Culture hip-hop
et
musiques contemporaines
La culture hip-hop
La cuture hip-hop est née aux États-Unis, dans les ghettos du Bronx de New York, au début des années 1970. C’est une forme d'expression de la jeunesse urbaine afro-américaine et latino-américaine, issue des quartiers défavorisés et quotidiennement minée par les discriminations sociales, économiques et politiques. À son origine, ce mouvement culturel avait pour vocation de canaliser les frustrations et la violence en un exutoire positif.
La culture hip-hop s'est répandue rapidement dans l'ensemble des États-Unis, puis a gagné le monde entier.
Le hip-hop comporte cinq modes d'expression :
le DJing ou turntablism
le beatboxing
le rap
le breakdance
le graffiti
Musicalement, le hip-hop est né de moyens restreints et repose sur la réappropriation d’éléments musicaux de sources différentes. Les musiciens hip-hop empruntent ainsi des échantillons sonores à partir de disques ou bandes sonores et les incorporent dans leurs compositions (technique du sampling).
d'infos
Les débuts du hip-hop en France
Le hip-hop émerge en France par le biais de sa diffusion sur des radios libres, notamment sur Radio 7 (1981-1984) et sur RDH (1982-1984), puis sur Radio Nova avec l'émission Deenastyle (1988-1990) animée par les DJ Dee Nasty et Lionel D.À la télévision, en 1984 sur TF1, l'émission H.I.P. H.O.P. présentée par Sydney participe grandement à la démocratisation du hip-hop. La médiatisation se poursuit sur M6 avec l'émission RapLine (1990), présentée par Olivier Cachin et qui aborde l'actualité rap américaine et française. En dehors des médias, les premières scènes de rap parisiennes ont vu le jour au Bataclan (1982-1983), dans le quartier de la Grange-aux-Belles (1983-1987), ainsi que lors de scènes ouvertes sur le terrain vague de la Chapelle (1986). D'autres scènes se développent sur tout le territoire et particulièrement à Marseille. Continuellement inspiré par les États-Unis, le hip-hop français est une culture en perpétuelle évolution qui a su acquérir sa personnalité propre, faisant écho à l'histoire des arts populaires français et à une réalité sociale particulière. Le hip-hop oscille entre revendications sociopolitiques, messages positifs ou festifs et tentation commerciale.
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Hip-hop et musiques classique et contemporaine
Hip-hop et musique classique
Les producteurs de hip-hop s'inspirent souvent de la musique classique pour trouver des passages instrumentaux plus ou moins longs qui pourraient les intéresser. Une fois trouvé, ils procèdent à un échantillonnage musical (sampling) afin d'en faire un nouvel usage. Ils s'inspirent ainsi de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Carl Off, Piotr Ilitch Tchaïkovsky… Parmi les nombreux exemples, on peut citer le rappeur Nas, qui avec son titre I can reprend le thème de la Lettre à Elise de Ludwig van Beethoven.
Beethoven dans le rap (Philharmonie de Paris)
Quelle place pour le hip-hop dans la musique classique ? (France Musique)
Joey Starr à l'Ircam !
« Le soir, quand tout le monde est parti, nous venons faire des prises. Certains studios sont assez immenses pour accueillir un orchestre symphonique. Comme nous venons de nuit, nous ne voyons rien, tout est éteint. Le gardien fait sa ronde, passe. C'est le moment. Nous entrons avec notre pote et nous cavalons dans le noir dans les immenses couloirs jusqu'au studio. Nous répétons l'opération deux nuits de suite pour graver le titre Je Rap, qui est une des révélations de la première compile rap française. »
Dans les années 1990, l'Ircam (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) était déjà un lieu emblématique pour la création musicale et l'enregistrement à Paris. Attiré par les moyens techniques de cette institution, le duo de rap NTM, formé de Kool Shen et Joey Starr, s'y est introduit clandestinement pour enregistrer le titre Je Rap. Joey Starr l'évoque dans sa biographie Mauvaise Réputation.
Quand rappeurs et compositeurs d'aujourd'hui collaborent...
Caroline Shaw (1982)
Kanye West (1977)
Violoniste, chanteuse et compositrice, Caroline Shaw a étudié à Yale. Elle rejoint l'ensemble a cappella Roomful of Teeth fondé en 2009 et commence à composer pour eux. En 2013, elle reçoit le Pulitzer de la musique pour Partita, pièce pour huit voix a cappella. Elle contribue à briser les frontières entre les genres, collaborant avec les géants du hip-hop tels que Nas et Kanye West. En 2015, elle remixe Say You Will de Kanye West et apporte ensuite sa collaboration notamment sur les albums The Life of Pablo, Ye et Nasir.
Rappeur, compositeur, réalisateur et designer américain, Kanye West se fait remarquer pour son travail sur l'album The Blueprint du rappeur Jay-Z en 2001, ainsi que pour ses travaux auprès d'artistes de renommée internationale tels que Alicia Keys et Janet Jackson. Son style de production se base souvent sur des samples de voix aiguës tirés de chansons de soul mixés à ses propres compositions. En 2014, il assite à un des concerts de Caroline Shaw et est touché par la compositrice et sa voix.
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Say You Will remixé par Caroline Shaw
Hip Hop Symphonique
Le projet Hip Hop Symphonique est créé à l’initiative de Bruno Laforestrie, directeur de la radio Mouv’ de Radio France, et d'Issam Krimi, compositeur-arrangeur de formation classique et qui a pour ambition de faire rentrer les orchestres dans les studios de rap.Tous les ans, Isaam Krimi réarrange les grands classiques ainsi que les nouveaux tubes du rap. La compositrice Camille Pépin participe à l'aventure pour l'orchestration et l'écriture des partitions destinées à l'Orchestre Philharmonique de Radio France.
Bio
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Camille Pépin (1990)
Camille Pépin étudie au Conservatoire d'Amiens, au Pôle supérieur d'enseignement artistique Paris Boulogne-Billancourt puis au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris, notamment dans les classes de Thierry Escaich, Guillaume Connesson et Marc-André Dalbavie. Sensible au rythme, elle est attirée par les ballets d'Igor Stravinsky, l'impressionnisme de Claude Debussy ou encore la musique minimaliste de Steve Reich. Camille Pépin nourrit son inspiration de cinéma, de photographie et des arts picturaux. La littérature imprègne également sa réflexion et son imaginaire, particulièrement les imagistes américains pour leur style proche de la nature et leur sobriété. En 2020, elle est la première femme sacrée Compositrice de l'année aux Victoires de la musique classique.
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© Natacha Colmez-Collard
Ainsi les artistes hip-hop utilisent des samples de musique classique, aussi bien que des technologies et des outils communs avec le monde de la musique contemporaine, et collaborent parfois avec les compositeurs contemporains. Ce rapprochement entre les genres et les styles s'effectue également à l'inverse, les compositeurs contemporains s'imprègnant de la cuture hip-hop, notamment du rap, de la pratique des DJ et de l'art du graffiti.
Musique contemporaineet rap
Définitiondu rap
Bio
Andrea Liberovici
Rap (1996)
théâtre musical
Rap est un spectacle théâtral expérimental écrit avec Edoardo Sanguineti. Il s'agit du premier spectacle de la compagnie Teatro del Suono, né du partenariat artistique entre Andrea et l'actrice Ottavia Fusco. La poésie, mêlant régulièrement registre parlé et vers libres, est poussée aux limites de l’intelligibilité sans tomber toutefois dans un hermétisme érudit. Rap se présente comme un hymne qui se traduit sur le plateau en une exploration des différents modes de recitar cantando (dire en chantant) en rimes, rock, rap, pop, balbutiements vocaux, improvisations musicales.
L'œuvre a été créée en avril 1996 au Teatro della Tosse de Gènes (Italie) par Ottavia Fusco, Andrea Liberovici et Enrico Ghezzi.
Andrea Liberovici (1962)
Né dans une famille de musiciens, Andrea Liberovici étudie le violon, l'alto et la composition aux conservatoires de Venise et de Turin. Il suit également des cours d'art dramatique à l'école du Teatro Stabile de Gênes et des cours de chant auprès de Cathy Berberian. En 1996, avec Edoardo Sanguineti et Ottavia Fusco, il cofonde le Teatro del Suono, consacré à l'expérimentation de nouvelles relations entre musique, poésie, scène et moyens de diffusion.
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Bio
Jean-Luc Fafchamps
Rap (2011)
pour piano
Dans Rap, le pianiste doit parler, à haute et intelligible voix, sans forcer. Le texte est extrait de My Dungeon Shook, Letter to my Nephew on the One Hundredth Anniversary of the Emancipation de James Baldwin. Il transmet un message sur l'importance de l’amour dans la quête de l’égalité raciale.L'œuvre a été créée en août 2011 par Stephane Ginsburgh lors du Festival des Midis-Minimes au Conservatoire de Bruxelles (Belgique).
Interprétation par Lang Lang Laure HO en 2013
Jean-Luc Fafchamps (1960)
Pianiste de formation, Jean-Luc Fafchamps étudie au Conservatoire de Mons et à l'Université de Louvain-la-Neuve. Il s’est consacré d'abord à l'écriture pour diverses formations dans lesquelles le piano jouait un rôle central avant que son intérêt pour les harmonies non tempérées et les polyphonies de timbres ne l'entraîne vers d’autres combinaisons sonores. Jean-Luc Fafchamps est membre fondateur de l'Ensemble Ictus, et membre de l'Académie Royale de Belgique depuis 2019.
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© Marcel Fafchamps
Bio
Laurent Durupt
Hip Hop Algorithm (2015)
pour ensemble, platine et électronique
Cette œuvre trouve son origine dans une performance du rappeur Joey Starr, lors d'une exposition au Palais de Tokyo dans les années 2010. Le démarrage de la performance était chaotique, comme une machine à hip-hop enrayée, au milieu d'une foule hystérique. Attiré par les événements musicaux de cette performance et par ce show qui n'arrive pas à se mettre en route, Laurent Durupt a souhaité fabriquer une machine à créer du hip-hop à partir de n'importe quelle nourriture sonore. Il commence à créer des algorithmes informatiques puis se nourrit de tout l'univers hip-hop pour une approche plus écrite et plus poétique.L'œuvre comporte six parties (Intro, Beatmakers, Ghostwriter, Turntables, Instrumental, Outro) et a été créée en novembre 2015 au Marathon Impulse! à la Gaîté lyrique à Paris.
Concert de la création
Laurent Durupt (1978)
Laurent Durupt étudie la composition auprès d'Allain Gaussin et Philippe Leroux, puis au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris dans les classes de Frédéric Durieux et Luis Naon et complète son parcours à l'Ircam. Laurent Durupt repousse les cloisons esthétiques en établissant des passerelles entre les musiques. Il trouve son inspiration dans les musiques électroniques les plus pointues autant qu'avec les grands poètes de la tradition savante ou d'autres disciplines artistiques.
Pianiste de formation, Laurent Durupt est aussi interprète et forme avec son frère, percussionniste, le duo Links.
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© Marikel Lahana
Bio
Bernhard Lang
Paranoia (2007)
pour deux rappeurs, bande magnétique et CD
Cette œuvre est une commande du festival de Donaueschingen (Allemagne). Elle est construite sur une séquence de huit blocs semi-improvisés. Les deux voix des rappeurs sont contrapuntiques, comme de la poésie rap improvisée sur des boucles musicales.L'œuvre a été créée en 2007 lors des Donaueschinger Musiktage avec les voix de LaTasha N. Nevada Diggs et mixmastertodd.
Interprétation de 2007 par Luc Ferrari, Thomas Lehn et Erikm
Der Hetzer (2020)
théâtre musical
Der Hetzer est une œuvre de théâtre musical, d'après Otello de Guiseppe Verdi, pour voix, grand orchestre et chœur avec quatre interventions de rap. Elle s'inscrit dans les débats sociaux actuels avec un examen du racisme et de sa dimension structurelle. Des textes, écrits par les jeunes de Dortmund, spécialement pour l'occasion, sont placés comme des raps entre les actes. L'œuvre a été créée en septembre 2021 à l'opéra de Dortmund, avec les rappeurs IndiRekt et S.Castro.
Teaser par l'opéra de Dortmund
Bernhard Lang (1957)
Bernhard Lang étudie le piano classique et jazz ainsi que l’arrangement en Autriche à Linz puis à Graz, tout en s'intéressant également à la philosophie et la philologie germanique. Entre 1977 et 1981, il travaille avec les plus grands jazz band et aborde ensuite la composition avec le compositeur polonais Andrzej Dobrowolski. Il se perfectionne ensuite avec Gösta Neuwirth et Georg-Friedrich Haas. Sa musique se caractérise par la répétition brutale de petites phrases. Il collabore régulièrement avec des chorégraphes, des cinéastes ainsi que des musiciens de musique électronique.
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© Harald Hoffmann, 2016
Musique contemporaine et DJ / DJing
DéfinitionDJ/DJing
Bio
Luc Ferrari
Les archives sauvées des eaux (2000)
pour deux CD et un ensemble de vinyles
Luc Ferrari utilise ses archives sonores datant des années 70 sur CD et fournit la base mélodique de la collaboration, tandis que le DJ assure la rythmique et les scratchs. Une composition électroacoustique dans le sens où les éléments partagés entre les interprètes sont formalisés et donc contraignants.L'œuvre a été créée en mai 2000 par Luc Ferrari et DJ Olive à Gand en Belgique.
Interprétation de 2003 par Luc Ferrari et Otomo Yoshihide
Les ProtoRythmiques (2005)
pour deux DJ
Cette œuvre se présente comme une collection d'objets sonores brefs, de trames harmoniques et d'éléments réalistes, mais ne propose au départ aucune forme. Le deuxième joueur est libre d'utiliser ses propres sons et, l'invention du temps, si elle se prépare en répétition, se fait sur le moment.L'œuvre a été créée en février 2005 par Luc Ferrari et ErikM aux Instants chavirés de Montreuil.
Interprétation de 2007 par Luc Ferrari, Thomas Lehn et ErikM
Luc Ferrari (1929-2005)
Élève d'Alfred Cortot, Arthur Honegger et Olivier Messiaen, Luc Ferrari collabore avec le Groupe de recherches musicales (GRM) dès 1958 et y compose jusqu'en 1966.
Créateur du studio Billig (1972), atelier d'électroacoustique, il fonde en 1982 La Muse en Circuit, studio de composition électroacoustique et de création radiophonique.
À partir de 1999, il entreprend la Série d’exploitation des concepts, s'essaye à l'improvisation et travaille notamment avec des DJ expérimentaux.
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© Brunhild Ferrari
Bio
Marco-Antonio Perez-Ramirez
Feedback (2008)
pour six percussionnistes et deux DJ
Cette œuvre est née du désir du compositeur de travailler avec des musiciens de la scène électronique, de mêler une écriture dite « savante » avec une musique où l'écriture n'est justement pas une priorité et où l'intuition reste l'essence même de cette musique. Le compositeur est attiré par la « virtuosité » du duo Dual Engine avec les machines et leur utilisation atypique et extrême.
Dans Feedback, les lignes instrumentales, sinueuses, des Percussions de Strasbourg se croisent, s'entremêlent, glissent les unes sur les autres avec précision et créent un tissu complexe mais porteur de sens à chaque instant : c'est un fourmillement de vie permanent. L'électronique se glisse dans cette partition comme un écho, un double, elle est comme un grossissement de la partie instrumentale.
Interprétation par Dual Engine et les Percussions de Strasbourg
L'œuvre a été créée par Dual Engine et les Percussions de Strasbourg en avril 2008 à Marseille.
Marco-Antonio Perez-Ramirez (1964)
Nourri de musique folklorique chilienne, Marco-Antonio Perez-Ramirez étudie la guitare classique auprès d'Alberto Ponce et la composition auprès de Sergio Ortega, tout en suivant des études supérieures de mathématiques en France. Lauréat des fondations Khatchatourian et Boucourechliev ainsi que de l'Unesco, il suit également le cursus de composition et d’informatique musicale de l’Ircam (1996-1997).Sa perception particulière du son cherche la poésie dans la substance elle-même.
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© Laurence Saboye
Bio
Yann Robin
Scratches (2009)
pour quatuor à cordes et électronique
La notion de brouiller, d'égratigner, d'érafler, de rayer ou de déchirer le son, en d'autres termes de travailler sur la détérioration de la matière, sans en oublier le contrôle des hauteurs tant dans leur « verticalité » (harmonie) que dans leur « horizontalité » (mélodie) a été l'une des principales préoccupations du compositeur dans la conception de ce premier quatuor.L'œuvre a été créée en mai 2010 par le Quatuor Diotima à Marseille.
Interprétation par le Quatuor Tana
Crescent Scratches (2011)
pour quatuor à cordes
Crescent Scratches est conçu à partir de deux principales idées : le glissando saturé (fréquemment pulsé), assimilable au « scratch », provoqué par l'aller-retour du disque sur la platine, et la notion de boucle qui consiste à reproduire une même séquence, variée ou non. L'œuvre a été créée en juillet 2011 par le Quatuor Tercea au Festival d'Aix-en-Provence.
Interprétation de 2018 par le Quatuor Akilone
Yann Robin (1974)
Yann Robin étudie la composition avec Georges Bœuf à Marseille et approfondit ses connaissances au Conservatoire de région de Paris et à l'Université de La Sorbonne. Il entre ensuite dans les classes de Frédéric Durieux et Michaël Levinas au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris. Yann Robin manipule le son dans un espace tridimensionnel avec une énergie et une rythmique effervescente, tout en conservant la spontanéité de l'improvisation. L’idée poétique chemine dans un scénario imaginaire et l'œuvre se pense en terme d'espaces, de volumes, de lignes et de couleurs, souvent de manière symétrique.
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© Jean Radel
Bio
Guillaume Connesson
Scène de la vie contemporaine (2012)
pour deux clarinettes
Miniature n° 5 : "Le cauchemar du DJ"
Dans Scène de la vie contemporaine, le compositeur évoque le quotidien de façon ludique et ironique.
La cinquième miniature suggère au petit matin, le cerveau du DJ, hanté par ses rythmes technos devenus cauchemardesques et les ombres de la soirée électro qui s'agitent comme pour une danse macabre.
L'œuvre a été créée en octobre 2012 par Paul Meyer et Michel Portal à la Cité de la Musique de Paris.
Interprétation par Carina Canonico et David Gazaille
Guillaume Connesson (1970)
Pianiste de formation, Guillaume Connesson étudie aux conservatoires régionaux de Boulogne-Billancourt et de Paris. Influencé par de multiples musiques, aussi bien classiques que populaires – comme le funk de James Brown ou les musiques techno –, Guillaume Connesson est fasciné par la pulsation rythmique, le lyrisme de la voix et l’alchimie sonore de l’orchestre. Consonance renouvelée, recherches harmoniques au service de l'expression et vivacité rythmique caractérisent son œuvre.
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© Christophe Peus
Musique contemporaineet graffitis
Définition du graffiti
Bio
Unsuk Chin
Graffiti (2013)
pour grand ensemble
Note de la compositrice :
« Mon œuvre pour ensemble Graffiti est inspirée plus ou moins directement par le phénomène du street art. Son langage musical, entre rudesse et raffinement, complexité et transparence, exige des interprètes une grande agilité, de la virtuosité, un changement de perspective permanent. Chaque instrument est traité en soliste. […] L'œuvre s'achève par une passacaille "urbaine" hautement virtuose. »
L'œuvre a été créée en février 2013 par le Los Angeles Philharmonic sous la direction de Gustavo Dudamel, au Walt Disney Concert Hall de Los Angeles.
Interprétation par l'Ensemble Intercontemporain sous la direction de Tito Ceccherini
Unsuk Chin (1961)
Pianiste de formation, Unsuk Chin étudie d'abord la composition à l'Université de Séoul avec Sukhi Kang. Elle se perfectionne ensuite à Hambourg avec György Ligeti (1985-88) puis s'installe à Berlin. Affranchie de tout diktat esthétique, Unsuk Chin développe un langage personnel, une trame à la fois dense et claire, un raffinement instrumental et vocal très poussé, une musique empreinte de couleurs instrumentales chatoyantes et oniriques.
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© Woenki Kim
Bio
Régis Campo
Street-Art (2017)
pour douze instruments
Dans le livre Régis Campo - Musique de l'émerveillement par Thierry Vagne (éditions Aedam Musicae, 2018), le compositeur parle ainsi de sa pièce : « Cette œuvre va vers cette idée du mauvais son, de la couleur criarde, des aérosols projetés sur les murs. Plusieurs mots proches du Street-Art se bousculaient dans mon cerveau pendant la composition de cette œuvre : mosaïque, trico-tag, calligraphie et geste magique, graffitis et tags musicaux, fat cap, throw-up, block-letters, culture hip-hop, New York, mauvaise herbe, pixel, jeux vidéo, plusieurs artistes comme Banksy, Invader, JR. »
Interprétation par l'ensemble TM+ sous la direction de Laurent Cuniot
L'œuvre a été créée en mai 2017 par l'ensemble TM+ sous la direction de Laurent Cuniot à la Maison de la musique de Nanterre.
Régis Campo (1968)
Élève de Georges Bœuf au Conservatoire de Marseille, Régis Campo étudie ensuite auprès d'Alain Bancquart et Gérard Grisey au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris. En dehors de tout courant contemporain, sa musique déploie une énergie rythmique, une invention mélodique et un goût assumé pour le jeu et l'humour présents chez d'autres compositeurs français comme Clément Janequin, Jean-Philippe Rameau, François Couperin, Erik Satie ou Maurice Ravel. En 2017, Régis Campo est élu à l'Académie des Beaux-Arts.
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© C. Daguet / Editions Henry Lemoine
Réalisation
Culture hip-hop et musique contemporaine
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Created on November 15, 2021
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Culture hip-hop
et
musiques contemporaines
La culture hip-hop
La cuture hip-hop est née aux États-Unis, dans les ghettos du Bronx de New York, au début des années 1970. C’est une forme d'expression de la jeunesse urbaine afro-américaine et latino-américaine, issue des quartiers défavorisés et quotidiennement minée par les discriminations sociales, économiques et politiques. À son origine, ce mouvement culturel avait pour vocation de canaliser les frustrations et la violence en un exutoire positif.
La culture hip-hop s'est répandue rapidement dans l'ensemble des États-Unis, puis a gagné le monde entier.
Le hip-hop comporte cinq modes d'expression :
le DJing ou turntablism
le beatboxing
le rap
le breakdance
le graffiti
Musicalement, le hip-hop est né de moyens restreints et repose sur la réappropriation d’éléments musicaux de sources différentes. Les musiciens hip-hop empruntent ainsi des échantillons sonores à partir de disques ou bandes sonores et les incorporent dans leurs compositions (technique du sampling).
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Les débuts du hip-hop en France
Le hip-hop émerge en France par le biais de sa diffusion sur des radios libres, notamment sur Radio 7 (1981-1984) et sur RDH (1982-1984), puis sur Radio Nova avec l'émission Deenastyle (1988-1990) animée par les DJ Dee Nasty et Lionel D.À la télévision, en 1984 sur TF1, l'émission H.I.P. H.O.P. présentée par Sydney participe grandement à la démocratisation du hip-hop. La médiatisation se poursuit sur M6 avec l'émission RapLine (1990), présentée par Olivier Cachin et qui aborde l'actualité rap américaine et française. En dehors des médias, les premières scènes de rap parisiennes ont vu le jour au Bataclan (1982-1983), dans le quartier de la Grange-aux-Belles (1983-1987), ainsi que lors de scènes ouvertes sur le terrain vague de la Chapelle (1986). D'autres scènes se développent sur tout le territoire et particulièrement à Marseille. Continuellement inspiré par les États-Unis, le hip-hop français est une culture en perpétuelle évolution qui a su acquérir sa personnalité propre, faisant écho à l'histoire des arts populaires français et à une réalité sociale particulière. Le hip-hop oscille entre revendications sociopolitiques, messages positifs ou festifs et tentation commerciale.
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Hip-hop et musiques classique et contemporaine
Hip-hop et musique classique
Les producteurs de hip-hop s'inspirent souvent de la musique classique pour trouver des passages instrumentaux plus ou moins longs qui pourraient les intéresser. Une fois trouvé, ils procèdent à un échantillonnage musical (sampling) afin d'en faire un nouvel usage. Ils s'inspirent ainsi de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Carl Off, Piotr Ilitch Tchaïkovsky… Parmi les nombreux exemples, on peut citer le rappeur Nas, qui avec son titre I can reprend le thème de la Lettre à Elise de Ludwig van Beethoven.
Beethoven dans le rap (Philharmonie de Paris)
Quelle place pour le hip-hop dans la musique classique ? (France Musique)
Joey Starr à l'Ircam !
« Le soir, quand tout le monde est parti, nous venons faire des prises. Certains studios sont assez immenses pour accueillir un orchestre symphonique. Comme nous venons de nuit, nous ne voyons rien, tout est éteint. Le gardien fait sa ronde, passe. C'est le moment. Nous entrons avec notre pote et nous cavalons dans le noir dans les immenses couloirs jusqu'au studio. Nous répétons l'opération deux nuits de suite pour graver le titre Je Rap, qui est une des révélations de la première compile rap française. »
Dans les années 1990, l'Ircam (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) était déjà un lieu emblématique pour la création musicale et l'enregistrement à Paris. Attiré par les moyens techniques de cette institution, le duo de rap NTM, formé de Kool Shen et Joey Starr, s'y est introduit clandestinement pour enregistrer le titre Je Rap. Joey Starr l'évoque dans sa biographie Mauvaise Réputation.
Quand rappeurs et compositeurs d'aujourd'hui collaborent...
Caroline Shaw (1982)
Kanye West (1977)
Violoniste, chanteuse et compositrice, Caroline Shaw a étudié à Yale. Elle rejoint l'ensemble a cappella Roomful of Teeth fondé en 2009 et commence à composer pour eux. En 2013, elle reçoit le Pulitzer de la musique pour Partita, pièce pour huit voix a cappella. Elle contribue à briser les frontières entre les genres, collaborant avec les géants du hip-hop tels que Nas et Kanye West. En 2015, elle remixe Say You Will de Kanye West et apporte ensuite sa collaboration notamment sur les albums The Life of Pablo, Ye et Nasir.
Rappeur, compositeur, réalisateur et designer américain, Kanye West se fait remarquer pour son travail sur l'album The Blueprint du rappeur Jay-Z en 2001, ainsi que pour ses travaux auprès d'artistes de renommée internationale tels que Alicia Keys et Janet Jackson. Son style de production se base souvent sur des samples de voix aiguës tirés de chansons de soul mixés à ses propres compositions. En 2014, il assite à un des concerts de Caroline Shaw et est touché par la compositrice et sa voix.
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Say You Will remixé par Caroline Shaw
Hip Hop Symphonique
Le projet Hip Hop Symphonique est créé à l’initiative de Bruno Laforestrie, directeur de la radio Mouv’ de Radio France, et d'Issam Krimi, compositeur-arrangeur de formation classique et qui a pour ambition de faire rentrer les orchestres dans les studios de rap.Tous les ans, Isaam Krimi réarrange les grands classiques ainsi que les nouveaux tubes du rap. La compositrice Camille Pépin participe à l'aventure pour l'orchestration et l'écriture des partitions destinées à l'Orchestre Philharmonique de Radio France.
Bio
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Camille Pépin (1990)
Camille Pépin étudie au Conservatoire d'Amiens, au Pôle supérieur d'enseignement artistique Paris Boulogne-Billancourt puis au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris, notamment dans les classes de Thierry Escaich, Guillaume Connesson et Marc-André Dalbavie. Sensible au rythme, elle est attirée par les ballets d'Igor Stravinsky, l'impressionnisme de Claude Debussy ou encore la musique minimaliste de Steve Reich. Camille Pépin nourrit son inspiration de cinéma, de photographie et des arts picturaux. La littérature imprègne également sa réflexion et son imaginaire, particulièrement les imagistes américains pour leur style proche de la nature et leur sobriété. En 2020, elle est la première femme sacrée Compositrice de l'année aux Victoires de la musique classique.
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© Natacha Colmez-Collard
Ainsi les artistes hip-hop utilisent des samples de musique classique, aussi bien que des technologies et des outils communs avec le monde de la musique contemporaine, et collaborent parfois avec les compositeurs contemporains. Ce rapprochement entre les genres et les styles s'effectue également à l'inverse, les compositeurs contemporains s'imprègnant de la cuture hip-hop, notamment du rap, de la pratique des DJ et de l'art du graffiti.
Musique contemporaineet rap
Définitiondu rap
Bio
Andrea Liberovici
Rap (1996)
théâtre musical
Rap est un spectacle théâtral expérimental écrit avec Edoardo Sanguineti. Il s'agit du premier spectacle de la compagnie Teatro del Suono, né du partenariat artistique entre Andrea et l'actrice Ottavia Fusco. La poésie, mêlant régulièrement registre parlé et vers libres, est poussée aux limites de l’intelligibilité sans tomber toutefois dans un hermétisme érudit. Rap se présente comme un hymne qui se traduit sur le plateau en une exploration des différents modes de recitar cantando (dire en chantant) en rimes, rock, rap, pop, balbutiements vocaux, improvisations musicales.
L'œuvre a été créée en avril 1996 au Teatro della Tosse de Gènes (Italie) par Ottavia Fusco, Andrea Liberovici et Enrico Ghezzi.
Andrea Liberovici (1962)
Né dans une famille de musiciens, Andrea Liberovici étudie le violon, l'alto et la composition aux conservatoires de Venise et de Turin. Il suit également des cours d'art dramatique à l'école du Teatro Stabile de Gênes et des cours de chant auprès de Cathy Berberian. En 1996, avec Edoardo Sanguineti et Ottavia Fusco, il cofonde le Teatro del Suono, consacré à l'expérimentation de nouvelles relations entre musique, poésie, scène et moyens de diffusion.
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Bio
Jean-Luc Fafchamps
Rap (2011)
pour piano
Dans Rap, le pianiste doit parler, à haute et intelligible voix, sans forcer. Le texte est extrait de My Dungeon Shook, Letter to my Nephew on the One Hundredth Anniversary of the Emancipation de James Baldwin. Il transmet un message sur l'importance de l’amour dans la quête de l’égalité raciale.L'œuvre a été créée en août 2011 par Stephane Ginsburgh lors du Festival des Midis-Minimes au Conservatoire de Bruxelles (Belgique).
Interprétation par Lang Lang Laure HO en 2013
Jean-Luc Fafchamps (1960)
Pianiste de formation, Jean-Luc Fafchamps étudie au Conservatoire de Mons et à l'Université de Louvain-la-Neuve. Il s’est consacré d'abord à l'écriture pour diverses formations dans lesquelles le piano jouait un rôle central avant que son intérêt pour les harmonies non tempérées et les polyphonies de timbres ne l'entraîne vers d’autres combinaisons sonores. Jean-Luc Fafchamps est membre fondateur de l'Ensemble Ictus, et membre de l'Académie Royale de Belgique depuis 2019.
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© Marcel Fafchamps
Bio
Laurent Durupt
Hip Hop Algorithm (2015)
pour ensemble, platine et électronique
Cette œuvre trouve son origine dans une performance du rappeur Joey Starr, lors d'une exposition au Palais de Tokyo dans les années 2010. Le démarrage de la performance était chaotique, comme une machine à hip-hop enrayée, au milieu d'une foule hystérique. Attiré par les événements musicaux de cette performance et par ce show qui n'arrive pas à se mettre en route, Laurent Durupt a souhaité fabriquer une machine à créer du hip-hop à partir de n'importe quelle nourriture sonore. Il commence à créer des algorithmes informatiques puis se nourrit de tout l'univers hip-hop pour une approche plus écrite et plus poétique.L'œuvre comporte six parties (Intro, Beatmakers, Ghostwriter, Turntables, Instrumental, Outro) et a été créée en novembre 2015 au Marathon Impulse! à la Gaîté lyrique à Paris.
Concert de la création
Laurent Durupt (1978)
Laurent Durupt étudie la composition auprès d'Allain Gaussin et Philippe Leroux, puis au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris dans les classes de Frédéric Durieux et Luis Naon et complète son parcours à l'Ircam. Laurent Durupt repousse les cloisons esthétiques en établissant des passerelles entre les musiques. Il trouve son inspiration dans les musiques électroniques les plus pointues autant qu'avec les grands poètes de la tradition savante ou d'autres disciplines artistiques. Pianiste de formation, Laurent Durupt est aussi interprète et forme avec son frère, percussionniste, le duo Links.
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© Marikel Lahana
Bio
Bernhard Lang
Paranoia (2007)
pour deux rappeurs, bande magnétique et CD
Cette œuvre est une commande du festival de Donaueschingen (Allemagne). Elle est construite sur une séquence de huit blocs semi-improvisés. Les deux voix des rappeurs sont contrapuntiques, comme de la poésie rap improvisée sur des boucles musicales.L'œuvre a été créée en 2007 lors des Donaueschinger Musiktage avec les voix de LaTasha N. Nevada Diggs et mixmastertodd.
Interprétation de 2007 par Luc Ferrari, Thomas Lehn et Erikm
Der Hetzer (2020)
théâtre musical
Der Hetzer est une œuvre de théâtre musical, d'après Otello de Guiseppe Verdi, pour voix, grand orchestre et chœur avec quatre interventions de rap. Elle s'inscrit dans les débats sociaux actuels avec un examen du racisme et de sa dimension structurelle. Des textes, écrits par les jeunes de Dortmund, spécialement pour l'occasion, sont placés comme des raps entre les actes. L'œuvre a été créée en septembre 2021 à l'opéra de Dortmund, avec les rappeurs IndiRekt et S.Castro.
Teaser par l'opéra de Dortmund
Bernhard Lang (1957)
Bernhard Lang étudie le piano classique et jazz ainsi que l’arrangement en Autriche à Linz puis à Graz, tout en s'intéressant également à la philosophie et la philologie germanique. Entre 1977 et 1981, il travaille avec les plus grands jazz band et aborde ensuite la composition avec le compositeur polonais Andrzej Dobrowolski. Il se perfectionne ensuite avec Gösta Neuwirth et Georg-Friedrich Haas. Sa musique se caractérise par la répétition brutale de petites phrases. Il collabore régulièrement avec des chorégraphes, des cinéastes ainsi que des musiciens de musique électronique.
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© Harald Hoffmann, 2016
Musique contemporaine et DJ / DJing
DéfinitionDJ/DJing
Bio
Luc Ferrari
Les archives sauvées des eaux (2000)
pour deux CD et un ensemble de vinyles
Luc Ferrari utilise ses archives sonores datant des années 70 sur CD et fournit la base mélodique de la collaboration, tandis que le DJ assure la rythmique et les scratchs. Une composition électroacoustique dans le sens où les éléments partagés entre les interprètes sont formalisés et donc contraignants.L'œuvre a été créée en mai 2000 par Luc Ferrari et DJ Olive à Gand en Belgique.
Interprétation de 2003 par Luc Ferrari et Otomo Yoshihide
Les ProtoRythmiques (2005)
pour deux DJ
Cette œuvre se présente comme une collection d'objets sonores brefs, de trames harmoniques et d'éléments réalistes, mais ne propose au départ aucune forme. Le deuxième joueur est libre d'utiliser ses propres sons et, l'invention du temps, si elle se prépare en répétition, se fait sur le moment.L'œuvre a été créée en février 2005 par Luc Ferrari et ErikM aux Instants chavirés de Montreuil.
Interprétation de 2007 par Luc Ferrari, Thomas Lehn et ErikM
Luc Ferrari (1929-2005)
Élève d'Alfred Cortot, Arthur Honegger et Olivier Messiaen, Luc Ferrari collabore avec le Groupe de recherches musicales (GRM) dès 1958 et y compose jusqu'en 1966. Créateur du studio Billig (1972), atelier d'électroacoustique, il fonde en 1982 La Muse en Circuit, studio de composition électroacoustique et de création radiophonique. À partir de 1999, il entreprend la Série d’exploitation des concepts, s'essaye à l'improvisation et travaille notamment avec des DJ expérimentaux.
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© Brunhild Ferrari
Bio
Marco-Antonio Perez-Ramirez
Feedback (2008)
pour six percussionnistes et deux DJ
Cette œuvre est née du désir du compositeur de travailler avec des musiciens de la scène électronique, de mêler une écriture dite « savante » avec une musique où l'écriture n'est justement pas une priorité et où l'intuition reste l'essence même de cette musique. Le compositeur est attiré par la « virtuosité » du duo Dual Engine avec les machines et leur utilisation atypique et extrême.
Dans Feedback, les lignes instrumentales, sinueuses, des Percussions de Strasbourg se croisent, s'entremêlent, glissent les unes sur les autres avec précision et créent un tissu complexe mais porteur de sens à chaque instant : c'est un fourmillement de vie permanent. L'électronique se glisse dans cette partition comme un écho, un double, elle est comme un grossissement de la partie instrumentale.
Interprétation par Dual Engine et les Percussions de Strasbourg
L'œuvre a été créée par Dual Engine et les Percussions de Strasbourg en avril 2008 à Marseille.
Marco-Antonio Perez-Ramirez (1964)
Nourri de musique folklorique chilienne, Marco-Antonio Perez-Ramirez étudie la guitare classique auprès d'Alberto Ponce et la composition auprès de Sergio Ortega, tout en suivant des études supérieures de mathématiques en France. Lauréat des fondations Khatchatourian et Boucourechliev ainsi que de l'Unesco, il suit également le cursus de composition et d’informatique musicale de l’Ircam (1996-1997).Sa perception particulière du son cherche la poésie dans la substance elle-même.
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© Laurence Saboye
Bio
Yann Robin
Scratches (2009)
pour quatuor à cordes et électronique
La notion de brouiller, d'égratigner, d'érafler, de rayer ou de déchirer le son, en d'autres termes de travailler sur la détérioration de la matière, sans en oublier le contrôle des hauteurs tant dans leur « verticalité » (harmonie) que dans leur « horizontalité » (mélodie) a été l'une des principales préoccupations du compositeur dans la conception de ce premier quatuor.L'œuvre a été créée en mai 2010 par le Quatuor Diotima à Marseille.
Interprétation par le Quatuor Tana
Crescent Scratches (2011)
pour quatuor à cordes
Crescent Scratches est conçu à partir de deux principales idées : le glissando saturé (fréquemment pulsé), assimilable au « scratch », provoqué par l'aller-retour du disque sur la platine, et la notion de boucle qui consiste à reproduire une même séquence, variée ou non. L'œuvre a été créée en juillet 2011 par le Quatuor Tercea au Festival d'Aix-en-Provence.
Interprétation de 2018 par le Quatuor Akilone
Yann Robin (1974)
Yann Robin étudie la composition avec Georges Bœuf à Marseille et approfondit ses connaissances au Conservatoire de région de Paris et à l'Université de La Sorbonne. Il entre ensuite dans les classes de Frédéric Durieux et Michaël Levinas au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris. Yann Robin manipule le son dans un espace tridimensionnel avec une énergie et une rythmique effervescente, tout en conservant la spontanéité de l'improvisation. L’idée poétique chemine dans un scénario imaginaire et l'œuvre se pense en terme d'espaces, de volumes, de lignes et de couleurs, souvent de manière symétrique.
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© Jean Radel
Bio
Guillaume Connesson
Scène de la vie contemporaine (2012)
pour deux clarinettes
Miniature n° 5 : "Le cauchemar du DJ"
Dans Scène de la vie contemporaine, le compositeur évoque le quotidien de façon ludique et ironique.
La cinquième miniature suggère au petit matin, le cerveau du DJ, hanté par ses rythmes technos devenus cauchemardesques et les ombres de la soirée électro qui s'agitent comme pour une danse macabre.
L'œuvre a été créée en octobre 2012 par Paul Meyer et Michel Portal à la Cité de la Musique de Paris.
Interprétation par Carina Canonico et David Gazaille
Guillaume Connesson (1970)
Pianiste de formation, Guillaume Connesson étudie aux conservatoires régionaux de Boulogne-Billancourt et de Paris. Influencé par de multiples musiques, aussi bien classiques que populaires – comme le funk de James Brown ou les musiques techno –, Guillaume Connesson est fasciné par la pulsation rythmique, le lyrisme de la voix et l’alchimie sonore de l’orchestre. Consonance renouvelée, recherches harmoniques au service de l'expression et vivacité rythmique caractérisent son œuvre.
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© Christophe Peus
Musique contemporaineet graffitis
Définition du graffiti
Bio
Unsuk Chin
Graffiti (2013)
pour grand ensemble
Note de la compositrice :
« Mon œuvre pour ensemble Graffiti est inspirée plus ou moins directement par le phénomène du street art. Son langage musical, entre rudesse et raffinement, complexité et transparence, exige des interprètes une grande agilité, de la virtuosité, un changement de perspective permanent. Chaque instrument est traité en soliste. […] L'œuvre s'achève par une passacaille "urbaine" hautement virtuose. »
L'œuvre a été créée en février 2013 par le Los Angeles Philharmonic sous la direction de Gustavo Dudamel, au Walt Disney Concert Hall de Los Angeles.
Interprétation par l'Ensemble Intercontemporain sous la direction de Tito Ceccherini
Unsuk Chin (1961)
Pianiste de formation, Unsuk Chin étudie d'abord la composition à l'Université de Séoul avec Sukhi Kang. Elle se perfectionne ensuite à Hambourg avec György Ligeti (1985-88) puis s'installe à Berlin. Affranchie de tout diktat esthétique, Unsuk Chin développe un langage personnel, une trame à la fois dense et claire, un raffinement instrumental et vocal très poussé, une musique empreinte de couleurs instrumentales chatoyantes et oniriques.
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© Woenki Kim
Bio
Régis Campo
Street-Art (2017)
pour douze instruments
Dans le livre Régis Campo - Musique de l'émerveillement par Thierry Vagne (éditions Aedam Musicae, 2018), le compositeur parle ainsi de sa pièce : « Cette œuvre va vers cette idée du mauvais son, de la couleur criarde, des aérosols projetés sur les murs. Plusieurs mots proches du Street-Art se bousculaient dans mon cerveau pendant la composition de cette œuvre : mosaïque, trico-tag, calligraphie et geste magique, graffitis et tags musicaux, fat cap, throw-up, block-letters, culture hip-hop, New York, mauvaise herbe, pixel, jeux vidéo, plusieurs artistes comme Banksy, Invader, JR. »
Interprétation par l'ensemble TM+ sous la direction de Laurent Cuniot
L'œuvre a été créée en mai 2017 par l'ensemble TM+ sous la direction de Laurent Cuniot à la Maison de la musique de Nanterre.
Régis Campo (1968)
Élève de Georges Bœuf au Conservatoire de Marseille, Régis Campo étudie ensuite auprès d'Alain Bancquart et Gérard Grisey au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (CNSMD) de Paris. En dehors de tout courant contemporain, sa musique déploie une énergie rythmique, une invention mélodique et un goût assumé pour le jeu et l'humour présents chez d'autres compositeurs français comme Clément Janequin, Jean-Philippe Rameau, François Couperin, Erik Satie ou Maurice Ravel. En 2017, Régis Campo est élu à l'Académie des Beaux-Arts.
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© C. Daguet / Editions Henry Lemoine
Réalisation