Expresionismo

RESIONISMO

El término expresionismo fue utilizado por primera vez por el pintor francés Julien-Auguste Hervé, que utilizó la palabra “expressionisme” para designar una serie de cuadros presentados en el Salón de los Independientes de París en 1901, en contraposición al impresionismo. El término alemán «Expressionismus» fue adaptado directamente del francés –ya que la expresión en alemán es ‘Ausdruck’–, empleándose por primera vez en el catálogo de la XXII Exposición de la Secesión de Berlín en 1911, que incluía tanto obras de artistas alemanes como franceses. Posteriormente, el término expresionismo fue difundido por el escritor Herwarth Walden, editor de la revista Der Sturm (La tormenta), que se convirtió en el principal centro difusor del expresionismo alemán. Walden aplicó inicialmente el término a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920. En cambio, la aplicación del término expresionismo ligado exclusivamente al arte alemán de vanguardia fue idea de Paul Fechter en su libro Der Expressionismus (1914), que siguiendo las teorías de Worringer relacionó las nuevas manifestaciones artísticas como una expresión del alma colectiva alemana.

Se populariza en el contexto de la República de Weimar, Alemania y, más concretamente, a partir de las críticas de Worringer en la revista Der Sturm (La tormenta) a raíz de la exposición de la Sociedad Berlinesa de 1911. Al año siguiente se comenzó a denominar expresionista a toda la vanguardia europea, por extensión. Hoy día la historia del arte acota el término expresionismo al arte comprometido con la renovación política y social en la Alemania de principios del siglo XX. El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común (rechazo de la mímesis [imitación de la naturaleza que en la estética y la poética clásicas constituye el núcleo del arte], colores violentos…), surge como reacción al impresionismo: así como los impresionistas plasmaban en el lienzo una “impresión” del mundo circundante, un simple reflejo de los sentidos, los expresionistas pretendían reflejar su mundo interior, una “expresión” de sus propios sentimientos. .

Sin embargo, difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno… El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (aunque, en definitiva, esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano. Pese a esto, debemos decir que existe expresionismo y expresionistas de primera línea fuera del epicentro alemán, como por ejemplo el francés George Rouault (1871-1958), el español José Gutiérrez Solana (1886-1945) y los considerados iniciadores del movimiento: el noruego Edvard Munch (1863-1944) y el belga James Ensor (1860-1949).

Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte (ahí tenemos los casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El Greco, por citar solo algunos), pero fue en esta atmósfera pre-bélica de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—. Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo… Una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser humano en la que el individuo va a la deriva en la sociedad moderna, industrializada, donde se ve alienado, aislado…

CARACTERÍSTICAS

El expresionismo revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano y de la sociedad. La angustia existencial es el principal motor de su estética. Los expresionistas relacionan lo plástico, lo artístico con la sociedad, con la política y con la angustiosa situación vital de sus contemporáneos. Tienen una concepción existencial del arte partiendo de la realidad transitoria para trascenderla a lo eterno, a lo inmutable. En su esencia, el expresionismo busca mostrar claramente y de manera cruda y sin matices, los desequilibrios sociales y la angustia del ser humano, considerando además la civilización industrial como algo amenazador e intrínsecamente malo. A diferencia del futurismo, los expresionistas no tienen una filiación política clara, aunque predominan los socialistas (por lo que el movimiento será perseguido por el nacional-socialismo). Por encima de sus ideologías, todos los artistas coincidirán en exaltar la libertad individual, el pesimismo y el irracionalismo como valores clave.

En su estética predomina la subjetividad, buscando la expresión del sentimiento del artista en la obra. Hay una continua preocupación por mostrar el propio mundo interior, los estados de ánimo, sobre todo los que tienen que ver con la angustia, la tristeza, el desasosiego… Estos sentimientos los expresarán mediante la aplicación violenta de la materia pictórica, el predominio de la línea curva, de lo sinuoso, de las formas zigzagueantes. Estas características se completan con un antinaturalismo exacerbado que los lleva a la deformación de objetos y rostro. Su temática entrará en lo morboso, lo prohibido, lo demoniaco, lo sexual y lo fantástico.

• Reacciona contra todo el pasado.
• Hay un predominio de los valores emocionales.
• Deformación intencionada de la realidad.
• El abandono de las reglas tradicionales de equilibrio de la composición temática.
• Expresión vehemente de pesimismo.
• La importancia de las emociones humanas (la angustia, la desesperación y la amargura).
• La expresión de una autenticidad humana fundamental, que se expresa en violentas explosiones de color y características dramáticas.

Los puntos de partida del expresionismo son: a) el fauvismo, con su aplicación violenta del color y la importancia de este como transmisor de sensaciones y b) la obra de Van Gogh por la capacidad de transmitir mediante el color, las líneas sinuosas y curvas, el estado interior, la mirada personal y el sentimiento del artista.

GENERACIONES Y GRUPOS

Precursores

La primera gran figura y padre del expresionismo es Edvard Munch (1863-1944), fue un pintor y grabador noruego. Toda su obra llevará la impronta de su tragedia personal y de sus demonios interiores. Técnicamente logra unir la línea curva y ondulante del art nouveau, la aplicación violenta del color de los fauve y el desbordamiento colorista y creador de Van Gogh. En su célebre El grito (1893) constata las posibilidades del arte plástico para transmitir sensaciones, emociones y estados de ánimo, en este caso de angustia, desasosiego e intranquilidad…

Precursores

El belga James Ensor (1860-1949) también es precursor de esta corriente, cuyo arte se pone al servicio de la crítica sarcástica a la sociedad burguesa y a sus valores. Para ello, emplea formas de expresión como la caricatura, plasmando lo grotesco, lo incongruente y lo irracional. Dos figuras abrieron la puerta al expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En definitiva, la disección del alma humana.

Die Brücke

En 1905 nace en Dresde «un puente para sentar las bases de un arte de futuro». Fundado en 1905 por unos jóvenes estudiantes de arquitectura: Heckel, Schmidt-Rottluff y Blegl, liderado por Kirchner, que coinciden en su interés por el antiguo grabado en madera, el arte primitivo, su admiración por Van Gogh, Gauguin y Munch, y un deseo de romper con el academicismo o «arte rutina» como ellos lo denominan. Este grupo ve en la pintura un medio de liberación y de expresión de un mensaje social. Coinciden además en que el contenido de la obra de arte es más importante que la mera perfección formal. El grupo Die Brücke, pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista. Un poco de crítica social los convirtió en enemigos número 1 de la juventud alemana… y ya sabemos lo que le gusta a la juventud los enemigos Nº1.

Cartel Exposición para una exposición de Die Brücke en 1910.

Die Brücke

El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban. Kirchner (1880-1938) es considerado como cabeza del grupo. En sus pinturas destacan las formas angulosas influidas por la xilografía, la descomposición cubista y la simplificación y deformación típicas expresionistas. Evoluciona desde un primer momento de influencia de Van Gogh a un estilo más sintético y bidimensional. En sus temáticas se aprecia su gusto por la vida urbana berlinesa.

Die Brücke

Emil Nolde (1867-1956) se incorpora a El Puente ya en una edad madura. Obsesionado por la búsqueda del primitivismo, no solo en sentido plástico sino también moral. La naturaleza y la religión vistas desde su personal óptica son los motivos principales que le conllevan a de más acusaciones de irreverencia. Sus obras se caracterizan por la gran carga de materia pictórica, un dibujo torpe, primitivo, casi infantil y un predominio del color al que subordina todo.

Der Blaue Reiter

Es el segundo grupo expresionista fundado en Múnich, Alemania en 1911, y que tendrá una mayor repercusión que El Puente. Ambos grupos tienen características comunes como son su lucha contra el impresionismo, y la crítica a la sociedad de su tiempo, pero difieren bastante en otros puntos. El objetivo primordial para El Jinete Azul es captar la esencia espiritual de la realidad y buscar e investigar en los fundamentos de la pintura. De alguna manera, lo que pretenden es liberar al arte de su aspecto material, cuestión que inevitablemente coloca al arte de la pintura en el camino hacia la abstracción. Dos van a ser las principales aportaciones de este grupo a la pintura expresionista: por un lado, van a dotar de consistencia teórica al movimiento, y por otra, harán evolucionar este arte desde la representación figurativa hasta la abstracción.

Der Blaue Reiter

Los principales maestros de este grupo, verdaderos iconos además de la pintura contemporánea, son Kandinsky, Paul Klee, y el singular Franz Marc. Vasily Vasílievich Kandinsky (1899-1944). Fue un pintor, podríamos decir, de vocación tardía, aunque con sus objetivos en el mundo artístico perfectamente claros. Está interesado por el arte no objetivo, cuyo único tema sea el color, la línea, la superficie. El objeto de la naturaleza deja de interesarle buscando más la esencia, el espíritu de las cosas.

Der Blaue Reiter

A partir de estos postulados va llegando al convencimiento de que el cuadro debe ser una relación de formas coloreadas y dibujadas y se debe independizar de sus contenidos descriptivos, haciendo desaparecer del lienzo conscientemente, por primera vez en la historia, los objetos tomados de la naturaleza. En 1912 ya realiza pinturas basadas en el contraste de manchas de color y casi sin dibujo. Nace así la abstracción en la pintura, abriendo un infinito panorama de posibilidades a los artistas. Aparte de sus obras pictóricas, Kandinsky nos deja escritos teóricos, explicando el camino trazado hacia la abstracción que será fundamental en el arte contemporáneo: Punto y línea sobre el plano (1926) y De lo espiritual en el arte (1912).

Der Blaue Reiter

Franz Marc (1880–1916). Franz Moritz Wilhelm Marc, fue uno de los máximos representantes del expresionismo alemán, defendía la opinión de que cada persona posee una verdadera vivencia o experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Es otro de los miembros destacados de El Jinete Azul. Expresionista pero con claras influencias fauvistas Su colorido abrió las puertas de un nuevo arte que influiría en todo lo posterior, pero le interesó sobre todo por el mundo animal (sobre todo caballos y cuervos…). El humano en cambio le parecía un ser despreciable que no era digno de retratarse.

Der Blaue Reiter

Paul Klee (1878-1940). Es un autor muy personal, en cuya obra se equilibran forma, color, cierta tendencia a la abstracción y algunas alusiones figurativas reconocibles. De esta manera trata de penetrar en la apariencia visible, para crear otros mundos y otras realidades. En su arte, además, son fundamentales tanto su admiración por Oriente, como su concepción del artista como un mediador a través del cual las fuerzas creadoras de la naturaleza pueden manifestarse.

Expresionismo libre del periodo de entreguerras

Durante el periodo de entreguerras, el expresionismo va a desbordar el ámbito alemán, adquiriendo un carácter internacional. En España, esta corriente se manifestará de varias maneras. Una línea denominada «tremendista», marcada por la crítica social y otra línea llamada «regionalista» en la que aparecen reflejados temas como la miseria o los problemas locales, las supersticiones populares o el mundo sórdido de la España rural. En este sentido, y con estas características más o menos acentuadas, destacan artistas como Gutiérrez Solana (1886-1945), Castelao (1886-1950) e Ignacio Zuloaga (1870-1945). En México nace una escuela de muralistas con un gran sentido decorativo y con amplias variedades tonales a la que pertenecen Diego Rivera (1886-1957) y José Alfaro Sequeiros (1896-1974), que unen expresionismo e indigenismo con una misma crítica social.

Expresionismo libre del periodo de entreguerras

No obstante, la figura más reconocida del momento será el pintor y poeta de origen austríaco, Oskar Kokoschka (1886-1980) formado en Viena en la estética del art nouveau. Hacia 1910 puede verse su inflexión hacia el expresionismo en cuadros como La novia y el viento, patente a través del uso de líneas curvas y de una parca paleta para expresar pasiones y sentimientos.

¿Qué diferencia el impresionismo, del fauvismo y del expresionismo?

Como ya vimos es largo de explicar, pero sintetizo: todas estas vanguardias nacen contra el estilo academicista, las nuevas teorías sobre la percepción del color y por el invento de la fotografía (si ya hay forma de captar exactamente la realidad ¿qué sentido tiene retratarla con la pintura?). El impresionismo es más hedonista, sensible, contemplativo y usó el color descompuesto en manchas, que el ojo mezcla en una "impresión ". El impresionismo, como primera ruptura con el arte oficial de academia, es fundamental en la historia del arte. Tras él llegarán el postimpresionismo y las vanguardias. El fauvismo tiene fuerte carga expresionista (pero no confundir con el expresionismo) y lo hace a través del color, sacrificando en parte el dibujo y la perspectiva. El fauvismo, con su estilo rápido y vivaz de pinceladas cortas y discontinúas, en tanto que gira sobre la capacidad absoluta de transmitir todo lo que hacen todos los demás elementos artísticos como dibujo, modelado, claroscuro, perspectiva, etc, se dirige hacia lo abstracto. El fauvismo planteó, estudió y usó a fondo el sistema RYB de colores primarios, secundarios y complementarios, intentando transmitir los sentimientos, la luz y otras características a través del uso de los mismos. Estas experiencias aportaron avances a la técnica del óleo. El expresionismo se basó más en "expresar" de los sentimientos, formas más llamativas, deformadas. El expresionismo quiere ser subjetivo, expresivo, sentimental y nace por oposición al impresionismo.

Rodolfo Abularach (1933-2020), inició su carrera a temprana edad, y tuvo su primera exposición a los 14 años. Además de pintor, fue dibujante, grabador y escultor. Es mejor conocido por sus expresivas pinturas de ojos, pero también llevó su interés por las tradiciones y el misticismo a sus lienzos. Alguna de sus creaciones forman parte del acervo del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Tristemente, falleció por complicaciones a causa del Covid-19 en agosto de 2020.

Carlos Valenti (1888 - 1912), fue un pintor francés que vivió una parte de su vida en Guatemala, a donde llegó con sus padres siendo un niño. Artista dotado de innegable talento, quien a pesar de las represiones morales y los convencionalismos de una época guatemalteca perfilada por una dictadura (Manuel Estrada Cabrera), logró desarrollar en su corta vida una de las obras más importantes para la historia del arte del siglo XX. Es considerado el pionero del Arte Moderno guatemalteco.

Paula Nicho (1955), originaria de San Juan Comalapa, nació en el seno de una familia de agricultores. Aunque desarrolló un amor por el arte desde que era pequeña, inició su carrera como artista hasta que tuvo 30 años. “Mi inspiración proviene de mi cultura, de mi pueblo, de mi vida, del libro sagrado maya Popol Vuh y de nuestras mujeres indígenas”, dice en su declaración de artista. El color y fuerza narrativa de sus obras la ha llevado a exponer en Estados Unidos y Canadá.