EL CUBISMO

El crítico Louis Vauxcelles ya había bautizado a los fauves. Como corriente artística, el cubismo nace en París a principios del siglo XX. Su denominación data de 1908 cuando nuevamente Louis Vauxcelles en la revista Gil Blas da su crítica, él visitó una exposición de Braque y escandalizado escribe: «Son geómetras ignorantes, que reducen el paisaje y el cuerpo humano a insípidos cubos». Habla de cubos, para referirse en tono peyorativo a la técnica que observó en una exposición de Braque en la galería Kahnweiler. Estas «bizarreries cubiques» pondrían nombre al movimiento. En realidad, en el cubismo no hay cubos. Más bien todo lo contrario. El cubismo plantea nuevas formas de abordar y estudiar la realidad. Acercarse a una imagen, reducirla a los planos fundamentales, eliminar la tercera dimensión, el cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende una figura como el cubo).

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.Pero a pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que pintan los cubistas son de lo más clásico: bodegones, paisajes, retratos… Los antecedentes del cubismo, influido por el arte primitivo y africano, debemos buscarlos en el puntillismo o neoimpresionismo y sobre todo en Cézanne, quien pretendía, como vimos, reducir la realidad a su última esencia geométrica: el cilindro, el cono, la esfera... Esta teoría queda reflejada en obras como Los jugadores de cartas o sus vistas de La montaña de Santa Victoria. Dos destacados cubistas, Gleizes y Metzinger, justificaban esta relación diciendo que «quien comprende a Cézanne presiente el cubismo».

El cubismo debemos entenderlo como un proceso de investigación, casi científica, aplicado al arte plástico que se caracteriza por:

• No renunciar en ningún momento a la planitud de la tela, del lienzo, es decir, se rompe definitivamente con la idea de la «ventana albertiana» (lo representado debe tratarse de manera ilusoria, reflejando la profundidad, la perspectiva, el modelado de las figuras).
• La independencia definitiva del objeto artístico con respecto a la naturaleza que representa. Se elimina así uno de los objetivos principales de las artes plásticas tradicionales.

• Introducir por primera vez en el arte plástico la cuarta dimensión, es decir, el tiempo, en un espacio de dos dimensiones como es la tela. El objeto se representará, a la vez, desde diversos puntos de vista a través de facetas o planos angulosos desde diferentes ópticas que permiten al espectador observar con una sola mirada varios aspectos de la figura.
• Reducir la realidad a sus facetas geométricas fundamentales, lo que provocará ese aspecto de «cubos», término que contribuye a la nomenclatura del estilo.
• La importancia de la idea pensando solo en las formas esenciales. Así, Picasso se propone, según sus propias palabras, «no solo pintar lo que se ve sino también lo que se sabe». Pintar la idea del objeto, su imagen total.

Sin tratarse de una obra cubista propiamente dicha, Las señoritas de Avignon está considerada como la verdadera precursora del cubismo. Picasso une en ella la influencia del arte primitivo (máscaras africanas y arte íbero, sobre todo), a los planos facetados y las visiones múltiples para expresar un rotundo rechazo hacia la perspectiva clásica. En 1908 comienza la investigación sistemática de Braque y Picasso, que irán avanzando en lo que Apollinaire denomina «cubismo científico», y que se divide principalmente en dos momentos: a) el cubismo analítico y b) el cubismo sintético.

Les Demoiselles d'Avignon"Las señoritas de Avignon" (1907). MoMA, Nueva York, Estados Unidos.

El objeto se analizará descomponiéndolo en múltiples planos, resultando una apariencia de cubos o poliedros como reflejo de la multiplicidad de ángulos de visión. La paleta cromática se irá reduciendo a pardos, tierras y grises. Este camino llevará a colocándose al borde de la abstracción.

La fábrica de Hortad´Ebre "La fábrica de Horta de Ebro" (1910) de Picasso. Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia.

Los grandes creadores del cubismo son Braque (1882-1963) y Picasso (1881-1973) y, por extensión, los principales cubistas científicos, contando además con Juan Gris (1887-1929), destacado autor del cubismo sintético. Pero hay otros pintores fascinados por la investigación cubista y por esta estética, reinterpretando y codificando el estilo de otras maneras como Gleizes, Metzinger y Delaunay, que crea en 1912 lo que Apollinaire denominó «cubismo órfico» u «orfismo». Pertenecen un tiempo Leger y Duchamp. Para ellos «órfico» significaba pintura en estado puro. Según Apollinaire «es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos tomados no de la realidad visual sino creados enteramente por el artista y dotados por él de una poderosa realidad».

Le Pourtugais "EL PORTUGUÉS" (1911) DE GEORGE BRAQUE. Coleccion Publica de Arte de Basilea, SUIZA.

Otros caminos del cubismo

Nace en 1912 con la una exposición de gran fama en la galería Boétie donde se da a conocer la obra de artistas cubistas entre los que no figuran los creadores de esta corriente (Braque y Picasso). Los autores que exhiben sus obras en esta exposición son Villon, Duchamp, Kupka, Picabia, Archipenko y Juan Gris. Exceptuando a este último, no son cubistas en el sentido ortodoxo del término, sino que adoptan la estética cubista y la utilizan para sus fines, sin llegar a su esencia. Lo más destacable de la Sección de Oro es el interés de sus miembros por la abstracción matemática, el movimiento y algunos elementos externos del cubismo, como la técnica del facetado y una paleta parca en color.

Puede considerarse una sección o escuela del cubismo en la que se combinan la estética del cubismo científico, la filosofía del orfismo y el carácter cinético del futurismo. El resultado es conferir al cuadro unas facetaciones cilíndricas en lugar de las planas características del cubismo científico, ganando de esta manera en volumen y expresión. Destaca: Fernand Leger (1881-1955)

Orfismo

«Ballet Mécanique» Ballet mecánico.

Cine cubista. O dadaísta. O abstracto... 🤔

Arte de Fernand Léger & Dudley Murphy.Música de George Antheil.Escrito por Miguel Calvo Santos.

ARTISTAS

Georges

Braque

Braque fue, junto a Juan Gris y Picasso, uno de los representantes clásicos del cubismo. Era francés; antes fue pintor de brocha gorda, como su padre, y miembro del fauvismo, que lo fascinó por su modernidad, pero fue conocer la pintura de Cezanne, y sobre todo la carismática figura de Pablo Picasso lo que hizo cambiar definitivamente su estilo. Entre Picasso y Braque consiguieron que el cubismo se asentara como una de las vanguardias más sólidas y evolucionara hacia otros caminos. A diferencia de Picasso, al que le gustaba representar la figura humana, Braque prefirió las naturalezas muertas para sus pinturas. Pasó por las dos etapas del cubismo, que hoy en día son ya como la biblia para la historia del arte: el cubismo analítico, con la realidad descompuesta en facetas hasta el punto de ser irreconocible e ignorando el cromatismo pues lo interesante era captar los diferentes puntos de vista y la geometrización; y el cubismo sintético, donde introdujo novedades revolucionarias como el empleo del collage o la incorporación de caligrafías y números.

El Collage cubista de Braque incluía recortes de periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos encontrados que el pintor fue incorporando al lienzo como un pigmento más. Su amigo Picasso, fascinado por el hallazgo, se permitió imitar y mejorar esta técnica, hasta el punto que muchos lo consideran a él el inventor del collage. En 1961, se convierte en el primer pintor vivo cuya obra se exhibió en el Louvre, ganándole por fin a algo a Picasso.

Gris

Juan

José Victoriano González-Pérez, o como prefería ser llamado, Juan Gris, fue un pintor e ilustrador español que desarrolló su actividad principalmente en París. Es considerado uno de los maestros del cubismo. En sus primeros años parisinos subsiste dibujando para pequeñas publicaciones y en 1910 se mete de lleno en la pintura y se dedica entre otras cosas a trabajar la técnica del papier collé, es decir, recortes de cartón y papel, muchas veces de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el pigmento. Esa fue su marca de identidad y su principal aportación al cubismo. El suyo fue un cubismo más estilizado y suave que el de sus dos compañeros. Con el tiempo se distanció de Picasso y se le acusó de no evolucionar demasiado en cuanto a su pintura. Continuó siendo fiel al cubismo, aunque dándole un poco más de color a la cosa. En España apenas se reconoció su obra. Incluso hoy su producción tiene escasísima presencia en los museos públicos.

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Robe

Fue un pintor y grabador guatemalteco. Estudió en Estados Unidos y Francia. Fue uno de los grandes valores de la plástica del país centroamericano, pese a que murió a temprana edad, a los 27 años en 1954. El artista guatemalteco fue uno de los grandes valores de la plástica guatemalteca, reconocido como representativo del movimiento pictórico latinoamericano, sus obras han trascendido al tiempo, definiendo un estilo único en su clase.. Su estilo, de tendencia expresionista en su fase definitiva, es de mucho ritmo, plasticidad y gran fuerza expresiva. El Museo de Arte Moderno de Guatemala dedica una sala a su obra, donde se aprecia su evolución estilística. Su estilo era el realismo socialista, cubista y expresionista. Sus principales técnicas utilizadas eran el óleo y temple grabado. En cuanto a sus temas, sobresalen la figura humana, el retrato y la libre cratividad.

Pablo

Picasso

Pablo Ruiz Picasso, fue un pintor y escultor español, genio, vital, follador…, creador de estilos, una leyenda ya en vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artistas de la historia. Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción… y por este inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más famoso de la historia del arte. Picasso no pierde vigencia porque fue la figura central de todo el arte del siglo XX, un artista experimental pero ligado al pasado y con una obra que continuamente admite nuevas lecturas. Fue quizás también el artista más influyente. El arte contemporáneo es lo que es gracias (o por culpa) de él. Estampó su vida en sus lienzos y entre él y sus amigos, la élite cultural del siglo XX, se crearon su propia vida, su propia leyenda.

Picasso es mucho más que un artista cubista. Así lo reconoce él mismo en su vejez, es una de «las varias maneras que he usado». Tras sus primeras obras de formación en la Barcelona modernista, comienza su primer periodo relevante como pintor entre 1901 y 1904. Es el periodo azul, caracterizado por el predominio de la paleta fría de tonalidades azuladas y por la preferencia por los temas tremendistas y patéticos relacionados con la pobreza española del momento. Ciertos sentimientos de tristeza y melancolía invaden su obra en la cual es patente la influencia de El Greco. En 1904 se instala en París e inicia su periodo rosa, abandonando el patetismo inicial y la fría paleta azul, dejando paso a una serenidad más clásica y equilibrada. Ahora predominan los temas de la vida del circo que traen consigo una visión más optimista de la vida. La paleta también se hace más alegre, predominando los colores tierra, ocres y rojos. En esta época se evidencia la visión menos crispada que el artista tenía de la vida respecto a la época azul.

En París, Picasso entra en contacto con el arte africano y sus máscaras, con el arte íbero y descubre que le atraen el arte románico, El Greco y, por supuesto, Cézanne. A partir de 1906, se adentra en las investigaciones cubistas, su investigación se ve bruscamente frenada con el inicio la Primera Guerra Mundial. Pese a que el cubismo siempre tendrá cabida en sus obras, Picasso hará gala de infinitas posibilidades de expresión artística. En este momento realizará una serie de pinturas llamadas neoclásicas con las que regresa a la figuración, manifestando una gran influencia de los vasos griegos y la escultura grecorromana. Recupera el modelado, la forma, el interés por las composiciones sólidas y la simetría. Hacia 1925, Picasso se verá influido por las nuevas corrientes artísticas (surrealismo y expresionismo), realizando una serie de obras que causan cierta sensación de inquietud en el espectador. Quizá la obra más reconocida del maestro llegó como encargo para el pabellón de la España de la República en la Exposición Internacional de París de 1937, para el que pinta su célebre Guernica, donde recopilando los mejores elementos de su bagaje artístico crea una obra maestra, en la cual logra una imagen que muestra la esencia de la tragedia, de la crueldad y la muerte.

Su último periodo es el que dedica a reinterpretar desde su peculiar e inconfundible pincel las obras maestras de la pintura universal (Poussin, Courbet, Velázquez, Goya, Rembrandt…). Picasso no solo fue pintor, sino que también dedicó su arte a la escultura. Sus obras de metal, normalmente de hierro, son auténticos estudios del espacio que evocan una múltiple complejidad de formas. No podemos hablar de un estilo concreto. Su libertad estilística hizo que pasara de un estilo a otro sin transición, Su genio fue el material principal de su arte: en apenas segundos podía hacer una obra maestra. Representaba la rama del arte contemporáneo más física, la necesidad de pintar, de crear de forma material.Fue también celebridad: la fama y el éxito económico, pero también el reconocimiento artístico. Y esto se tradujo en una interminable lista de amantes, esposas, modelos… Es evidente su vinculación entre sexo y arte. Se calcula que Picasso fue autor de unas 13500 pinturas y diseños, 100000 impresiones o grabados, 34000 ilustraciones para libros y 300 esculturas o cerámicas, además de tener el mayor número de museos con su nombre.

Documental: «Le Mystère Picasso» El misterio Picasso (1956).