Teatro Siglo XX

teatro español del siglo xx

EMPEZAR

01

introducción

introducción

El siglo XX se inaugura en un clima de tensión entre un teatro comercial, retórico, simplón y mediocre, destinado a una burguesía acomodada a los usos más trillados del siglo anterior, y un teatro experimental, inquieto, vanguardista y difícil de representar.Los intentos por esta renovación son varios y no siempre clara la frontera entre un teatro y otro. Autores como Benavente participan de las dos tendencias: frente a obras conservadoras impulsa un teatro modernista.

antecedentes LÍNEAS TEATRALES EN ESPAÑA EN EL SIGLO XIX

Pedro Martínez de la Rosa

El Duque de Rivas

TEATRO ROMÁNTICO

José Zorrilla

NEOCLASICISMO

VUELTA AL S. DE O.

TEATRO BURGUÉS

ALTA COMEDIA O NEORREALISMO

antecedentes RENOVACIÓN TEATRAL EN EUROPA EN EL SIGLO XX

LÍNEA NATURALISTA

LÍNEA SIMBOLISTA

TEATRO DE LA CRUELDAD

LÍNEA EXPRESIONISTA

02

primer TERCIO DEL S. XX

LÍNEAS TEATRALES EN ESPAÑA EN EL primer tercio del SIGLO XX

Jacinto Benavente

DRAMA MODERNO O TEATRO BURGUÉS

Linares Rivas

Martínez Sierra

Eduardo Marquina

TEATRO POÉTICO MODERNISTA

Francisco Villaespesa

Carlos Arniches

TEATRO CÓMICO

Hermanos Álvarez Quintero

Pedro Muñoz Seca

Valle-Inclán

TEATRO EXPERIMENTAL

García Lorca

03

guerra civil y post-guerra

LÍNEAS TEATRALES EN ESPAÑA EN LA GUERRA CIVIL Y EN LA POST-GUERRA

Teatro de Evasión, Edgar Neville

Teatro de Humor

Jardiel Poncela

Miguel Mihura

COMEDIA EVASIVA DE LOS 40

Drama ideológico, Calvo Soltelo

Teatro Clásico

Antonio Buero Vallejo

TEATRO DE COMPROMISO SOCIAL

Alfonso Sastre

Antiburgués

TEATRO REALISTA

gracias

- Se oponen a las tres unidades (tiempo, lugar, acción) del neoclasicismo, permitiendo acciones paralelas y cambios de escenario. - Mezcla de géneros (lo trágico y lo cómico), verso y prosa, y predominio de la sorpresa y el efecto. - Temas Centrales: Amor imposible, libertad, destino, honor, venganza, lo sobrenatural y crítica social. - Héroes rebeldes, marginados, apasionados y atormentados por un destino fatal, a menudo de origen humilde. - Pretenden conmover, hacer reflexionar y despertar emociones fuertes en el espectador. - Ambientación lúgubre con una escenografía basada en ambientes góticos, ruinas, cementerios, paisajes nocturnos y efectos técnicos para crear atmósfera. - Abundancia de monólogos y un lenguaje retórico y grandilocuente para expresar sentimientos íntimos.

- Didactismo y Moralidad: El arte debía enseñar y mejorar al individuo y la sociedad, transmitiendo valores de la Ilustración. - Reglas Clásicas: Se impuso la regla de las tres unidades: una sola acción principal, que se desarrolle en un solo lugar y en un máximo de 24 horas. - Separación de Géneros: Se rechazó la tragicomedia, manteniendo la distinción entre tragedia (clases altas, temas serios) y comedia (clases bajas, costumbres). - Verosimilitud y Realismo: Las obras debían ser creíbles y reflejar la realidad de forma realista, pero siempre con un fin edificante. - Decoro: Los personajes debían actuar y hablar de manera acorde a su clase social. - Uso de la Razón: Se oponía a los excesos barrocos, buscando la armonía, el equilibrio y la claridad. - Inclusión de la Mujer: Por primera vez, las mujeres pudieron actuar profesionalmente en escena.

- Dirigida a la alta burguesía, trata temas de costumbres sociales, amoríos, adulterio, etc., en ambientes urbanos y elegantes. - Entretenimiento sofisticado, a menudo con una moraleja o tesis moral, y finales felices que defienden los valores burgueses. - Diálogos ingeniosos, tramas bien elaboradas, uso de la prosa y, a veces, verso. - Representantes: Jacinto Benavente, Ventura de la Vega, Tamayo y Baus.

- Objetivo: Recrear la realidad sin idealización, mostrando los defectos y problemas sociales más crudos. - Temáticas: Se centra en las clases sociales bajas y las taras sociales (alcoholismo, pobreza). - Escenografía: Busca el realismo extremo, con decorados detallados que reflejan la vida cotidiana (habitaciones austeras, fábricas) y utilería real. - Actuación: Busca la naturalidad, estudiando al personaje psicológicamente para que parezca real, no exagerado. - Diálogo: Lenguaje coloquial y directo, como habla la gente común.

- Subjetividad: Se busca mostrar la visión interna del artista, no una copia objetiva de la realidad. - Distorsión: Deforma la realidad, el espacio y el tiempo para reflejar estados psíquicos y emociones intensas (miedo, soledad, miseria). - Crítica social: Ataca las estructuras sociales, la familia, el gobierno y el militarismo de la época. - Personajes: Son tipos o arquetipos (el hombre, el padre, el soldado) en lugar de individuos psicológicos, a menudo marionetas con movimientos rituales. - Puesta en escena: Uso de escenografías abstractas, luces y sombras para crear atmósferas oníricas o de pesadilla, y movimientos exagerados de los actores. - Estructura: Trama fragmentada, no lineal, con secuencias ilógicas, sueños y visiones.

- Oposición al Naturalismo: Rechaza la representación objetiva y científica de la realidad, buscando lo supraracional y espiritual. - Lo Invisible Hecho Visible: Su objetivo es hacer patente lo que no se ve, el "alma del mundo" o la esencia de las cosas. - Atmósfera y Sugerencia: Crea climas poéticos y misteriosos mediante la iluminación, el sonido, la música y la puesta en escena, buscando un efecto de ensueño. - Personajes Simbólicos: Los personajes no son individuos psicológicos, sino representaciones de ideas, emociones o arquetipos universales. - Participación del Espectador: El público debe completar la obra con su propia interpretación, ya que no hay una verdad única y objetiva. - Sinestesia y Musicalidad: Usa la fusión de sensaciones (luz-sonido) y la musicalidad del lenguaje para transmitir significados.

- Ruptura con el texto: El teatro debe ser una experiencia sensorial que no dependa del diálogo, sino de imágenes, sonidos, luz y gestos que hablen directamente al inconsciente, como en los sueños. - El escenario como ritual: La puesta en escena debe ser un evento único, casi mágico, que se sitúe entre lo físico y lo metafísico, como una "peste" que contagia al público. - La "Crueldad": Entendida como la fuerza vital, el rigor cósmico y la necesidad ineluctable de la existencia, no como violencia gratuita, sino como la crudeza de la vida sin adornos. - Impacto sensorial: Busca sacudir los sentidos del espectador para sacarlo de su comodidad psicológica y enfrentarlo a verdades fundamentales. - El actor como atleta afectivo: El intérprete debe usar todo su cuerpo y su energía vital para expresar pasiones, trascendiendo la mera representación psicológica.

- Heredero de la Alta comedia o Neorrealismo. - Busca el éxito de taquilla y el agrado del público burgués. - Se centra en el costumbrismo, la crítica social velada y las relaciones humanas dentro de la clase media-alta. - Usa un lenguaje convencional y formas dramáticas realistas para entretener.

- Uso del Verso: Empleaba el verso para lograr musicalidad, sonoridad y efectos coloristas, a menudo imitando el Siglo de Oro español. - Temas: Preferencia por la historia lejana, leyendas, dramas patrióticos y exaltación de ideales nobiliarios frente a la crisis de la época. - Combinaba elementos posrománticos con modernistas, usando recursos como metáforas, sinestesias, adjetivación ornamental y léxico culto para crear belleza. - Antirrealismo: Se oponía al realismo y naturalismo, buscando una evasión y una profundidad interior en lugar de la representación mimética de la realidad.

- Sainete y Género Chico: Obras cortas, a menudo en un acto, que presentaban personajes populares y costumbres castizas madrileñas (Carlos Arniches) o andaluzas (Hermanos Álvarez Quintero), con mucho diálogo y música, reflejando un humor costumbrista. - Astracán: Género humorístico radicalizado, precursor del teatro del absurdo, que usaba la exageración, juegos de palabras y situaciones grotescas para provocar la risa. Su autor principal, Pedro Muñoz Seca.

- Valle-Inclán destaca no sólo como conocedor profundo del español, sino como un gran innovador teatral, que anticipó técnicas cinematográficas (saltos en el tiempo, escenarios múltiples, etc.) y acercó el teatro español al teatro del resto de Europa. - El teatro de Lorca supone una extraordinaria renovación porque incluye elementos líricos y simbólicos, y eleva algunos temas típicos de la sociedad de su tiempo, aparentemente locales, a la categoría de conflictos universales del ser humano.

- Evasión y Humor: Su principal objetivo era entretener y distraer al público de la posguerra, creando un escape de la realidad. - Comedia Burguesa y de Costumbres: Continuaba con tramas de enredos amorosos y finales felices, defendiendo valores tradicionales, pero a menudo con un toque de crítica social. - Innovación Disfrazada: Autores como Mihura y Jardiel Poncela introdujeron elementos del teatro del absurdo y humor ilógico, aunque tuvieron que moderar su vanguardismo para ser aceptados por la censura y el público.

- Fue fundamental en la posguerra española, representando dos enfoques principales para denunciar la realidad y la opresión bajo la dictadura: - Buero, más simbólico y gradual, usando el pasado histórico como espejo para criticar el presente y burlar la censura (ej. Historia de una escalera, El tragaluz) - Sastre buscaba una denuncia más directa y frontal contra el sistema, abogando por un teatro de protesta y agitador que confrontara la realidad (ej. Escuadra hacia la muerte).

Años 50-60

- Denuncia Social y Política: Se enfocó en problemas como la división entre vencedores y vencidos, la injusticia y la falta de libertad. - Realismo Crítico: Se buscaba reflejar la realidad de forma verosímil, pero añadiendo una crítica profunda a la sociedad burguesa y sus valores. - Angustia Existencial: Temas como la soledad, la incomunicación y el sentido de la vida en un mundo contemporáneo y opresivo. - Innovación Técnica: Uso de efectos de luces, sonidos y escenografías simbólicas (el sótano como oprimido, la oficina como sistema).