La figura humana

GASTRONOMÍA, HISTORIA, ARTE Y CIENCIA

PERTENECIENTE: LCDA. TERESA VILLA COX, MSc.

02 La figura humana en el arte

Introducción

Desde un principio la figura humana ha sido tema y punto de representación, y por ello ha tenido un cambio a través del tiempo. Este no ha sido de forma drástica, sino que ha evolucionado a lo largo de la historia. En este trabajo se dará a conocer de una mejor marera la evolución de esta figura humana en las siguientes etapas:

• Prehistoria
• Egipto
• Grecia
• Edad Media
• Renacimiento
• Barroco
• Romanticismo
• Vanguardismo.

La figura humana

El cuerpo como vehículo de la propia expresión implica un largo recorrido que involucra crecimiento y asociación de sensaciones, percepciones y emociones. El dibujo de una persona ofrece un medio natural de expresión de las necesidades y conflictos del cuerpo de uno.El cuerpo humano como elemento de representación en el arte fue llamado "figura humana" por los artistas, para describirla, exaltarla de manera simbólica y como expresión de deseo, al igual que el rostro humano, que es uno de los principales objetos de estudio del arte. Al contemplar el mundo, el ser humano se identifica con él y, mediante esta relación, crea y se expresa artísticamente.

La figura humana a través de la historia

Prehistoria

La representación humana se inicia en este periodo de la historia, pero no era claro el sexo ni los rasgos físicos. Los hombres pintaban con las manos en las cavernas. Para ello utilizaban sangre de animales o jugo de frutos. Representaban escenas de cacería, y a veces dejaban representadas sus manos.

• La figura humana pasa a ser el centro de las distintas composiciones pictóricas. Estas eran de un tamaño reducido en comparación a las demás obras. Representan escenas de un extraordinario valor narrativo, donde se puede observar un intenso dinamismo vital, donde se exageran incluso los rasgos de movimiento.
• Generalmente se representaban luchas, danzas y escenas relacionadas con la agricultura y ganadería.

Egipto (2350 a.C.)

Las figuras humanas no eran realistas; dibujaron de perfil y sin movimientos. En el arte egipcio la figura humana estaba regulada por unas estrictas proporciones donde se tienen a la mano y al brazo como módulo de las demás medidas. Los egipcios aplicaban la Ley de Torsión o Frontalidad, es decir cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. La figura debía tener todas las partes a la vista (debía ser completa) ya que al ser representada adquiría un carácter simbólico y mágico.

El inspector de Escribas

Plañideras en los funerales delvisir , XVIII Dinastía

Grecia (500 – 100 a.c)

Para los griegos el cuerpo humano era muy importante, las esculturas son claras manifestaciones de lo importante que eran. Los griegos pintaban figuras imperfectas pero que aun así mostraban expresión y vida. El arte fue mayoritariamente esculturas. Las pinturas se pueden observar en los utensilios. expresión y vida. La figura humana se caracterizaba por ser simple y estilizada. En cambio las esculturas eran sumamente detalladas logrando alcanzar la perfección del ser humano.

Edad media (1200 d.C)

El arte de la edad media era mayoritariamente de carácter religioso. Las características de las obras en esta época se pueden apreciar en vírgenes, ángeles, santos, reyes, profetas, etc., que eran composiciones magnificas y claras con pliegues ligeramente angulosos en los ropajes. En el siglo XV la figura humana se hace más naturalista y los rostros se convierten en auténticos retratos.

Renacimiento (1400 d.c)

Ha sido uno de los movimientos más importantes dentro del ámbito del arte. El artista comenzó a interesarse por la anatomía humana, la cual fue hecha con perfección. En el Renacimiento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de la objetividad y de la naturaleza espiritual, esto quiere decir que "la hermosura de los cuerpos depende de la imagen espiritual que transparenta la apariencia de los mismos“. Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos del alma. La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un desperfecto

Alegoría de Primavera, Botticelli, 1478-1482

Nacimiento de Venus, Botticelli, 1478

Barroco (1600 d.c)

Los artistas muestran un gran sentido de movimiento y energía. Además, buscaron representar los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, reflejados en los rostros de sus personajes. El estilo Barroco ha sido uno de los más arraigados en el arte occidental. Posee dos núcleos distintos: el norte dominado por la reforma protestante y el sur por la contrarreforma católica.

• Transcurrió entre los siglos XVII al XVIII.
• La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.
• En las representaciones se buscaba capturar el momento de mayor dramatismo.
• Dentro de la figura humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento, energía y tensión. Una intensa espiritualidad se mostraba con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.

• Movimiento: las figuras eran representadas en acciones violentas o de esfuerzo. En la ropa se apreciaba la agitación, mayormente en los pliegues de estas.
• Teatralidad: se muestra todo de forma exagerada y con actitudes elocuentes lo que hacen del barroco una representación dramática.
• Claroscuro: Se busca que los personajes se vean envueltos en una atmosfera de luminosidad.
• Patetismo: se muestras estados de animo como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., donde se pueden percibir en los rostros de la manera mas realista.

Figura humana del barroco

Anatomía, Rembrandt, 1632

Las Tres Gracias, Rubens, 1639

Romanticismo (1800 d.c)

Las figuras tenían las líneas más suaves y onduladas. El color era tenue y matizado; la composición fue más dinámica. La pasión y el sentimiento son transmitidos por la obra. Surge en Francia a principios de siglo XIX. En el romanticismo el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas. Existía una libertad de expresión. Era importante lo que el artista quería expresar, no como hacia la obra. La figura en el estilo del Romanticismo contiene líneas suaves y onduladas haciendo así la pintura un poco con mas sentimiento. El color es tenue y matizado, la composición es más dinámica. La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia nacional y en culturas del lado Oriente. Se presentaba entre lo real y lo ideal.

Viajero frente al mar de niebla, Caspar David Friedrich, 1818

La Maja Desnuda, Goya, 1800

Vanguardismo (1900 d.c)

Los movimientos de vanguardias de fines del siglo XIX y principios del XX, llevan nombres como cubismo, dadaísmo, surrealismo, pop art, etc. Cubismo: la figura humana se representa con figuras muy geométricas. Dadaísmo: los artistas utilizan figuras amorfas. La figura humana es totalmente abstracta y queda a la imaginación de quien ve la obra. Surrealismo: La figura humana puede llegar a ser un elemento de atención en las obras pero con cierta simbología. se caracteriza por crear cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Pop art: iniciado en el continente Americano, usaba la figura humana como personajes populares para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad.

Conclusión

Según podemos ver, la figura humana fue evolucionando tratando de alcanzar la perfección, iniciando desde las formas y figuras mas simples en la prehistoria. Luego no importó tanto la belleza sino lo realista y detallista que fuera la obra.