Década 50. Informalismo. C.C

I N F O R M A L I S M O

ESCUELA SUPERIOR DE ARTES VISUALES “Luz Vieira Méndez”

PROFESORADO DE ARTES VISUALESTERCER AÑO LAS ARTES VISUALES EN LA HISTORIA II PROFESORA: MORELLI, IRIS ESTUDIANTE: CHAVES, CINTIA

LA DÉCADA DE LOS 50

Tras la II Guerra Mundial, Europa se veía sumergida en un clima de profunda crisis existencial, ese conflicto bélico lleno de destrucción, muerte y genocidio, grabó en el alma de los artistas un sentimiento de desencanto, de desengaño de la cultura Occidental, que hasta entonces había sido el paradigma de sus creaciones. Fue así que nació el Informalismo, un arte que gritó entre las tinieblas de la posguerra, una destreza de signos, de gestos y de la materia.

INFORMALISMO

El Informalismo se utilizó para agrupar aquellas manifestaciones artísticas surgidas en Europa hasta mediados de la década de los cincuenta. El dicho término fue acuñado por el crítico de arte Michel Tapié a raíz de la exposición “Significants de I´Informel”, celebrada en París en 1951. En esta exposición, y en otra celebrada al año siguiente, se reivindicaba la importancia del material frente a la forma, sin renunciar a una nueva imagen del hombre sobre el interés de la espontaneidad en la creación.

CaracterÍsticas

Cada artista lo interpretó de forma diferente, es por eso que no se puede hablar de una estética uniforme, cada artista, cada país, ofreció su propia versión. Aunque todas tenían algo en común, el rechazo por los conceptos de belleza, armonía y forma, además de la pintura al óleo y la figura humana. Pero la técnica del óleo ya no resultaba suficiente, era frágil y vulnerable, y lo que ellos buscaban eran materiales espesos en los que pudieran “grabar” sus imágenes, recurriendo así a la arena, el barro, los sacos, el yeso, la cola, el pincel tradicional, las espátulas o los cuchillos. Buscaban la autenticidad de la pintura, el gesto del artista, la caligrafía, las formas, las manchas, y las texturas utilizando técnicas como el frottage, collage, goteros, agujeros o cortes. La obra de arte era entendida como un momento único de creación con un automatismo puro marcado por el ritmo creativo y la espontaneidad. Rompieron con los antecedentes pictóricos de la forma y los conceptos, en virtud de lograr una expresión novedosa, auténtica e irrepetible.

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artistas precursores

Los precursores de esta tendencia fueron artistas que ya venían trabajando desde la década anterior. Ellos fueron, Georges Mathieu, los miembros del grupo Cobra, Jean Fautrier (1898-1964) y Jean Dubuffet (1901-1985).

1. Jean Fautrier (París, 1898- Châtenay- Malabry, 1964).

Artista francés considerado el principal precursor de los informalistas. El conjunto de su obra se caracterizó por la importancia dada a la textura en deterioro de las formas y por sus representaciones del dolor y el sufrimiento humano a través de figuras deformes. Aunque comenzó a pintar en 1921, y en los años siguientes expuso sus obras, las cuales la mayoría eran sobre desnudos, bodegones y paisajes con un predominio del color negro, no alcanzó el éxito artístico hasta la década de los cuarenta cuando escondido de los alemanes en Châtenay-Malabry, realizó una serie titulada, Otoges (rehenes).

FAUTRIER, J . 1948. Monsieur Tarabuste. Pintura: Óleo y medios mixtos sobre papel establecidos en lienzo. Museo del Louvre. Recuperada de https://www.wikiart.org/

FAUTRIER, J. 1958. It’s How You Feel. Pintura: técnica mixta. Museo del Louvre. Recuperada de https://www.wikiart.org/

Jean Dubuffet (Le Havre, 1901- París, 1985). Dubufffet fue un pintor Francés creador del Art Brut (arte en bruto), una corriente de arte producida por artistas no profesionales que trabajaban por fuera de las normas estéticas y libre de las preocupaciones intelectuales. Se interesaba por manifestaciones de carácter marginal, como el grafiti, o por muestras alejadas de los canales comerciales, ya que pensaba que en ellas, en su espontaneidad y naturalidad, quedaba reflejada la realidad del hombre, con sus miserias, sus debilidades y sus sufrimientos, mostraba un arte de pacientes mentales, de culturas primitivas o de niños. Estudió pintura en París de 1918, aunque la abandonó intermitentemente para dedicarse al negocio familiar de vinos. De hecho hasta pasados los 40 años no tuvo una exposición individual. A lo largo de su carrera experimentó con mezclas espesas de pastas, yesos, arenas, betún, polvo de carbón o esmaltes, que extendía sobre diferentes soportes y hendía con cualquier instrumento punzante, o simplemente con los dedos. A partir de 1962 creó una serie de obras pintadas únicamente con colores blanco, negro, rojo y azul y, hacia finales de la década, se volcó en la escultura, con trabajos realizados en poliestireno y pintados con materiales vinílicos.

DUBUFFET, J. 1947. Grand Maitre of the Outsider. Pintura. Centre Pompidou, Paris. Recuperada de: https://www.wikiart.org/es/jean-dubuffet

DUBUFFET, J. 1950. The teddy bear. Pintura: figurativa, Art Brut. El Museum of Modern Art, MoMA. Recuperada de https://www.wikiart.org/es

Georges Mathieu (Boulogne-sur-Mer, 1921 - París, 2012). Fue un pintor y crítico francés, estudió Derecho y Filosofía, en 1942 empezó a pintar en un estilo figurativo hasta que tomó partido por la Abstracción a partir de 1944. Residió en París desde 1947, donde conoció a Wols, Picabia, y Fautrier. Trabajó para una empresa norteamericana, lo que facilitó la recepción de la influencia del Expresionismo abstracto de Pollock y Tobey. En 1950, celebró su primera exposición individual en la Galería Drouin de París y su segunda en Nueva York en 1952. Múltiples influencias se funden en su pintura informalista muy lírica, con formas monstruosas que parecen tomadas de la iconografía surrealista; un colorido pastoso que los críticos llamaron “tachismo”, el Dripping, los efectos de claroscuro del expresionismo americano, algunos signos propios de la pintura japonesa, y el automatismo más veloz y dramático lo evidencian.

MATHIEU, G. 1954. Batalla de Bouvines. Pintura: óleo sobre tela. Colección particular. Recuperada de artcontemporanigeneral.blogspot.com

MATHIEU, G. 1954, Le massacre de Vassy. Pintura: óleo sobre lienzo. Colección particular. Recuperada de https://www.wikiart.org/.

diferentes corrientes

JAPÓN

EUROPA

ARGENTINA

• Sígnica ó Caligráfica
• Matérica
• Gestual

• Grupo Gutai

FRANCIA - ITALIA- ALEMANIA- ESPAÑA-

EUROPA

SÍGNICA Ó CALIGRÁFICA

Dentro de Europa, el Informalismo adoptó diferentes modalidades, y una de ellas fue la Sígnica o Caligráfica. Entre los principales representantes se destacan, Hans Hurtung (1904- 1989), conocido por su Abstracción Lírica, Giuseppe Capogrossi (1900-1972), Jean Degottex (1918-1988) y Jeroslaw Serpan (1922- 1976).

Giuseppe Capogrossi (Roma, 1900 -1972). A principios de los años 20 después de graduarse en Derecho, emprende sus estudios artísticos. Vivió por un tiempo en París (1927-1932) frecuentando varias academias y talleres. De vuelta en la capital italiana, Capogrossi funda el Grupo Romano, en aquel período sus pinturas eran estrictamente figurativas (paisajes, bodegones, desnudos). Antes de la guerra, lograron exponer en algunas manifestaciones colectivas. Pero acosado por el poder fascista, Capogrossi ve su carrera interrumpida por la guerra, reanudándola al final de esta. Hacia 1950, cambia su estilo orientándose hacia la abstracción. Fue una figura de relieve en el panorama del informalismo sígnico italiano. En sus obras agrupaba los signos en series regulares o en conjuntos irregulares, creando un ritmo y una dinámica que engloba todo el trabajo.

CAPOGROSSI, G. 1953. Superficie 678. Pintura: óleo sobre papel sobre lienzo. Museo di arte moderna e contemporanea di trento e Roverelo. Deposito collezione privata. Recuperada de https://artsandculture.

CAPOGROSSI, G.1957 Superficie 229.Pintura: óleo sobre lienzo.Museo Nacional de arte. Recuperado de https://www.museoreinasofia.es/

informalismo matérico

Tal como indica su nombre, el verdadero objeto de la obra de arte es el material. Ya no utilizaban únicamente el óleo, sino que le agregaban o sustituían con otros materiales que habitualmente no forman parte del entorno artístico como la arpillera o cualquier otro tipo de tela, la arena y el aserrín, la chapa metálica, el barniz y cualquier material de desecho. Algunos precursores del Informalismo, como Fautrier y Dubuffet, ya habían experimentado con esta nueva forma de entender la estética, y a ellos se unieron Henri Michaux (1899-1984), Alberto Burri (1915-1995), Joan-Josep Tharrats (1918-2001), Antoni Tàpies (1913), Román Vallés (1923), Modest Cuixart (1925-2007) y August Puig (1929).

Henri Michaux (Namur, 1899 - París, 1984). Pintor y poeta de origen Belga, en su obra se caracterizó por su interés por el color, aplicando el mismo en manchas sobre la tela o el papel, formando signos alfabéticos de creación personal, sin un significado lingüístico convencional establecido. El tema no tenía interés para él, pero si el movimiento automático y la velocidad de la pincelada, ya que con ellas el artista se liberaba de ataduras y de ideas previamente concebidas, y era capaz de mostrar al mundo en constante transformación. Buscando esa velocidad y la liberación de la conciencia hacia 1955 experimentó con una droga, la mescalina.

MICHAUX, H. 1957-1958. Untitled. Pintura: acuarela abstracta. Estilo: Tachismo, Informalismo Colección privada. Recuperada de https://www.wikiart.org/

MICHAUX, H. 1959. Composition. Pintura: tinta chica sobre papel japónes. Museo Nacional centro de Arte. Recuperado de https://www.museoreinasofia.es/

informalismo gestual

Esta modalidad del Informalismo se caracterizó por el valor concedido al trazo, en ocasiones de tipo caligráfico, frente a cualquier otra forma de expresión y contenido abstracto. Entre sus representantes destacados en Francia vamos a encontrar a Gérard Schneider (1896-1986), Pierre Soulages (1919), René Duvillier (1919-2002), Jean Messagier (1920-1999), Jean Paul Riopelle (1923-2002) y Frédéric Benrath (1930-2007); en Italia, a Emilio Vedona (1919-2006), Mattia Moreni (1920-1999) y Emilio Scanavino (1922-1986); en Alemania, a Bernard Schultze (1915-2005), Peter Bruning (1919-1970) y Hans Platschek (1923-2000); en España, al grupo El Paso (1957-1960), y en Japón, al grupo Gutai (1955).

Euismod tincidunt ut laoreet

Euismod tincidunt ut laoreet

FRANCIA

Pierre Soulages (Rodez, 1919). Pierre nace en Rodez (Aveyron) en 1919. A los 18 años, durante una breve estadía en París, visita dos exposiciones las cuales actúan como una revelación para él, matriculándose en Bellas Artes en Montpellier. En la inmediata posguerra se entrega totalmente a la pintura, instalándose en París, y en 1959 manda edificar un taller que le permite repartir el tiempo. Su vida es totalmente dedicada al trabajo y a la preparación de las exposiciones, participó en numerosas muestras colectivas a partir de 1947, en Francia y en el extranjero y seguirá haciéndolo a lo largo de su vida, recibiendo cantidad de galardones y premios. En 1949 y hasta hoy mismo sus obras se exponen en un sinnúmero de exposiciones personales, en museos y galerías. En paralelo con la pintura colaboraba con el teatro y realizó, a partir del principio de los años 50, una obra grabada y litográfica de suma importancia. En 1957 descubre la técnica de los cobres roídos que caracterizan su expresión gráfica. Más tarde, en 1976, Soulages aborda la escultura y nacen sus primeros bronces. Es hasta el día de hoy, que el arte de Soulages, aguadas, dibujos al carboncillo, pinturas abstractas, signos caligráficos negros o morenos invaden la página blanca y se imponen definitivamente por la autenticidad, la integridad y la fulguración de sus gestos.

SOULAGES, P. 1957. Lithographie No. 5 Litografía abstracta. Colección particular. Recuperada de https://www.wikiart.org/

SOULAGES, P. 1951. Pintura. Pintura: óleo firmado sobre lienzo Colección privada, Europa. Recuperada de: https://www.pinterest.es/pin/454793262352712287/

ITALIA

El realismo tradicional dificulta la incorporación del nuevo arte. Y en 1947, un grupo de artistas agrupados en el Fronte nuovo delle arti realizaron una exposición en la que pretendían una protesta social y política dentro de los cauces establecidos. Pero fueron muy pocos los pintores que lograron unir el presente histórico y la realidad social.

Emilio Vedova (Venecia, 1919-2006). Fue uno de los importantes representantes del Informalismo italiano, maestro del arte de posguerra y protagonista de la escena artística de la época con obras llenas de emotividad, con una tendencia hacia lo trágico, con gran originalidad técnica e interpretativa. Su carrera siempre estuvo orientada hacia la lucha política y a favor de las nuevas tendencias. Fue el creador de dos grupos, “Nueva secesión italiana” y “Frente nuevo de las artes”. A principio de los años cincuenta, su obra se centró en el Informalismo gestual, con composiciones dinámicas con un ritmo violento, a base de trazos entrecruzados donde el color negro era el dominante.

VEDOVA, E. 1958-1959. Contrastes. Pintura: óleo, abstracción. Fundación e Instituto- Adquisición Torcuato Di Tella. Recuperado de https://www.bellasartes.gob.ar/

VEDOVA. E 1957-1959. S/T. Pintura: óleo sobre lienzo. Collezione Mosaici Moderni. Recuperada de https://commons.wikimedia.org/

ESPAÑA

En la década de los cincuenta, la situación artística en España era totalmente diferente a la mencionada anteriormente en los otros países. La fuerza artística y creativa con la que vivían años anteriores de la guerra civil (1936-1939), quedó incompleta más de diez años, pero la vida artística únicamente podía desarrollarse dentro de los cauces del academicismo y la tradición. Los primeros intentos por unirse a las vanguardias europeas se produjeron a finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta, siendo el grupo Dau al Set de Barcelona el único en prosperar, y en 1951, durante la exposición de la Primera Bienal Hispanoamericana de Artes, ya era posible contemplar algunas obras vanguardistas y otras más tradicionales. Y así, en 1957, inmersos en lo político y social, comenzaron su andadura un grupo de artistas que, unidos con el nombre de El Paso, cambiaron el panorama artístico español.

grupo el paso

Procesos

Siguiendo un estilo surrealista, dicho grupo se dio a conocer públicamente en 1957 a través de un manifiesto en el que hacían su particular “declaración de principios”. Los principales fundadores fueron los pintores Antonio Suárez (1923), Juana Francés (1927-1990), Manuel Millares (1928-1972), Luís Feito(1929), Antonio Saura (1930-1998) y Rafael Canogar (1935), los escultores Pablo Serrano (1910-1985) y Manuel Chirino (1925), y los críticos Manuel Conde y José Ayllón. Más tarde se unieron al grupo Manuel Viola (1916-1987) y Manuel Rivera (1928-1995). Aunque en sus comienzos no estaba planeado crear una estética plástica definida, fue el Informalismo el que impuso, un gesto casi ausente de figuración, con una pincelada violenta y empastada, utilizando materiales y texturas más allá de las tradicionales.

Juana Francés (Alicante. España 1924-Madrid. España 1990). Pintora española, única mujer miembro y fundadora del Grupo El Paso. Francés fue una incansable investigadora plástica, transitando indistintamente entre la abstracción y la figuración. Al terminar la Guerra Civil, en 1941, se traslada con su familia a Madrid. En 1945 ingresó en la Escuela Central de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En su primera etapa artística se puede intuir la influencia de su profesor, Vázquéz Díaz, al igual que muchos pintores de esa época que asistieron a sus clases. En 1949, Francés acaba sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En 1951, recibió una beca del Instituto Francés por lo que se fue a París, donde terminó su aprendizaje. Ese mismo año, Juana participa en la I Bienal Hispanoamericana de Arte celebrada en Madrid. En 1952, Juana Francés realiza su primera exposición individual en la Sala Xagra de Madrid. La primera etapa pictórica de Juana Francés fue figurativa con formas geométricas de mujeres, grupos familiares o maternidades con influencias del surrealismo, el expresionismo, el cubismo y el realismo mágico. Un dato importante fue la asistencia de Juana al Congreso de Arte Abstracto. A partir de ese momento, comienza el abandono de lo figurativo que le lleva a un momento de transición, en el que practica la pintura abstracta, en un primer momento de tipo geométrico y que desemboca paulatinamente en la abstracción matérica.

Tras un periodo de experimentación, en la que realiza obras buscando nuevos lenguajes y técnicas en camino de la abstracción, en 1956 ya estaba definida su etapa de abstracción informal. Son cuadros abstractos, de colores austeros (marrones, blancos, negros), muy matéricos, en los que introduce arenas a la tela y en los que prima la dinámica del gesto, la acción, la emoción del momento, lo que la artista busca es transmitir al espectador sus inquietudes internas. El estudio de nuevos materiales, hizo que su pintura evolucionara hacia el informalismo, iniciando una etapa adscrita al Informalismo matérico. En febrero de 1957, Juana se convierte en una de las fundadoras y única mujer del Grupo El Paso. Pero cierta crítica a su obra, provoca la salida de Antonio Suárez y Juana Francés en 1958 tras las dos primeras exposiciones del grupo. En 1990, llegando su muerte, ella quiso que toda su obra fuera dividida en cuatro partes y que formará parte de los fondos patrimoniales de las cuatro ciudades españolas con las que tuvo una fuerte relación sentimental.

FRANCÉS, J. 1959. S/TPintura: Óleo y tierra sobre lienzo.Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Recuperado de https://maca-alicante.es/

FRANCÉS,J. 1959. Composición N° 39. Pintura: óleo y tierra sobre lienzo. Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Recuperada de https://maca-alicante.es/

JAPÓN Y LA VANGUARDIA EXPERIMENTAL

La situación del arte en Japón a principios de la década de los cincuenta presentaba ciertas similitudes con la que se estaba viendo en el mundo occidental. Demás está decir que el país también había sufrido los estragos y la destrucción provocada por la Segunda Guerra Mundial, al igual que sus artistas. Pero de ese desencanto, combinado con ciertas tradiciones, surgió la pintura gestual, incorporando también símbolos del Expresionismo Abstracto Americano, y del Informalismo Europeo, todas estas bases sirvieron para que varios artistas japoneses formaran el Grupo Gutai. Este grupo fue creado en 1954 por Jiro Yoshihara, y mostraba en sus obras un rechazo al consumo capitalista y lo expresaba de forma violenta. En esos montajes experimentaron con las técnicas y los materiales más diversos, consiguiendo algunas de las más interesantes muestras de arte experimental del momento. Los principales representantes del Grupo Gutai fueron, Jiro Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Saburo Murakami, Shozo Shimamoto, Katsuo Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka.

Jiro Yoshihara (Osaka, 1905 - Ashiya, Prefectura de Hyōgo, 1972). Jiro no recibió ninguna educación formal en arte durante su niñez, hasta que Kamiyama Jiro (1985–1940), le enseñó Arte y Filosofía europea. Posteriormente se unió a un grupo de pintores de estilo fauvista, que habían surgido del salón académico de Ministerio de Educación. Durante la década de 1930, las obras de Yoshihara se enmarcaban en la tendencia surrealista siendo popular entre los artistas. A comienzos de 1950, sus obras eran expuestas en los shows de Exhibición Internacional de Japón. Su principal prioridad era obtener reconocimiento recurriendo a la tradición japonesa. En 1953 se llevó a cabo la primera exhibición del Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo en su taller en Shibuya, con uno de sus estudiantes quien luego forma parte del grupo Gutai. Más adelante ellos se ensamblarían en dicho grupo creado en 1954, siendo reconocido por sus producciones. Además se conectó con Morita Shiryū y el movimiento de caligrafía avant-garde denominado Bokujin-kai. A partir de 1962, trabajó en una serie de pinturas de círculos inspirados en la tradición Zen. Durante ese tiempo, Jiro cambia las superficies empastadas del periodo Gutai a círculos unitarios de acrílico al agua con fondo rojo, blanco, o negro.

YOSHIHARA, J.1950. Untitled. Pintura abstracta. Colección privada. Recuperada de https://www.wikiart.org/

YOSHIHARA, J. Unknown title. Pintura abstracta, informalismo. Colección privada. Recuperada de https://www.wikiart.org/

INFORMALISMO EN ARGENTINA

El movimiento informalista argentino tuvo lugar principalmente en Buenos Aires entre fines de los años cincuenta y principios del setenta. En efecto, este movimiento surgió en un momento histórico complejo, marcado por el posperonismo, la Revolución Libertadora y el gobierno de Arturo Frondizi. En Argentina dicho movimiento tuvo un desarrollo peculiar principalmente al haber sido impulsado por las políticas culturales del posperonismo y el desarrollismo. Y más allá de actuar a favor o en contra del desarrollo artístico, este fue manipulado y transformado en un instrumento más de la lucha política. Ya sea mediante su censura o su libertad de expresión, ya que, el arte y la política siempre iban de la mano.

ARTíSTICAMENTE

Por otro lado, las bases artísticas habían llegado a muchas capitales internacionales, entonces necesitaban un arte distinto, renovado, capaz de representar la imagen de esa nueva nación. En 1959, lanzaron una serie de exhibiciones de Informalismo, el cual se agotó rápidamente en un amanerado academicismo del gesto, viniendo otros programas a suplantarlo, con todas las estrategias de la vanguardia como las irrupciones programáticas, los manifiestos y la certeza de encontrarse ante la aventura de anunciar el futuro. En sus obras se proponen reflejar y liberar el misterioso mundo del inconsciente, dejando llevar el arte por los impulsos, sin importar el orden de los elementos. Jorge Romero Brest, uno de los mayores influyentes y discutidos críticos de arte, reconoció al informalismo como el primer movimiento que tiende a la forma irregular e imprecisa, buscaba plantear lo real, a diferencia de todo lo que se veía comúnmente, oponiéndose a la imagen tradicional. Pero lamentablemente el movimiento decayó rápidamente con el avance de nuevas corrientes como el pop art, el arte óptico, etc.

ARTISTAS REPPRESENTANTES

Entre los artistas representantes se encontraban, Enrique Barilari (1927 - 2002), Alberto Greco (1931-1965), Kenneth Kemble (1923- 1998), Olga López (1938), Fernando Maza (1936-2017), Luis Alberto Wells (1939), Towas Tomás Monteleone (1931), Florencio Mendez Casariego (1927 - 1986), Noemi Di Benedetto (1930-2010), Emilio Renart (1925-1991). En 1957, un grupo de artistas intentó la ruptura con el formalismo imperante en Buenos Aires, mediante el Art Brut, el dadá, el de Duchamp. En 1956, Jorge López Anaya y Jorge Martín comenzaron a pintar unas telas opuestas por el vértice a las corrientes dominantes. Durante ese año y el siguiente realizaron una serie de obras que despreciaban todas las convenciones y las lecciones de la buena pintura. Si bien los jóvenes artistas de este movimiento, discutían mucho, intercambiaban ideas, y realizaban experiencias colectivas.

Alberto Greco (Buenos Aires, 1931 - Barcelona, 1965) Nació en Buenos Aires el 15 de Enero de 1931. Comenzó sus estudios plásticos en los talleres de Cecilia Marcovich y Tomás Maldonado. Años después se instala en Río de Janeiro, donde muestra sus obras en la Petit Galerie y en 1958, en el Museo de Arte Moderno de San Pablo. En Brasil es aplaudido como pintor “tachista” y desde allí organiza la exposición "Artistas de San Pablo", en la que se incluye, en la galería Antígona de Buenos Aires. En 1959 integra el Movimiento Informalista Argentino, junto a un grupo de artistas ya nombrados, en la que presenta la tendencia en la Galería Van Riel y en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori. Al año siguiente exhibe sus “pinturas negras” en la galería Pizarro. Años más tardes, en 1965, firma a Jakie Kennedy en la quinta Avenida, y se encuentra con Marcel Duchamp. En mayo retorna a España donde realiza, una exposición de un día. Ese verano, redacta su novela, y regresa a Barcelona donde se suicida el 12 de Octubre.

GRECO, A. 1960. S/T. Serigrafía. Museo de Arte Moderno, Argentina. Recuperada de http://www.albertogreco.com

GRECO, A. 1960. S/T. Pintura: técnica mixta sobre tela. ARTE DE LA ARGENTINA. Recuperado de http://www.albertogreco.com

ANÁLISIS PERSONAL

DEGOTTEX, J. 1955. L'Île Rouge pintura: abstracta Colección privada. Recuperada de https://www.wikiart.org

Análisis Denotativo. Título: L'Île Rouge. Autor: Degottex Jean. Año: 1955. Técnica: abstracta. Colección privada. En esta obra abstracta predomina el eje vertical; tiene una relación de figura-fondo compleja, con una pincelada totalmente suelta, modulada, marcando líneas onduladas, generando dinamismo. Podemos notar mayor peso visual sobre el eje inferior. Con respecto al color, vemos que predominan los colores rojos en la totalidad del fondo con un acento de colores fríos en tonalidades azul, violeta, negro. Además de algunos detalles en blancos y naranja. Si bien se ven diversas superposiciones, la manera en que fue trabajada la obra hace que veamos todo en un plano principal.

análisis connotativo

ANÁLISIS CONNOTATIVO Tomé como referencia y elegí una obra de Jean Degottex, ya que me cautiva todo lo que podemos encontrar detrás de una obra y lo mucho que puede llegar a causar, sea figurativa o abstracta. Muchas transmiten calma, tristeza, inquietud, paz, tranquilidad, alegría, etc. Yo elegí esta obra por sus colores, la forma en que esta equilibrada, la manera en la que el artista se liberaba expresando lo que sentía en ese momento, como utilizó las pinceladas donde cada forma tiene un significado.

ANáLISIS PERSONAL

LÓPEZ, O. 1960, S.T Mural técnica mixta, hardboard. Museo Eduardo Sívori, Buenos.Recuperado de:http://cvaa.com.ar

ANÁLISIS DENOTATIVO

Título: S.T Autor: López Olga. Año: 1960. Técnica: mixta Museo Eduardo Sívori, Buenos. En esta obra abstracta predomina el eje vertical, realizadas en materiales de diversa calidad, tiene una relación de figura - fondo compleja en la que a simple vista no se diferencian planos. Con respecto al color trabaja con contrastes de brillantez y opacidad trabajados mediante raspaduras y relieves, todo unido a una tonalidad casi siempre baja, propio de su espontaneidad e inconsciente.

Análisis connotativo

Elegí una obra de Olga López principalmente porque me llamó la atención por ser la única mujer del grupo, y todo lo que logró, siendo muy juzgada en aquellas épocas. Si bien hoy en día es mayor la cantidad de mujeres artistas, siendo algo más común, los cuestionamientos en el arte siguen vigentes. La obra de Olga fue realizada en 1960, pero no está muy lejos del arte que vemos hoy en día con esos contrastes, y brillos dorados, la espontaneidad en su trazo y en la experimentación de materiales. Lo que más aprecié de esta obra es lo simple y lo complejo de lo abstracto, porque si bien vemos una obra sencilla, hay un largo trabajo, camino e historia detrás.

CONCLUSIÓN

Este movimiento artístico, el Informalismo, surge a partir de lo que deja la Segunda Guerra Mundial, miles de muertes, conflictos, y destrucciones, un arte tal como dice la palabra, informal, lleno de ira y dolor, donde la figura humana ya no era de importancia y la experimentación de materiales jugaban un papel fundamental. Pero a pesar las todas las situaciones por las que pasaron estos artistas pudieron manifestar un arte libre, lleno de ira y dolor, pero sin límites culturales y sociales. Dicho movimiento llegó a muchos países, como así también lo fue en Argentina, un Informalismo impulsado por Greco, el cual no tuvo mucho éxito debido a los prejuicios de la sociedad, pero logró dejar las puestas abiertas al vanguardismo argentino.

wEBGRAFÍA

Jenik, M. (2018). Transformación, auge, declive e invisibilización en el arte Argentino. Repositorio udesa. https://repositorio.udesa.edu.ar/jspui/bitstream Kambouran,M. (2015). Informalismo en Argentina. Prezi. https://prezi.com/fchlrlwvwoh6/informalismo-en-argentina/?id_curso=53 Santos, M. (2015). Informalismo. HA! https://historia-arte.com/movimientos/informalismo.

BIBLIOGRAFÍA

"Arte del Siglo xx. De la II Guerra Mundial hasta nuestros días".

¡Gracias!