- Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir amundos oscuros, penumbras o sueños.
- Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.
- Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.
- Hay un vivencia profunda de la religión
- Surgió principalmente en Alemania, el Reino Unido y Francia, y de allí se extendió a otros países de Europa y América.
- Fundamento: Exaltación de la libertad, la individualidad, la subjetividad y la sentimentalidad, en oposición a la objetividad y el racionalismo de la Ilustración o del neoclasicismo.
Romanticismo
- Individualidad, subjetividad y exaltación de los sentimientos, libertad, lo exótico y lo sobrenatural.
- Se opone a la estética objetiva del neoclasicismo rescatando el patriotismo y la sabiduría popular de la edad media.
Artistas más reconocidos del romanticismo son:
- Culto a la Edad Media. Se valora el folclore popular, temáticas relacionadas al Rey Arturo y la Mitología Nórdica.
- Francisco de Goya (1746-1828)
- William Blake (1757-1827)
- Eugene Delacroix (1798-1863).
- Exaltación de lo exótico, la fantasía, los sueños. Destacan personajes como fantasmas, brujas y monstruos.
- Artista como genio, creador, Dios. No se conforma con imitar la naturaleza, crea sus propios entornos naturales. Destaca la rebeldía del artista (suicidio de amor o tristeza, muerte a temprana edad).
- Gusto por la representación subjetiva de la naturaleza. Más allá de la precisión geográfica, importaba transmitir emociones humanas como lo pintoresco o lo sublime.
Romanticismo
El último día de Pompeya
Pintura de catástrofes.
de Karl Briulov
Rusia, 1830
Tristán e Isolda con la poción. John William Waterhouse
Reino Unido, 1916
Romanticismo
Ofelia
La Ofelia de Hamlet yace muerta en el río.
Retrato del artista John Everett Millais
Reino Unido, 1852
La condesa de Vilches
Retrato del artista Federico de Madrazo
España, 1856
Actividad
En grupo, investigar las características de los siguientes movimientos artísticos: Clasicismo y Neoclasicismo, Romanticismo e Impresionismo y Postimpresionismo. Elaborar una galería virtual con ejemplos de cada movimiento. La galería debe incluir breves reseñas de las obras en relación al movimiento que pertenece.
Tarea en clase
Fecha de entrega: Hoy 6 de marzo.
Número de obras: 5 por cada movimiento.
- Descripción de la obra: año, historia, autor (5 diferentes)
- Características que lo relacionan con el movimiento.
Impresionismo
CONTEXTO DE APARECIMIENTO
- Artista sale del estudio a pintar lo natural.
Primera exposición impresionista en la galería Nadar, en 1874. En esta exposición en la que exhibían su obra artistas como Monet (1848-1926), Degas (1834-1917), Renoir (1841-1919) o Pissarro (1830-1906), se produjo el gran escándalo.
El impresionismo se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XIX en Francia. En esta época, el arte oficial todavía sigue los dictados de la academia, que mantiene la enseñanza de rígidas y encorsetadas reglas.
- Quiere plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba.
- Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas.
Estos jóvenes artistas perseguían unos objetivos muy distintos a los valores que la academia representaba.
El término impresionismo hace referencia a la meta última de este grupo de pintores: captar las impresiones que el ojo recibe de la incidencia de la luz sobre los objetos para tener una comprensión más certera del objeto en sí.
- Se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a los colores que le rodean»), el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color.
El estilo de las academias de bellas artes era muy similar al que imperó en el alto Renacimiento, el diseño sobre el colore, el dibujo y la línea como herramientas de construcción de la forma junto con el claroscuro.
Impresionismo
Cosechadores
Crónica impresionista de la cosecha danesa.
Retrato del artistaAnna Ancher
Dinamarca, 1905
El Café-Concierto
Los bares fueron viveros para la cultura moderna.
Retrato del artistaEdouard Manet
Francia, 1879
Características:
- Asentaron las bases del arte moderno.
- Por lo general no fueron apreciados en vida.
- Una vez muertos fueron considerados clásicos intocables.
- Sus pinturas son hoy las más caras de la historia.
- Utilizaron colores vivos, pinceladas poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real.
- Presentaron una visión particular de la naturaleza, una visión subjetiva del mundo.
Postimpresionismo
1880–1910
Se acuñó a posteriori en 1910, cuando los artistas postimpresionistas estaba ya muertos. Ningún postimpresionista era consciente de estar en el postimpresionismo.
- Subjetivismo;
- Libertad cromática;
- Realce de luz y textura;
- Técnica puntillista;
- Valoración de temas cotidianos;
- Bidimensionalidad en detrimento de la perspectiva.
Pintura
Van Gogh, Gauguin, Seurat y Cezanne.
Postimpresionismo
Naturaleza muerta con manzanas y melocotones
Una obra maestra de Cézanne pintada durante varias sesiones desde varios puntos de vista. Paul Cézanne
Francia, 1905
El molino Blute-Fin Van Gogh
Vanguardias
El vanguardismo es un conjunto de diversos movimientos artísticos que surgieron a principios del siglo XX, en un contexto muy convulsionado a nivel político, económico y social. Tuvo su mayor desarrollo en Europa (especialmente en Francia) y, más tarde en Hispanoamérica (especialmente en Argentina y México).
El vanguardismo representa un arte impregnado por el radicalismo y la crítica política, social y estética, por lo que las ideologías socialistas, anarquistas, comunistas y apolíticas eran frecuentes entre los artistas de vanguardia.
ARTE ABSTRACTO/ABSTRACCIÓN LÍRICA
Grupo 3
FOVISMO/FAUVISMO
Grupo 2
CUBISMO
Grupo 5
LAND ART / ACCIÓN POR EL CLIMA
Grupo 6
SURREALISMO
Grupo 1
EXPRESIONISMO
Grupo 4
NFT
Grupo 7
FUTURISMO
Conocimiento científico-tecnológico
Movimiento antihistórico, antinaturalista y no antropocentrista
Inicia en el Movimiento Literario
Nace en Italia
Segunda Revolución Industrial (1870-1914)
Utopía futurista - ser humano/ super hombre
aviones, teléfonos, trenes
20 de febrero de 1909
Diario Le Fígaro
- Líneas de fuerza
- Continuidad del espacio plástico.
- Ritmo y dinamismo.
- Color vibrante y enérgico en la pintura.
- Angulosidad frecuente.
- Descomposición geométrica.
- Cruzamiento de diferentes planos en un plano único.
- Exposición fotográfica múltiple (secuencia de imágenes sucesivas en un segundo que, al superponerse, generan la percepción del desplazamiento), creada por Giacomo Balla
Pintura
Principios
Tradición estética del siglo XIX
Oposión
- Expectativas de cambio social/arte
- Mundo moderno, las ciudades y los automóviles y dinamismo.
- Diferentes medios expresivos, como el diseño gráfico, publicidad, moda, cine, música, entre otros, para crear un arte de acción.
Giacomo Balla: Dinamismo de un perro con correa. 1912. Óleo sobre lienzo. 89.8 cm × 109.8 cm.
Galería de arte Albright–Knox , Nueva York.
Revolución
Máquina
Rompía con lo tradicional al buscar reflejar el dinamismo, el peligro, el movimiento, la tecnología, la luz, la lucha
Influyó en Marcel Duchamp y Joseph Stella y tendencias como el cubofuturismo y el rayonismo ruso.
Bailes en la primavera
Mosaico caleidoscópico.
Retrato del artistaFrancis Picabia
Francia, 1912
FUTURISMO
Gente del futuro
Yuon nos muestra un futuro utópico.
Retrato del artistaKonstantin Yuon
Rusia, 1929
Formas únicas de continuidad en el espacio
Samotracia 2.0.
Retrato del artistaUmberto Boccioni
Italia, 1913
Busto de MussoliniDemocracia, me gustas porque estás como ausente.
Retrato del artistaRenato Bertelli
Italia, 1933
FUTURISMO
CONSTRUCTIVISMO
construction art ("arte para construcción")
SUPREMATISMO
Encuentro de Vladimir Tatlin con Picasso en París
influenciada por las tendencias de vanguardia: el futurismo y el cubismo
movimiento artístico de vanguardia. Origen: Rusia, partido bolchevique. Apareció después de la Revolución de Octubre.1914)
Fundado por Kazimir Malévich
abstracción
La abstracción geométrica de esta vanguardia fue en cierta medida una influencia suprematista.
universo sin objetos
simplifican, ordenan todo, reducen los colores
Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Solomon Telingater, Gustav Klutsis
Dos vertientes constructivistas
Proponían eliminar de la obra de arte la representación de cualquier elemento de la realidad.
fotomontaje dadaísta a su obra, transformándola en una nueva clave visual y conceptual
Fotomontaje
Arte de las élites, artistas que pretenden liberarse.
Es el arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura...
SUPREMATISMO
Golpead a los blancos con la cuña roja
En plena experimentación posrevolucionaria, El Lissitzky creó un cartel tan sencillo como eficaz.
El Lissitzky
Rusia, 1920
Bañistas
Los años figurativos.
Kazimir Malevich
Rusia, 1908
CONSTRUCTIVISMO
La propaganda de Rodchenko
Rodchenko utiliza la vanguardia rusa para adoctrinar a las masas.
Alexander Rodchenko
Rusia, 1925
URSS en construcción
No podemos ni imaginar cómo El Lissitzky pudo seguir experimentando así en pleno estalinismo.
El Lissitzky
Rusia, 1940
DADAÍSMO
- Movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.
Expresaron sus ideas en una serie de manifiestos escritos por Tristán Tzara a partir de 1916.
1916–1923
- Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.
- Consideraban el movimiento como un «estado de ánimo» más que como una propuesta artística determinada. Con actividades sin sentido, ironizaban y ridiculizaban las manifestaciones del arte vigentes.
- Renunciaron a las técnicas artísticas tradicionales. Incorporaron el uso de materiales industrializados de uso cotidiano, azarosos o absurdos.
- Marcel Duchamp, un artista francés, introdujo el concepto de ready made, un objeto cualquiera que se transforma en obra de arte al ser nombrado así por el artista. Esta afirmación desplaza el valor de la obra de arte del objeto en sí mismo a la acción del artista.
Características
Nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés
La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.
Promueven la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Artista
Fountain (Fuente), presentado por Marcel Ducham en el Armory Show, en Nueva York, en 1917.
Máscara abierta
Transparencia, superposición, dualidad.... Francis Picabia Francia, 1931
DADAÍSMO
Autómatas republicanos
Grosz retrata como nadie la corrupta y decadente sociedad alemana de entreguerras. Artista George Grosz
Alemania, 1920
Neoplasticismo o De Stijl
Afectó diferentes áreas artísticas (diseño gráfico, arquitectura, diseño industrial, pintura) apuntaba a valores plásticos más puros y simples
Constructivismo holandés también llamado De Stijl.
El neoplasticismo es arte puro: línea y color, unidas en un mismo espacio.
Consideraban que el arte forma ya parte de la vida real, así que no es necesaria su imitación.
1917
Manifiesto de Piet Mondrian
Publicación
Las pinturas se convierten en tramas de líneas ortogonales que enmarcan plenos de colores primarios en forma de cuadrados o rectángulos.
1920
Silla diseñada en 1917 por Gerrit Rietveld. Representa una de las primeras exploraciones del movimiento de arte De Stijl en las tres dimensiones.
Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad.
Se caracteriza por la utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y superficies de colores.
De Stijl 1
Keler fue influído por el neoplasticismo. Artista Peter Keler
Alemania, 1922
Neoplasticismo o De Stijl
Composición en rojo, amarillo y azulMondrian empieza a dedicarse a pintar líneas rectas y colores primarios. Artista Piet Mondrian
Países Bajos, 1921
Arte Urbano
Jean-Philippe Rameau (Dijon, 25 de septiembre de 1683 - París, 12 de septiembre de 1764)
David Chumaña
Gianny
artístico Guayaqueer
Jaime Guevara - Coplas de la Huelga Nacional
La edad media: Paleocristiano/Bizancio/Román ico/Gótico
Daya Aguilar
Created on August 24, 2022
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Actividad en clase
1. Investigar las características del arte paleocristiano, Bizancio, románico y gótico.
2. Utilizar una herramienta virtual (padlet, genially, línea de tiempo, infografía, organizador gráfico o video selfie, cómic, otros) para plasmar los hallazgos de estos periodos.
3. Exponer el trabajo grupal.
Aspectos a investigar
Tiempo para el desarrollo de la actividad: 2 horas
Arte Paleocristiano
Características
Conjunto de manifestaciones figurativas y simbólicas realizadas en el Imperio Romano desde el siglo II d.C., hasta la llegada, en el 476, de las hordas bárbaras.
Etapas
Se lo encontraba en las catacumbas y en los “tituli” o casas patricias
Catacumbas de Domitila
Moisés haciendo brotar agua de una roca, 245-256 d.C. Pintura mural
Características
Tres hombres sobre el fuego ardiente, siglo III
Cristo con San Pedro y San Pablo, 389 d.C
La caída del Imperio Romanto en Occidente y esplendor en Oriente
En el año 476 se produjo la caída del Imperio Romano de Occidente. Su final fue debido a muchas causas:
Crisis económica
Crisis militar
Crisis política
ruralización
Invasiones bárbaras
Contexto
Desde el siglo I d. C. Roma buscaba impedir la penetración de los bárbaros atrincherándose detrás del limes, es decir, de la línea continua de fortificaciones que se extendía entre el Rin y el Danubio, construida precisamente para contener la presión de los pueblos germánicos.
Razones de las invasiones bárbaras 1. Imperio Romano en inestabilidad interna desde el siglo III d.C. 2. Poblaciones en constante crecimiento y empujadas por los pueblos orientales, necesitaban nuevos territorios para expandirse: de lo contrario las tribus más débiles desaparecerían. 3. La presión de las poblaciones externas tiene relación con el contacto y comparación con la civilización imperial romana (sus riquezas, lengua, armas, organización) como motivo para que los pueblos germánicos quisieran restructurarse y organizarse en sistemas sociales más robustos y permanentes, capaces de defenderse mejor o de atacar seriamente al Imperio.
Sarcófago llamado "Gran Ludovisi" que representa una batalla entre soldados romanos y germanos. El personaje principal es probablemente Hostiliano, hijo del emperador Decio (251 d. C.). Mármol del Proconnese, obra romana, hacia 251/252 d.C.
Bizancio: el replanteamiento del arte
La decoración de estas basílicas generó muchas disputas. Fue una época en la que se replanteó qué imágenes debían ser utilizadas en la religión. Uno de los primeros consensos entre los cristianos fue oponerse al naturalismo de las estatuas, pues se parecían a las imágenes talladas y a los ídolos que estaban condenados por la Biblia, así que fueron descartadas.
En 311 d. C., el emperador Constantino estableció la religión cristiana como la oficial del Estado, confiriéndole el mayor poder del reino. Los nuevos templos se construyeron como grandes salas de reunión, al estilo de las basílicas de la época clásica: construcciones empleadas como mercados cubiertos y tribunales públicos de justicia, con bajos compartimientos en las paredes laterales en cuyo extremo solía haber un espacio para un estrado semicircular en el que el juez o presidente de la asamblea tenía su asiento. Tenían un altar, conocido como coro, y la sala principal o central donde se congregaban los fieles, como nave.
Turégano, P. (2011). Catedral de San Marcos
"La pintura podía ser para los iletrados lo mismo que la escritura para los que sabían leer".
La pintura corrió con otra suerte pues, en el siglo VI, el papa Gregorio el Grande —quien tuvo una gran relevancia para la historia del arte—, impulsó mucho las creaciones de este tipo al considerar a la pintura como una herramienta importante para el conocimiento.
Gregorio el Grande
Bizancio
Los artistas dejaron de hacer descubrimientos acerca de cómo representar un cuerpo o crear una ilusión de profundidad, aunque lo descubierto antes no se perdió para siempre —la iglesia bizantina conservó las ideas y el acervo del arte griego en el estilo utilizado en los rostros, actitudes y vestiduras, sin embargo, adecuaron el empleo de utilidad del arte en las iglesias, confiriéndole un lugar muy importante a las tradiciones.
El arte de esta época empezó a verse con un fin útil, a expresarse con claridad y sencillez realzando lo estrictamente esencial. Todo aquello que se desviara de este fin era omitido. Por lo tanto, las representaciones eran rígidas, sin movimiento ni expresión —contrario al orgullo del arte griego que persistió hasta la época romana—, y eran pintadas en posición frontal. Al observar estas obras, podría pensarse que la técnica de los artistas era muy pobre. Pero el problema nunca fue la técnica, pues los artistas dominaban varias, sino que querían que sus obras fueran sencillas, al grado de darles un aire infantil.
La Virgen y el Cristo niño en un trono circular [1280, pintura de altar probablemente realizada en Constantinopla]. Tomada de Gombrich (2011, p. 88).
San Mateo, 800 dc Catedral de Aquisgrán
San Mateo, 830 dc Reims
Basílica de S. Apollinare in classe en Rávena, 530 d.C Primitiva basílica cristiana
Mosaico. El milagro de los panes y los peces , 520-530 Basílica de S. Apollinare Nuovo en Rávena
El cristo rey del Universo, 1190 Catedral de Monreale, Sicilia
Adan y Eva después de la caída, 1015 (Iglesia alemana de Hildesheim)
Tapiz de Bayeux 1080 El rey Harold prestando juramento al duque Guillermo de Normandía y, luego regresando a Inglaterra
Bizancio: contexto
Durante el siglo IV los emperadores romanos de Occidente dividieron el Imperio y crearon el Imperio Romano de Oriente y el Imperio Romano de Occidente.
El Imperio Bizantino tuvo su origen en la fundación de la ciudad de Constantinopla (actual Estambul) por Constantino.
En el siglo VI, bajo el reinado de Justiniano, (483-565), Bizancio alcanzó su máximo esplendor, convirtiéndose en una metrópoli con gran peso político, económico, militar, religioso y cultural.
Posteriormente, en los siglos VIII y IX, la creciente veneración e idolatría de las reliquias e imágenes sagradas provocó una reacción opuesta, el conflicto iconoclasta (la doctrina de los iconoclastas) que planteaba la destrucción de las imágenes religiosas, especialmente de santos.
Después de esta oscura etapa, la civilización bizantina alcanzó un nuevo florecimiento cultural.
Estilo románico
Fue muy común entonces el asesoramiento de los teólogos sobre los artistas en las diversas inscripciones latinas que tenían el objetivo de explicar la función y sentido de cada uno de los elementos; por ejemplo, en las pilas bautismales encontradas en Bélgica, en donde el tema central era el bautismo de Cristo, las dos figuras que aguardaban en la orilla del río Jordán para recibirlo, eran los ministros angélicos, y así eran inscritos como angelis ministrantes.
La decoración de las iglesias fue muy cuidada en cada uno de sus detalles, pues tenía que haber una relación clara entre el mensaje y la imagen u ornamento. Todo debía cumplir con este sentido, lo que posicionaba al arte como un instrumento aleccionador religioso.
(siglo XI y XII)
En el siglo XII, los nobles y los obispos se convirtieron en los nuevos señores feudales en Inglaterra. Su poderío pronto empezó a ejercerse a través de la construcción y fundación de monasterios y abadías con estilo normando o románico que transformaban ciudades enteras o sus alrededores. Eran construcciones muy sólidas caracterizadas por arcos semicirculares que descansan sobre pilares macizos, con muy poca ornamentación y muchas vigas o nervios cruzados entre los pilares para sostener las enormes bóvedas que las caracterizan. Estas imponentes construcciones fueron concebidas para combatir en la tierra las fuerzas oscuras, hasta la hora que sonara el triunfo en el día del juicio final. Era el principio de la iglesia militante.
Van Huy, R. (1107-1118). Pila bautismal [escultura].
¿Qué fueron?
¿Consecuencia de las Cruzadas?
Las Cruzadas fueron expediciones militares que se proponían tomar Jerusalén y recuperar para la cristiandad los lugares sagrados que habían caído en manos de los turcos. Se las llamó así por la cruz que llevaban los guerreros bordada en sus pechos. Se realizaron en total ocho cruzadas entre 1095 y 1291. Las cruzadas también les sirvieron a los caballeros medievales para hacer grandes negocios y transformarse en poderosos mercaderes y banqueros.
Reiniciaron el contacto cultural y comercial entre Oriente y Occidente. Esto colocó en una posición de mucho poder e influencia a las ciudades portuarias y comerciales de Italia, como Génova y Venecia. El poder de la nobleza feudal, fuertemente diezmada en las guerras contra los turcos y debilitada por el auge del comercio, decayó notablemente. La nueva situación fortaleció el poder de los mercaderes y los reyes.
Catedral normanda de Durham
Iglesia St Trophime, Francia
Catedral de Exeter
La Virgen y el Cristo, 1324-1339
El estilo gótico
Pintura
Los pintores, por su parte, tenían la más importante labor de iluminar manuscritos y mostrarnos emoción intensa y armonía en la escena completa de sus figuras. El propósito no era representar la realidad, sino lograr conectar al fiel o espectador con esa imagen, pues era claro que los conocimientos de los artistas de esta época sobre el cuerpo humano eran mayores a los que tenían los pintores del siglo XII. El aprendizaje y educación de un artista medieval consistía en ser primero aprendiz de un maestro, para instruirse y ocuparse de los detalles menores de un cuadro, para después empezar a representar apóstoles o vírgenes que ilustrarían escenas inéditas.
En Italia surge la obra del escultor Nicola Pisano, creador de la famosa torre de Pisa, quien estudió a los clásicos y emuló a los maestros franceses. Los pintores se inspiraron y tomaron como guía el arte bizantino, lo que les permitió cruzar la barrera que separaba la escultura de la pintura. El máximo representante en este campo fue el genio Giotto di Bondone; sus pinturas murales o frescos daban la sensación de ser estatuas. Con él resurge la ilusión de crear profundidad sobre una superficie plana cambiando el concepto de la pintura, pues ahora parecía que todas esas imágenes religiosas estaban sucediendo frente a los ojos del espectador, lo que le dio mucho respeto y notoriedad.
Di Bondone, G. (1305). El entierro de Cristo [fresco].
No existía el retrato como hoy lo conocemos, más bien dibujaban figuras convencionales, les añadían el emblema de su función —una corona y un cetro para un rey; una mitra y báculo para un obispo— y le agregaban su nombre y, aunque sí sabían de proporciones, prescindían de ellas por no considerarlas importantes.
Las manifestaciones artísticas se fueron transformando y mejorando: intención de refinamiento.
El refinamiento artístico
A partir del siglo XIV, Europa comenzó su transformación. Sus antiguas ciudades poco pobladas empezaron a ser importantes centros comerciales en los que había comodidad y lujo. Los burgueses, que estaban cada vez más independizados de la Iglesia y de los nobles, comenzaron a mostrar sus riquezas en la corte de los poderosos.
Giotto (s. f.). Retablo [pintura]
arquitectura
Las ideas y los artistas viajaron de un centro a otro, por lo que fue más fácil dispersar el arte. Gracias a Bohemia, el influjo de Italia y Francia llegaron hasta la Inglaterra de Ricardo II, que comerciaba con Borgoña, lo que hizo posible que se desarrollara un mutuo intercambio conocido como estilo internacional. Las características de este estilo era hacer uso de la observación, por la cual se desarrolló el naturalismo, y tener la misma complacencia por las cosas delicadas y bellas del entorno, que también se pusieron al servicio del arte religioso.
escultura
pintura
Características
El estilo gótico
Desarrollo a partir del siglo XII
Estilo artístico que predominó en la arquitectura religiosa, escultura y pintura de Europa entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento cultural del Renacimiento.
Se atribuía el arte gótico a las tribus bárbaras que habían destruido al Imperio romano y su cultura clásica del siglo V d. C. El arte gótico fue valorado recién a partir del siglo XIX d. C. y fue considerado grandilocuente e imponente.
Basílica de la abadía real de Saint Denis, Francia
Arquitectura
El estilo gótico
Ruptura con la Iglesia fortificada para la protección, las nuevas catedrales proporcionaban a los creyentes un reflejo del otro mundo, de las glorias que tendría el cielo. Esta representación de lo emotivo y la veracidad en el tema sagrado se volvió muy importante.
Se desarrolló a partir del siglo XII
Después del 1200, muchas y magníficas catedrales surgieron en Francia, Inglaterra, España y Alemania. En ellas había esculturas con más expresión y vida en donde se representaba el dolor, pero también la serenidad y bienaventuranza.
Bóvedas de crucería
Arcos arbotantes
Arco ojival
El arte gótico nació de la idea teocentrista en la que Dios era el centro de la realidad y consideraba que todo lo que conformaba al universo era reflejo de la luz de Dios.
Vitrales
Cruz Latina
Catedral de Notre Dame, en París
En el Estilo románico usaba muros macizos entre pilar y pilar para sostener las vigas de las bóvedas. Mientras que en el estilo gótico solo se requería delgados pilares, estrechos nervios, enormes ventanales y suplantar los arcos semicirculares por los arcos apuntados (es decir, lograr que dos segmentos del arco se encontraran en un mismo punto).
Catedral de Chartres - Francia- 1200
Sainte Chapelle - París 1248
Pórtico sur Catedrál de Estrasburgo 1230
Basílica del Voto Nacional
Notre Dame, París
Consagración de Jesús/Basílica de San Juan
Construcción: 1887-1924
Construida por el arquitecto francés Emilio Tarlier, quien se inspiró en la catedral parisina de Notre Dame. Comenzó a ser construida en el siglo XIX y que es considerada como inconclusa
Características
Fundadores Catedral de Naumburgo 1260
El estilo gótico
Escultura
La escultura adquirió una renovada importancia en la construcción de las catedrales del siglo XIII, época en la que Francia fue el país más rico e importante de Europa y su universidad el centro intelectual del mundo occidental.
Características:
Esculturas Catedral de Chartres, Francia, 1200
Tránsito de la virgen - Catedrál de Estrasburgo 1230
Modernidad
Movimiento cuyos antecedentes se encuentran en el siglo XV durante el Renacimiento europeo y que se consolidó en el siglo XVIII durante la Ilustración. Fue en ese momento cuando finalmente se materializaron sus propuestas a la luz de los cambios políticos, económicos, sociales y culturales que tuvieron lugar en esa época. La modernidad se caracterizó esencialmente por "proponer el paso de la tradición al cambio, llamado progreso, a través de la lógica y la razón."
Etimología, proviene del latín modernus (reciente, actual).
Contexto previo- Descubrimiento de América
- Mercantilismo
Características:
Contexto actual- Revolución Americana
- Revolución Francesa
Proto-Renacimiento
El artista se vuelve un científico, debe saber de muchas disciplinas para desarrollar su oficio. Ya no practica solo actividades viles y mecánicas. Ahora su oficio empieza a elevarse. El artista empieza a soñar.
Siglo XIV
En torno al siglo XIV algo cambia en Europa. Se supone que estamos en la edad media, pero algo empieza a revolucionarse: en la política, se consolidan los estados europeos; en la sociedad, la burguesía empieza a ascender; en la economía, aparecimiento del mercantilismo y principios del capitalismo.
De pronto es el hombre, y no Dios, el centro de todo. De pronto artistas y artesanos son valorados. De pronto se empieza a usar el naturalismo, la armonía y las proporciones matemáticas para crear belleza.
La matanza de los inocentes. Giotto Italia, 1306
En el proto-renacimiento estamos entre dos mundos. Estamos en el gótico (recordemos que este es un nombre a posteriori, pues para los renacentistas este era un arte de bárbaros, de godos), pero se empieza a sentir el Quattrocento.
Proto-Renacimiento
El artista se vuelve un científico, debe saber de muchas disciplinas para desarrollar su oficio. Ya no practica solo actividades viles y mecánicas. Ahora su oficio empieza a elevarse. El artista empieza a soñar.
Siglo XIV
En torno al siglo XIV algo cambia en Europa. Se supone que estamos en la edad media, pero algo empieza a revolucionarse: en la política, se consolidan los estados europeos; en la sociedad, la burguesía empieza a ascender; en la economía, aparecimiento del mercantilismo y principios del capitalismo.
De pronto es el hombre, y no Dios, el centro de todo. De pronto artistas y artesanos son valorados. De pronto se empieza a usar el naturalismo, la armonía y las proporciones matemáticas para crear belleza.
La matanza de los inocentes. Giotto Italia, 1306
En el proto-renacimiento estamos entre dos mundos. Estamos en el gótico (recordemos que este es un nombre a posteriori, pues para los renacentistas este era un arte de bárbaros, de godos), pero se empieza a sentir el Quattrocento.
El Cinquecento
El Quattrocento
Durante esta época, el siglo XVI italiano, el antropocentrismo humanista se desarrolla al máximo, inspirándose en la antigüedad clásica. La sede del Cinquecento es Roma, siendo los Papas los grandes mecenas de esta época. Su influencia se extendió por toda Europa.
Una etapa que se extiende a lo largo de todo el siglo XV y en la que se recuperan los valores e ideales de la Antigüedad clásica griega y romana. Los artistas dejan de ser anónimos y el humanismo llega a todos los ámbitos del arte. Florencia es la cuna del Quattrocento.
Entre los principales artistas del Cinquecento se destacan:
Entre los artistas más representativos del Quattrocento se encuentran:
La creación de Adán Michelangelo Buonarrotti Italia, 1512
La Gioconda Sonrisa de Mona Lisa. Leonardo da Vinci Italia, 1503
Características
Renacimiento
Etapas principales:
Desarrollo a partir del siglo XIV, XV, XVI
El Quattrocento (siglo XV)
El Cinquecento (siglo XVI)
Movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo XIV, durante la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y se destacó por su interés en el saber de la razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia.
Manierismo (siglo XVI)
La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento. El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía. Se destacaron artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
Durante el Renacimiento temprano, los artistas comenzaron a buscar inspiración en la antigüedad. Este nuevo interés daría forma al Alto Renacimiento, una corriente caracterizada por figuras naturalistas y un uso matemáticamente preciso de la perspectiva. El Alto Renacimiento duró desde 1490 hasta la década de 1530, cuando surgió el Renacimiento tardío, o Manierismo.
pINTURA
La pintura renacentista se caracterizó por la perfecta representación de los detalles, en cuanto al balance, la armonía y la perspectiva, en base a la observación del artista. Surgió el concepto de perspectiva y punto de fuga para la concepción de los espacios.
ESCULTURA Y ARQUITECTURA
Inspirados en las antiguas culturas griega y romana, en especial, por el nivel de detalle y realismo. Buscaban romper con el estilo gótico y se basaron en la perfección de las representaciones, a través de cálculos matemáticos y geométricos para obtener proporciones reales.
Renacimiento
Manierismo
El Manierismo es un estilo que surgió en 1530 y estuvo vigente hasta finales del siglo XVI. Su nombre viene de maniera –“manera” en italiano– y hace referencia a un enfoque estilizado y exagerado hacia la pintura y escultura. Las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini) pertenecen a este estilo.
Botticelli, “Primavera,” ca. c. 1477–1482
También conocido como Renacimiento tardío, el Manierismo es visto como un puente entre el Alto Renacimiento y el periodo Barroco, que adoptó la recargada estética de esta corriente, adaptándola para dar forma a su característica extravagancia.
El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente.
Parmigianino, “Virgen del cuello largo,” 1534-1540
Giuseppe Arcimboldo, “Primavera”, 1573
Reflexión
Durante la segunda mitad del siglo XV en Italia y el norte de Europa, con los nuevos descubrimientos de los artistas italianos y flamencos de la primera mitad del siglo XV, el arte no sólo servía para plasmar temas sagrados de manera sugestiva, sino también para reflejar fragmentos del mundo real dando lugar a la experimentación y el uso de nuevos efectos sorprendentes.
En ese momento se pensaba que con el triunfo del descubrimiento de la perspectiva y el estudio de la naturaleza se resolverían las dificultades del arte. Sin embargo, cada evolución representaba también dificultades nuevas: al adoptarse el nuevo concepto de hacer un cuadro como si fuera espejo de la realidad, el nuevo problema fue cómo distribuir las figuras, ya que éstas no se agrupaban de forma armónica y no destacaban tampoco con claridad al tener un fondo neutro, sobre todo en las piezas que se hacían para los retablos de la iglesias. Una de las soluciones fue empezar a rivalizar con la naturaleza, tomándose libertades, como lo hizo Botticelli, para conseguir siluetas graciosas, realzar la belleza, armonizar el dibujo (época que se conoce como el Quattrocento) y dejar de poner fondos neutros. Cuando se daban estos cambios en el arte, se vivía al mismo tiempo el fin de la Edad Media.
El barroco
El estilo barroco suele oponerse al estilo clásico. Este último se caracteriza por el respeto de las proporciones, la representación casi matemática de la realidad, la armonía de los elementos y la selección de personajes calmos como dioses y reyes.
1600–1750
Fue un período cultural, científico, tecnológico, filosófico, político, económico
ORIGEN
Se desarrolló en Europa desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII
Siglo XVII
espiritualidad
Vieja con cesta de carbón - Peter Paul Rubens
Arte
proporción
El término barroco fue acuñado en la época inmediatamente posterior, el siglo XVIII, para referirse despectivamente a arte anterior, por considerarlo deforme y exagerado. Sin embargo, posteriormente se revalorizó este estilo por su capacidad para expresar sentimientos y pasiones, y por su profundo impacto sobre el espectador.
ARQUITECTURA
temáticas
PINTURA
ESCULTURA
El barroco francés
Jean-Philippe Rameau (Dijon, 25 de septiembre de 1683 - París, 12 de septiembre de 1764)
Se caracteriza por el uso de la armonía tonal, es decir, la combinación de sonidos simultáneos, con la presencia constante del bajo continuo. La música deja de estar supeditada a la palabra (lenguaje vocal) desarrollando un lenguaje instrumental propio. El contraste propio del barroco se expresa en la música en el uso de la disonancia y de la contraposición entre partes fuertes y débiles del compás. Ejemplos de música barroca son las cantatas de J. S. Bach y Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi.
Iglesia de Saint-Étienne
En 1948, se creó la Academia Real de Bellas Artes, instituyendo así las líneas artísticas al servicio de la monarquía. Entre las decisiones que se tomaron, está la creación de géneros, donde el paisaje estaba en la última posición.
Características
Clasicismo
Corriente artística de rápida extensión en Europa, como Francia, España, Alemania, Rusia, Inglaterra y Países Bajos, aunque surgió en Italia a finales del siglo XVII hasta el XIX.
pintura
pintura y Escultura
ARQUITECTURA
Antonio Canova, Monumento fúnebre de la archiduquesa María Cristina de Austria, 1798-1805, Viena.
Clasicismo
Nicolas Poussin, Et in Arcadia ego, 1628, Museo del Louvre, París.
Iglesia de la Madeleine, París, 1763-1842.
Clasicismo
Panteón de Agripa, Roma, 118-125. En la imagen, según un grabado de Piranesi de 1754.
Neoclasicismo
Antecedentes
Tres procesos históricos fueron claves en el movimiento neoclásico:
1. La aparición de la Ilustración o el Iluminismo.
2. El descubrimiento de las ruinas de Herculano (1738) y Pompeya (1748).
2. Revolución Industrial y la Revolución Francesa.
Movimiento artístico que reacciona contra la tradición artística anterior, proclamando una "revolución" estética y filosófica.
Neoclasicismo
Los artistas deseaban participar en el nacimiento de una cultura basada en la razón, la moral y el progreso. (Arte con perspectiva revolucionaria)
Pintura
Características del movimiento
Escultura
1. Caracter didáctico y moralizador
Arquitectura
2. Valores
3. Inspiración en el arte de la Antigüedad Clásica
Literatura
4. Equilibrio, proporción y simetría
5. Culto a la razón
Música
6. Relato universal
7. Temas relacionados al compromiso político
El culto de la «diosa Razón» en Notre Dame. 1793. Aguafuerte. 12 × 20 cm.
Jacques-Germain Soufflot: Panteón de París, antigua iglesia de santa Genoveva.
Clasicismo
Jacques-Louis David: El juramento de los Horacios. 1784. Óleo sobre lienzo. 3,26 m x 4,2 m.
Nacimiento de Venus Bouguereau se pone clásico para este desnudo. Retrato del artistaWilliam-Adolphe Bouguereau Francia, 1879
Neoclasicismo
Ondina emergiendo de las aguas Las ondinas eran ninfas acuáticas de espectacular belleza que habitaban en los lagos, ríos, estanques o fuentes. Retrato del artistaChaucey Bradley Ives Estados Unidos, 1880
Romanticismo
Características
Movimiento Cultural de las últimas décadas del siglo XVIII y que se prolongó durante buena parte del siglo XIX
Romanticismo
Artistas más reconocidos del romanticismo son:
Romanticismo
El último día de Pompeya Pintura de catástrofes. de Karl Briulov Rusia, 1830
Tristán e Isolda con la poción. John William Waterhouse Reino Unido, 1916
Romanticismo
Ofelia La Ofelia de Hamlet yace muerta en el río. Retrato del artista John Everett Millais Reino Unido, 1852
La condesa de Vilches Retrato del artista Federico de Madrazo España, 1856
Actividad
En grupo, investigar las características de los siguientes movimientos artísticos: Clasicismo y Neoclasicismo, Romanticismo e Impresionismo y Postimpresionismo. Elaborar una galería virtual con ejemplos de cada movimiento. La galería debe incluir breves reseñas de las obras en relación al movimiento que pertenece.
Tarea en clase
Fecha de entrega: Hoy 6 de marzo.
Número de obras: 5 por cada movimiento.
Impresionismo
CONTEXTO DE APARECIMIENTO
Primera exposición impresionista en la galería Nadar, en 1874. En esta exposición en la que exhibían su obra artistas como Monet (1848-1926), Degas (1834-1917), Renoir (1841-1919) o Pissarro (1830-1906), se produjo el gran escándalo.
El impresionismo se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XIX en Francia. En esta época, el arte oficial todavía sigue los dictados de la academia, que mantiene la enseñanza de rígidas y encorsetadas reglas.
Estos jóvenes artistas perseguían unos objetivos muy distintos a los valores que la academia representaba.
El término impresionismo hace referencia a la meta última de este grupo de pintores: captar las impresiones que el ojo recibe de la incidencia de la luz sobre los objetos para tener una comprensión más certera del objeto en sí.
El estilo de las academias de bellas artes era muy similar al que imperó en el alto Renacimiento, el diseño sobre el colore, el dibujo y la línea como herramientas de construcción de la forma junto con el claroscuro.
Impresionismo
Cosechadores Crónica impresionista de la cosecha danesa. Retrato del artistaAnna Ancher Dinamarca, 1905
El Café-Concierto Los bares fueron viveros para la cultura moderna. Retrato del artistaEdouard Manet Francia, 1879
Características:
Postimpresionismo
1880–1910
Se acuñó a posteriori en 1910, cuando los artistas postimpresionistas estaba ya muertos. Ningún postimpresionista era consciente de estar en el postimpresionismo.
Pintura
Van Gogh, Gauguin, Seurat y Cezanne.
Postimpresionismo
Naturaleza muerta con manzanas y melocotones Una obra maestra de Cézanne pintada durante varias sesiones desde varios puntos de vista. Paul Cézanne Francia, 1905
El molino Blute-Fin Van Gogh
Vanguardias
El vanguardismo es un conjunto de diversos movimientos artísticos que surgieron a principios del siglo XX, en un contexto muy convulsionado a nivel político, económico y social. Tuvo su mayor desarrollo en Europa (especialmente en Francia) y, más tarde en Hispanoamérica (especialmente en Argentina y México).
El vanguardismo representa un arte impregnado por el radicalismo y la crítica política, social y estética, por lo que las ideologías socialistas, anarquistas, comunistas y apolíticas eran frecuentes entre los artistas de vanguardia.
ARTE ABSTRACTO/ABSTRACCIÓN LÍRICA
Grupo 3
FOVISMO/FAUVISMO
Grupo 2
CUBISMO
Grupo 5
LAND ART / ACCIÓN POR EL CLIMA
Grupo 6
SURREALISMO
Grupo 1
EXPRESIONISMO
Grupo 4
NFT
Grupo 7
FUTURISMO
Conocimiento científico-tecnológico
Movimiento antihistórico, antinaturalista y no antropocentrista
Inicia en el Movimiento Literario
Nace en Italia
Segunda Revolución Industrial (1870-1914)
Utopía futurista - ser humano/ super hombre
aviones, teléfonos, trenes
20 de febrero de 1909
Diario Le Fígaro
Pintura
Principios
Tradición estética del siglo XIX
Oposión
Giacomo Balla: Dinamismo de un perro con correa. 1912. Óleo sobre lienzo. 89.8 cm × 109.8 cm. Galería de arte Albright–Knox , Nueva York.
Revolución
Máquina
Rompía con lo tradicional al buscar reflejar el dinamismo, el peligro, el movimiento, la tecnología, la luz, la lucha
Influyó en Marcel Duchamp y Joseph Stella y tendencias como el cubofuturismo y el rayonismo ruso.
Bailes en la primavera Mosaico caleidoscópico. Retrato del artistaFrancis Picabia Francia, 1912
FUTURISMO
Gente del futuro Yuon nos muestra un futuro utópico. Retrato del artistaKonstantin Yuon Rusia, 1929
Formas únicas de continuidad en el espacio Samotracia 2.0. Retrato del artistaUmberto Boccioni Italia, 1913
Busto de MussoliniDemocracia, me gustas porque estás como ausente. Retrato del artistaRenato Bertelli Italia, 1933
FUTURISMO
CONSTRUCTIVISMO
construction art ("arte para construcción")
SUPREMATISMO
Encuentro de Vladimir Tatlin con Picasso en París
influenciada por las tendencias de vanguardia: el futurismo y el cubismo
movimiento artístico de vanguardia. Origen: Rusia, partido bolchevique. Apareció después de la Revolución de Octubre.1914)
Fundado por Kazimir Malévich
abstracción
La abstracción geométrica de esta vanguardia fue en cierta medida una influencia suprematista.
universo sin objetos
simplifican, ordenan todo, reducen los colores
Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Solomon Telingater, Gustav Klutsis
Dos vertientes constructivistas
Proponían eliminar de la obra de arte la representación de cualquier elemento de la realidad.
fotomontaje dadaísta a su obra, transformándola en una nueva clave visual y conceptual
Fotomontaje
Arte de las élites, artistas que pretenden liberarse.
Es el arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura...
SUPREMATISMO
Golpead a los blancos con la cuña roja En plena experimentación posrevolucionaria, El Lissitzky creó un cartel tan sencillo como eficaz. El Lissitzky Rusia, 1920
Bañistas Los años figurativos. Kazimir Malevich Rusia, 1908
CONSTRUCTIVISMO
La propaganda de Rodchenko Rodchenko utiliza la vanguardia rusa para adoctrinar a las masas. Alexander Rodchenko Rusia, 1925
URSS en construcción No podemos ni imaginar cómo El Lissitzky pudo seguir experimentando así en pleno estalinismo. El Lissitzky Rusia, 1940
DADAÍSMO
Expresaron sus ideas en una serie de manifiestos escritos por Tristán Tzara a partir de 1916.
1916–1923
Surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.
Características
Nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés
La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.
Promueven la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Artista
Fountain (Fuente), presentado por Marcel Ducham en el Armory Show, en Nueva York, en 1917.
Máscara abierta Transparencia, superposición, dualidad.... Francis Picabia Francia, 1931
DADAÍSMO
Autómatas republicanos Grosz retrata como nadie la corrupta y decadente sociedad alemana de entreguerras. Artista George Grosz Alemania, 1920
Neoplasticismo o De Stijl
Afectó diferentes áreas artísticas (diseño gráfico, arquitectura, diseño industrial, pintura) apuntaba a valores plásticos más puros y simples
Constructivismo holandés también llamado De Stijl.
El neoplasticismo es arte puro: línea y color, unidas en un mismo espacio.
Consideraban que el arte forma ya parte de la vida real, así que no es necesaria su imitación.
1917
Manifiesto de Piet Mondrian
Publicación
Las pinturas se convierten en tramas de líneas ortogonales que enmarcan plenos de colores primarios en forma de cuadrados o rectángulos.
1920
Silla diseñada en 1917 por Gerrit Rietveld. Representa una de las primeras exploraciones del movimiento de arte De Stijl en las tres dimensiones.
Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad.
Se caracteriza por la utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y superficies de colores.
De Stijl 1 Keler fue influído por el neoplasticismo. Artista Peter Keler Alemania, 1922
Neoplasticismo o De Stijl
Composición en rojo, amarillo y azulMondrian empieza a dedicarse a pintar líneas rectas y colores primarios. Artista Piet Mondrian Países Bajos, 1921
Arte Urbano
Jean-Philippe Rameau (Dijon, 25 de septiembre de 1683 - París, 12 de septiembre de 1764)
David Chumaña
Gianny
artístico Guayaqueer
Jaime Guevara - Coplas de la Huelga Nacional