HISTOIRE DE L'ART

HISTOIRE DE L'ART

INDEX

ANTIQUITE

MOYEN AGE

PREHISTOIRE

RENAISSANCE

EPOQUE MODERNE

EPOQUE CONTEMPORAINE

PREHISTOIRE

L'ENFANCE DE L'ART

-40 000 à -3 500

De tout temps, les hommes ont voulu représenter le monde qui les entoure. Les premiers dessins et sculptures datent de la préhistoire, il y a des milliers et des milliers d'années. Dans des grottes, on a en effet retrouvé des animaux peints ou gravés sur les parois, ainsi que des sculptures d'argile ou de pierre, et même des instruments de musique taillés dans de l'os. C'est la naissance des premières formes d'art.

COMMENT FAIRE DE LA COULEUR

Les artistes de la Préhsitoire peignent avec des pigments, une poudre d'origineanimale, végétale ou minérale. On trouve surtout de l'ocre, une roche qui, broyée, donne des tons jaunes ou rouges. Quant au noir, il est obtenu avec du charbon de bois. On dessine d'abord les contours de l'animal, puis les reliefs sont obtenus en soufflant les pigments à la bouche ou à la paille.

PREHISTOIRE

JEUX DE MAINS

Les représentations humaines sont rares dans les grottes. En revanche, on y trouve de nombreuses mains peintes. On dit qu’elles sont positives quand on les enduit de peinture et qu’on les applique sur la paroi comme un tampon. Elles sont négatives quand on les pose directement sur le mur et qu’on peint autour, selon la technique du pochoir.

PREHISTOIRE

LA DAME DE BRASSEMPOUY

Le tout premier visage humain clairement représenté est celui d'une statuette de 3.7 cm de hauteur taillée dans de l'ivoire de mammouth. Datée d'environ 25 000 ans, elle possède des cheveux tressés ou ondulés. L'arcade sourcillière et le nez sont bien nets. Son nom vient de la localité où elle fut retrouvée, dans les Landes, en France.

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ANIMAUX D'UN AUTRE TEMPS

Sur les parois des grottes préhistoriques, on voit certains animaux qui n'existent plus en Europe aujourd'hui. Le lion et l'ours des cavernes, le rhinocéros laineux ou encore le mammouth ont disparu il y a des milliers d'années, en raison d'un changement de climat. D'autres, mi-humains mi-animaux, sont imaginaires. Leur signification nous échappe aujourd'hui.

PREHISTOIRE

PREHISTOIRE EN RELIEF

De nombreuses sculptures témoignent de l’habileté des hommes préhistoriques. Ils peuvent modeler des bisons dans de l’argile avec leurs doigts, ou tailler n’importe quel autre animal dans de l’os, de l’ivoire, des bois de cerf ou de la pierre. Pour cela, ils s’aident de morceaux de silex tranchants. Enfin, ils polissent leur œuvre pour lui donner un aspect doux au toucher.

PREHISTOIRE

CIVILISATION MEGALITHIQUE

« Méga » signifie GRAND en grec et « lithos » PIERRE. En effet, vers la fin de la Préhistoire, les hommes bâtissent de grands temples de pierre, qu’on appelle mégalithes. Aux quatre coins de l’Europe une civilisation qui reste encore pour nous mystérieuse construit des architectures impressionnantes en relation avec le soleil, les saisons et probablement les débuts de l’agriculture.

PREHISTOIRE

ANTIQUITE

de l'ANTIQUE PAS DU TOC !

-2000 à -27

L'art de la Grèce antique a eu une importance majeure en Europe.Entre -450 et -320 environ, son influence culturelle se fait ressentir de l'Egypte à l'Inde en passant par le Moyen-Orient. Les récits tirés de la mythologie, comme ceux de la guerre de Troie ou les aventures d'Ulysse, ont inspiré de nombreux artistes pendant des siècles. Aujourd'hui encore, on continue d'admirer les oeuvres des peintres et sculpteurs grecs dans les musées du monde entier.

DES DEESSES POUR L’ART

Le mot « musée » désigne un bâtiment qui abrite des collections d’art. Il vient des « muses » : ces déesses inspirant les artistes sont au nombre de neuf, et chacune suscite un art différent, de la poésie à la danse, en passant par la musique et le théâtre, ou même l’histoire et l’astronomie, considérées à l’époque comme des formes d’art à part entière.

PEINTURE SUR CERAMIQUE

Les grecs produisent de splendides poteries. Ils en font commerce dans tout le bassin méditerranéen, ce qui contribue à les rendre célèbres. Recouvertes de scènes peintes, elles illustrent des histoires mythologiques. La plupart possèdent un fond rouge et des motifs noirs ou l’inverse un fond noir et des motifs rouges.

EN L’HONNEUR DES DIEUX

Les grecs bâtissent des temples pour vénérer leurs nombreux dieux. Certains faits de martres blanc étincelant et peints de couleurs éclatantes sont ornés de frises sculptées qui racontent l’histoire de ces divinités. Le plus célèbre qui nous soit parvenu est le Parthénon à Athènes. Il est dédié à la déesse Athéna.

DES STATUES TITANESQUES

Phidias est un sculpteur grec célèbre pour ses statues « chryséléphantines », faites d’or (chrysos en grec) et d’ivoire (elephas). D’une hauteur de 12 mètres environ, la statue de Zeus, dieu des cieux, se trouvait à l’origine dans un immense temple à Olympie. Elle fait partie des sept merveilles du monde, monuments considérés comme des chefs-d’œuvre par des voyageurs et des historiens antiques..

LE PHARE DU MONDE

Situé en Egypte, le grand phare d’Alexandrie a été conçu par des Grecs vers -290. Lui aussi classé parmi les sept merveilles du monde. Il aurait mesuré jusqu’à 135mètres de hauteur. Paré de pierres blanches et de marbre, il guidait les marins vers le port jusqu’à ce que des tremblements de terre ne le fassent basculer dans la mer vers 1300.

FABRIQUER UNE STATUE EN BRONZE

De nombreuses statues sont réalisées grâce à la technique de la cire fondue. Cela consiste à créer un modèle en cire qu’on recouvre d’argile. On pratique de petits trous dans l’argile, puis on met l’ensemble à cuire au four. La cire fond et s’écoule alors par les trous. A la place, on n’a plus qu’à y couler du bronze en fusion. Ensuite, on casse le moule d’argile et on voit apparaître la statue.

ILS SONT FOUS, CES ROMAINS !

-753 à - 476

Entre -202 et 476, l'Empire romain domine une large partie de l'Europe et du pourtour méditerranéen. Grâce à leurs conquêtes territoriales et un important commerce, les Romains font venir les matériaux les plus nobles et les plus rares dans leur capitale, qui se couvre alors de bâtiments splendides et de marbres multicolores. Amateurs d'art, ils dérobent aussi les oeuvres des grecs pour en décorer leurs riches villas. Leur influence subsiste encore aujourd'hui, jusqu'au palais de l'Elysée qui est une référence à l'architecture antique.

DES VOISINS INFLUENTS

Dans un premier temps, les romains imitent beaucoup les formes d’art grecques et en font de nombreuses copies parfois de mauvaise qualité. Ils sont aussi influencés par les étrusques, une population voisine qui excelle dans la sculpture et dans l’orfèvrerie, l’art de faire des bijoux. Les riches familles étrusques, dont sont issus les premiers rois de Rome, se font aussi construire de somptueux tombeaux..

PAS DE PAPIER PEINT !

Les romains recouvrent aussi les murs de leurs villas de stuc, un enduit fabriqué avec de la pierre calcaire. Broyée finement après avoir été cuite à haute température, elle est mélangée à de l’eau, du sable, de la colle, et parfois de la poudre de marbre. On peut y ajouter des pigments de couleur. Ensuite, on peint l’enduit pendant qu’il est encore frais, d’où le nom de « fresque » qui vient de l’italien « fresco » (frais).

TOUS A L’EAU

La propreté et le plaisir de l’eau sont importants chez les Romains. Aussi, c’est avec un luxe incroyable qu’ils décorent leurs bains publics, les thermes. Ceux de l’empereur Caracalla sont entièrement recouverts de marbre, de bronze doré, de mosaïques et de statues énormes dont certaines pèsent jusqu’à 24 tonnes.

PETITES PIERRES, GRANDES OEUVRES

Les romains apprécient particulièrement la mosaïque. Ces petits morceaux de pierres colorées sont taillés en dés appelés tesselles, puis collés les uns aux autres pour former des sortes de tableaux. On peut en recouvrir ainsi le sol des maisons ou une partie des murs. Les thèmes illustrés sont très variés : scène de la vie de tous les jours, animaux ou encore batailles. .

DE GRANDS BATISSEURS

Les romains sont de brillants architectes. Ils construisent partout dans l’empire des théâtres, de cirques où l’on vient voir des courses de char, des aqueducs pour transporter de l’eau, et d’immenses temples. A Rome, on peut encore aujourd’hui admirer le Colisée, un amphithéâtre où avaient lieu des combats de gladiateurs, et le Panthéon, un temple surplombé d’une énorme coupole faite de béton !

L'ART DU PORTRAIT

Les grecs bâtissent des temples pour vénérer leurs nombreux dieux. Certains faits de martres blanc étincelant et peints de couleurs éclatantes sont ornés de frises sculptées qui racontent l’histoire de ces divinités. Le plus célèbre qui nous soit parvenu est le Parthénon à Athènes. Il est dédié à la déesse Athéna.

MOYEN AGE

Le temps des cathedrales

de 476 à 1 453

Le Moyen Age succède à l'Epire romain. C'est une longue période de l'histoire qui couvre près de mille ans ! L'art y est surtout religieux et témoigne de la puissance de l'Eglise chrétienne, qui devient la religion dominante dans toute l'Europe. Les récits de la Bible, la vie des martyrs et des saints deviennent le sujet principal de la représentation artistique. On les montre sur les façades des cathédrales et des maisons, dans des livres, sur des vitraux ou des tableaux.

LE CIEL SUR TERRE

La cathédrale est supposée montrer sur terre la splendeur du paradis. Aussi la décore-t-on somptueusement avec des statues, fresques, tapisseries, boiseries et autels dorés. Les vitraux, ces tableaux formés de morceaux de verre coloré qu’on assemble à l’aide d’une baguette de plomb, laissent entrer les rayons du soleil dans l’église. En projetant des couleurs sur les murs, ils symbolisent la gloire de Dieu. .

UN MONDE DE COULEURS

Au Moyen Age, la couleur est importante : elle ne sert pas qu’à faire joli, mais aussi à montrer la richesse de celui qui la porte. En effet, plus il y a de pigments, plus elle coûte cher. Elle est aussi utilisée comme code dans l’art : la vierge Marie porte un manteau bleu, parce que c’est la couleur du ciel. En revanche, un bourreau sera volontiers vêtu de rouge, couleur du sang.

PAS D'ARTISTE

Le mot « artiste » n’existe pas au Moyen Age. Aussi les sculpteurs ou les peintres sont-ils plutôt traités à l’époque comme de simples artisans, des fabricants. Celui qui fait des statues est appelé un « imagier » parce qu’il réalise des images dans la pierre. Notre idée de l’art a évolué avec le temps. Ce qui est considéré comme artistique pour nous ne l’était pas forcément pour nos ancêtres.

DEVOTION POPULAIRE

Certaines œuvres notamment des statues faites de pierre ou de bois, sont entièrement recouvertes de plaques d’or et de pierres précieuses. Les fidèles parcourent des distances impressionnantes pour venir les voir. Elles contiennent une relique : un morceau du corps d’un saint ou de ses vêtements. On croit qu’elles ont des pouvoirs magiques et qu’elles peuvent guérir ou protéger.

IMAGES SACREES

Tout au long du Moyen Age, la production de livres se développe. Objets de prestige, il s’agit d’abord d’ouvrages sacrés illustrés à la main par des moines copistes. Par la suite, des non-religieux abordent d’autres sujets, comme l’enseignement de la chasse. Les livres sont ornés de petites scènes peintes avec minutie, les enluminures, remplies d’animaux, de fleurs et de branchages entrelacés.

ENSEIGNER PAR L'ART

L’Eglise propage son enseignement par des sculptures et des peintures qui servent à éblouir les fidèles tout en illustrant les histoires de la bible et de la vie des saints. On trouve ces récits aussi bien sur les tympans, au-dessus des portes de la cathédrale, que sur les retables, de grands tableaux constitués de plusieurs panneaux de bois, placés au font de l’église.

LA RENAISSANCE

LA RENAISSANCE : RETOUR A L'ANTIQUITE

1400 à 1500

Les villes d'Italie du Nord et des Flandres (au nord de la France) connaissent une grande prospérité grâce à leur commerce. Leur rivalité les amène à se surpasser pour être les plus belles et les plus riches. Alors qu'on procède à des fouilles archéologiques à Rome dans les années 1440, un courant de pensée philosophique et artistique se répoand, l'humanisme. L'antiquité gréco-romaine est remise au goût du jour et de nombreux artistes sont attirés dans les villes pour réaliser des oeuvres à la gloire de leurs dirigeants.

LE DOME DE LA FLEUR

Fait de deux coques de briques légères, le dôme de la cathédrale de Florence, Santa Maria del Fiore ("Sainte Marie de la Fleur" en italien), devient en 1436 le plus grand jamais créé. il est le fruit de l'architecte Filippo Brunelleschi. Il a été le plus grand défi technique et artistique de son temps.

UN ROI TROIS ARTISTES

les textes de la Bible sont aussi une grande source d'inspiration pendant la Renaissance. Ainsi trois artistes majeurs, Donatello en 1440, Verrocchio en 1475, puis Michel Ange en 1504, ont représenté le jeune berger David. Selon la légende, celui-ci a affronté le géant Goliath avec sa fronde, avant de devenir le roi d'Israël.

HISTOIRES DE TOILES

Le premier tableau sur toile de lin date de 1410, mais c'est à partir de la Renaissance que cette nouvelle méthode se répand. Auparavant, des panneaux de bois collés puis enduits servaient de support. La technique, elle aussi, change : on passe progressivement de la peinture a tempera. , qui utilisait le jaune d'oeuf et un peu d'eau comme liant pour les pigments à la peinture à l'huile.

CHAPELLE SIXTINE

Certains religieux condamnent les sujets traités par les artistes de la Renaissance, qu'ils trouvent immorau.x Cela n'empêcche par l'Eglise de commander des oeuvres aux peintres et sculpteurs d'exception de cette époque. Ainsi Michel Ange réalise la fresque de la création d'Adam pour orner la plus grande voûte du Vatican, à Rome celle de la chapelle Sixtine.

SACRE PRINTEMPS

Le Printemps de Botticelli est l'un des tableaux emblématiques de la Renaissance italienne les personnages y sont des allégories issues de la mythologie, c'est à dire des représentations d'idées sous la forme d'êtres humains, ici, le peintre a mis en scène la floraison, l'amour, le vent mais aussi la beauté.

GENIE UNIVERSEL

Le prénom de Léonard de Vinci a franchi les siècles sans perdre son éclat. Il incarne encore à nos yeux l'esprit de la Renaissance. Elève de Verrocchio, c'est un artiste accompli exerçant ses talents dans tous les domaines scientifiques et artistiques de son époque. on lui doit l'oeuvre la plus célèbre du monde : la Joconde.

A LA COUR DES ROIS

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1498 à 1610

Très tôt, les monarques savent s'entourer d'une cour proestigieuse où gravitent les meilleures artistes. Des sommes colossales sont déboursées pour magnifier le souverain et, à travers lui, l'Etat qu'il représente. Les palais sont ornés de meubles faits de matériaux nobles ou exotiques, leurs murs recouverts de tapisseries chatoyantes et de protraits où l'image du roi domine l'assemblée. Pour les artistes, travailler à la cour est une opportunité qu'on ne peut refuser tant la concurence est rude et les places rares.

FASTUEUSES DEMEURES

Dans les années 1500, le roi de France et sa suite n'ont pas de résidence fixe. Le long de la Loire et au sud de Paris fleurissent les châteaux. François 1er , y invite des artistes italiens prestigieux pour réaliser l'écrin de sa cour. Le peintre est architecte. Le Primatice travaille ainsi au décor de fontainebleau tandis que Léonard de Vinci réalise le tout premier plan de Chambord.

DECOR DE FILS ET D'ORS

Les demeures de la noblesse sont parées de tapisseries multicolores. Réalisées avec minutie, elles représentent des scènes de chasse, des histores de la mythologie, ou encore des idées.

DES ROIS RIVAUX

Les artistes dont la renommée et le talent attirent l'attention des puissants ont parfois la chance de devenir peintres dur oi. Ils sont chargés de faire le portrait du souverain. Deux hommes s'y distinguent par la justesse et la ressemblance de leurs oeuvres François Clouet à la cour de François 1er et Hans Holbein auprès d'Henri VIII d'Angleterre..

MAITRE GRAVEUR

Avec l'apparition de l'imprimerie, et la diffusion du livre, se développe la gravure. Ce procédé, utilisé en Asie depuis le Moyen Age, consiste à graver un dessin sur un morceau de bois dont on enduit la surface d'encre, puis qu'on applique sur du papier comme un tampon. L'allemand Albrecht Dürer s'est particulièrement illustré dans ce domaine.

BRILLANTES CERAMIQUES

Bernard Palissy est un touche à tout aussi bien potier, peintre émailleur que verrier et savant de surcoît. il s'illustre par la réalisation de plats en relief, recouverts d'une surface emaillée reflétant la lumière et décorés de poissons d'anguilles ou de plantes très réalistes Travailleur acharné, il va jusqu'à brûler ses propres meubles pour alimenter ses fours..

VERS L'INFINI ET AU DELA

Les souverains expriment leur grandeur même à travers la mort. Ils se font faire des tombeaux somptueux pour qu'on se souvienne d'eux et de leurs mérites. Marbre de couleur, bronzes, sculptures, tout concourt à magnifier leur image pour l'éternité. Parfois, les tombes sont à deux niveaux, montrant la statue du roi vivant sur le dessus et celle du roi mort en-dessous.

EPOQUE MODERNE

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AUTOUR DE l'ACADEMIE

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1648 à 1750

Créée en 1648, en France, l'Académie royale de peinture et de sculpture a pour but l'essor et le contrôle des arts. Par des règles strictes et précises, s'inspirant de l'Antiquité, les oeuvres doivent refléter de grandes qualités morales et esthétiques. C'est ce qu'on appelle le classicisme. Ce mouvement artistique basé sur la raison s'oppose à un autre courant, plutôt fondé sur la passion : le baroqeu. Cette confrontation donne naissance à l'une des plus riches périodes de l'histoire de l'art.

LA PERLE DE L'ART

Le baroque désigne un courant artistique aux formes tourbillonnantes, aux mouvements exagérés et aux couleurs très vives. Les passions humaines sont mises en avant, même lorsqu'elles sont négatives ou dramatique. Le mot lui-même vient du portugais barroco et désigne une perle nacrée de forme irrégulière qu'on trouve parfois dans les huîtres.

PIERRE PAUL RUBENS

Le style baroque de Pierre Paul Rubens s'affirme par des courbes animées et une torsion audacieuse des corps. La couleur surtout domine son oeuvre jusqu'à devenir plus importante que la forme elle-même. Peintre renommé, il fut aussi ambassadeur. Il est un des artistes les plus influents de son époque. La reine Marie de Médicis lui fit de nombreuses commandes

MISE EN ESPACE

Pour préparer leur composition, les peintres créent souvent des maquettes de carton quadrillées. Ils fabriquent ensuite des figureines de cire qu'on habille et qu'on positionne dans ce décor selon l'effet souhaité et l'éclairage voulu. Cela permet de comprendre la place que les personnages occupent et de mieux les représenter.

LE GROUPE DU LAOCOON

Cette statue de l'Antiquité est composée de plusieurs gros blocs de marbre. Perdue pendant des siècles, elle est redécouverte à Rome en 1506. Ses personnages aux muscles tendus dans l'action, de même que l'expression réaliste de leur souffrance, ont énormément impressionné les artistes baroques. Ils y virent un modèle qu'ils imitèrent souvent.

LE REVE D'UN ROI

Le château de Versailles est sans doute le monument qui représente le mieux les idées du classicisme. Ses façades s'inspirent des temples romains, et sa symétrie donne à l'ensemble un bel équilibre. Né de la volonté de Louis XIV, il est conçu pour mettre en valeur la personne du roi. Louis le Vau et Jules Hardouin Mansart en sont les principaux architectes.

PETIT POUSSIN DEVIENDRA GRAND

Nicolas Poussin est le peintre classique par excellence. Son inspiration lui vient des histoires mythologiques ou bibliques. Ses tableaux sont composés avec une nette rigueur géométrique. Pour mieux souligner l'harmonie des formes et leur clarté, il utilise une peinture lisse, sans aucune touche apparente, ainsi que des couleurs douces et lumineuses.

EPOQUE CONTEMPORAINE

vers de nouvelles formes

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1840 à 1900

A partir des années 1840-1860, de plus en plus de voix s'élèvent contre la domination de l'Académie sur la production artistique. S'opposant à l'uniformité des styles, de jeunes étudiants apportent de nouvelles façons de représenter le monde. La société bourgeoise de l'époque, peu encline au changement, tente tant qu'elle peut de les empêcher. Toutefois, en l'espace de trente à quarante ans, une véritable révolution s'opère, changeant définitivement les conceptions classiques de l'art.

IMPRESSION SOLEIL LEVANT

Claude Monet, Auguste Renoir, Frédéric Bazille et Alfred Sisley créent ensemble un courant artistique appelé "impressionisme", du nom d'une toie de Monet de 1872, impression,soleil levant. Lors de leur première exposition commune, le scandale est immense : pour la première fois dans l'histoire de l'art occidental, le rôle de la couleur devient plus important que la précision du dessin.

UNE HISTOIRE DE TACHES

En 1839, Chevreul, un chimiste, publie un livre où il explique que le cerveau fait lui-même de la couleur : si on pose deux taches côte à côte, l'une jaune et l'autre rouge et qu'on s'éloigne, plus elles se confondent pour ne donner qu'une couleur, le orange. C'est cette technique que les impressionnistes utilisent, laissant ainsi apparaître les traits de pinceau sur la toile.

SAISIR L''IMAGE ET LE TEMPS

La photographie apparaît entre 1826 et 1839. Cette nouveauté, qui permet de reproduire la réalité, est très tôt utilisée dans un but artistique. On assiste à de véritables mises en scène pour illustrer des sujets historiques ou littéraires. Les premiers photomontages témoignent aussi du goût de l'époque pour le fantastique et le merveilleux.

SCULPTURES

Ce que les impressionnistes font en peinture, Camille Claudel et Auguste Rodin le font en sculpture. Talentueux l'un comme l'autre, ces deux artistes entretiennent une relation compliquée faite d'admiration et d'amour et de rivalité. La force et la puissance de leurs oeuvres les classent parmi les sculpteurs les plus originaux et influents de leur temps.

ENCORE PLUS DE COULEURS !

Paul Gauguin d'abord impressionniste, voyage beaucoup et choisit pour s'installer des lieux où la lumière et la couleur lui offrent de forts contrastes, comme l'île de Tahiti. Ses oeuvres aux lignes appuyées délimitant de larges zones de peinture vive, un peu comme un vitrail, seront une influence majeure de la génération d'artistes suivante.

NOUVELLES TECHNOLOGIES !

Pendant longtemps, les peintres ne s'éloignent guère de leur atelier. En effet, le matériel de peinture est lourd, et les beaux paysages sont éloignés des villes. Mais grâce au développement du chemin de fer ainsi qu'à l'invention du tube de peinture et du chevalet portatif les artistes se déplacent plus facilement, au gré des saisons et de leurs envies.

LUMIERES MODERNES

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1900 à 1950

Après le choc énorme créé par les impressionnistes, les frontières de l'académisme cèdent sous la nouveauté. Tous les domaines artistiques s'ouvrent vers des horizon jusque-là inconnus. Alternant entre courtes période de paix et deux guerres mondiales, l'Europe voit fleurir en quelques années des formes et des styles très différents. Paris, Vienne et Berlin sont alors les capitales des arts et drainent en leur sein mille et un artistes qui s'inspirent du temps présent.

L'ART DE FAIRE DES NOUILLES!

L'art nouveau est un courant apparu dans le nord de l'Europe vers la fin des années 1800. Caractérisé par des formes courbes

pop !

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1950 à 1970

La seconde guerre mondiale se termine en 1945 et, après bien des blessures, l'Occident bénéficie d'un vif regain économique. Les artistes se tournent vers l'avenir et poursuivent leur questionnement sur l'art, amorcé cinquante ans plus tôt. Deux tendances se développent en même temps : l'une privilégie un retour vers le figuratif, l'autre penche plutôt vers l'abstraction, c'est-à-dire que les sujets sont représentés de manière à susciter fortement l'imagination.

Et maINTENTANT ?

La seconde guerre mondiale se termine en 1945 et, après bien des blessures, l'Occident bénéficie d'un vif regain économique. Les artistes se tournent vers l'avenir et poursuivent leur questionnement sur l'art, amorcé cinquante ans plus tôt. Deux tendances se développent en même temps : l'une privilégie un retour vers le figuratif, l'autre penche plutôt vers l'abstraction, c'est-à-dire que les sujets sont représentés de manière à susciter fortement l'imagination.